Recomendaciones para la primavera (2020)

Desde luego que esta no va a ser la mejor primavera, vivamos donde vivamos. Toca enfrentarse a una situación dura y única. Lo mejor para estos momentos, sabiendo que a muchos de nosotros nos toca refugiarnos en nuestros hogares durante semanas, es recrearnos en nuestro tiempo de ocio para sobrellevar estos días lo mejor posible. Mangas, animes, videojuegos… ¡incluso canales de Youtube! Tenemos a nuestro alcance miles de opciones para hacer de este tiempo algo más ameno. Ya acumulamos una gran cantidad de recomendaciones, pero allá van unos cuantos títulos más que podéis disfrutar. ¡Y ánimo si os toca trabajar o seguir estudiando!

Recomendaciones de Judeau

Ori and the Will of the Wisps (Moon Studios)

En los difíciles tiempos que corren, es mejor refugiarse en cosas preciosas. Ori and the Will of the Wisps es, posiblemente, el mayor exponente y toda una bendición para los ojos.

Recomendar este título es recomendar también su precuela, Ori and the Blind Forest. Salió hace ya unos años y es un juego indispensable si disfrutas de los metroidvania como Hollow Knight. Así que, ¿por qué centrarme en la secuela? Pues es sencillo. Ori and the Will of the Wisps acaba de salir hace muy poquito y, sobre todo, mejora drásticamente todo lo que Blind Forest ya hacía bien.

En términos de historia no hay mucho que contar. Es una trama muy sencillita a la vez que tierna y muy dramática. Manejas a Ori, un espíritu del bosque que se ha separado de su amiga buhíto Ku mientras estaban de aventuras por los cielos de Niwel, una zona fantasiosa repleta de maravillas… y de peligros. El Árbol del Espíritu que funciona como corazón de la región ha perdido su luz y, por ello, una plaga ha asolado la mente de los habitantes y ha contaminado sus tierras. Así que toca salvar al bosque y a nuestros amigos.

La maestría del juego y donde de verdad brilla es en la jugabilidad y en su diseño artístico. Respecto al arte no hay mucho que decir… es precioso. Perfecto. ¡Miradlo! Es una obra de arte y cada zona, cada fotograma, podría pasar por un cuadro bellísimo. Para aderezarlo, la música te pone los pelos de punta y emociona a partes iguales.

La sensación de control siempre es difícil de explicar, pero puedo asegurar que es maravillosa. Roza la perfección. Y como todo buen metroidvania, cuanto más progresas y más te haces al movimiento, más satisfactorio resulta. Tanto, que es un deleite el simple hecho de desplazarse por el mapa sin ningún objetivo en mente. Por supuesto el combate no se queda atrás. Es rápido, sencillo y tremendamente adictivo.

Así que, no sé a qué esperáis si os gusta mínimamente este tipo de juegos. Es de los títulos más accesibles de su género, y tanto el primero como éste lo podéis jugar con el Xbox Game Pass por 4€ al mes si disponéis de una Xbox o un ordenador con Windows 10. ¡Y son juegos cortitos! Hay tiempo de sobra de pasarse ambos en un solo mes.

Keep your Hands off Eizouken (Masaaki Yuasa)

Y siguiendo con obras ligeras, toca hablar de la nueva serie de animación de Masaaki Yuasa, el famoso director y animador de otros anime como Ping Pong: The Animation o Devilman Crybaby.

Adaptada del manga homónimo de Sumito Ōwara, Keep your Hands off Eizouken es una historia que sigue a un grupo de tres amigas en persecución de su sueño: crear un estudio de animación en su instituto. Midori Asakusa y Tsubane Mizusaku son unas grandes amantes de la animación, mientras que Sayaka Kanamori parece estar en el grupo por el provecho económico y por ayudar a sus amigas.

No sólo Asakusa y Mizusaku aman con pasión el medio, sino que desbordan una creatividad y un talento increíbles. Cada capítulo se ve inundado por una miríada de conceptos y de fantasías de ambas amigas, donde se sumergen en la imaginación y juegan con sus propias ideas para desarrollar las historias de mundos imposibles.

Así, guiados levemente por un profesor de la escuela —que recuerda mucho a Hayao Miyazaki de joven—, se embarcan en la titánica tarea de crear varios cortos de animación para proyectar en la escuela y, de paso, ganar unos dineros.

Creatividad aparte, resulta extraordinaria la fidelidad con la que relatan cada pequeño detalle necesario en la creación de un anime. Grabación de los celuloides, storyboard, sonorización, montaje… incluso se atreven a hablar de la sobreexplotación que sufren los animadores.

Además, el instituto donde se desarrolla la acción es una maravilla arquitectónica. Algo así como la megaciudad de Blame!, parece ser un grupo de construcciones, carreteras, y ríos que ha crecido orgánicamente, resultando en un caos urbanístico. Solo que es mucho más acogedor que la obra de Tsutomu Nihei, por supuesto.

Es una oda a la animación como medio, condensado en 12 capítulos llenos de momentos divertidos, con un humor ligero y ameno. Puedo asegurar que cada capítulo te deja con una sonrisa en la boca.

 

Recomendaciones de Suzume

Shin Sekai Yori (anime y novela)

Descubrí SSY por unos gifs donde aparecía una pareja de chicos besándose. Investigué y encontré que también había una pareja de chicas. Cautelosa, me aproximé a cotillear la historia. Una distopía donde la Humanidad ha desarrollado terribles poderes telequinéticos y lo que parece ser una vida ideal en realidad esconde terribles secretos.

No podía creerme que hubiera encontrado una trama con personajes LGTBI que no fuera un yaoi o yuri. Empecé a ver la serie y me encontré con que la narrativa, sobre todo en los primeros capítulos, era extraña. Desorganizada. Pero no me importó, porque presentaba un mundo fascinante y, de todas formas, una vez presentada la historia avanzaba con mucha más seguridad.

La ciencia ficción suele crear mundos cyberpunk como Blame! o Akira, y atosiga en general con tecnofobia. Shin Sekai Yori, en cambio, transcurre en un utópico mundo campestre. ¿Y por qué? Bueno, porque los humanos no necesitan nada más. Con sus poderes, el Cantus, pueden sustituir cualquier motor, alterar la genética de animales para que se domestiquen hasta extremos nunca vistos, y son capaces de realizar las más asombrosas tareas como flotar en un parpadeo de ojos. Sin esfuerzo. Todo parece maravilloso, pero muy pronto, gracias al empleo de la siniestra música, de los colores y de pequeños detalles que te ponen el pelo de punta, te das cuenta de que no.

Que esta sociedad es terrible.

Shin Sekai Yori es el testimonio de una mujer llamada Saki Watanabe que, dentro de mil años, escribirá la historia de su vida para que no se repitan los pecados que produjo su sociedad. Es la historia de una mujer que mira atrás y recuerda lo aterrorizada que estaba su madre porque Saki no conseguía despertar sus poderes y no quiere perder a otra hija. Es la historia de un grupo de cinco niños que no recuerda que, una vez, hubo una sexta chica con ellos. Una que desapareció cuando quedó claro su torpe control sobre el Cantus. Es la historia de niños que se atrevieron a investigar y fueron castigados por ello… aunque luego no puedan recordarlo.

En Shin Sekai Yori encontraréis un mundo futurista, pero que ha involucionado. La sociedad ha recuperado una mezcla de budismo y shintoismo, creando festivales, narrativas y cuentos sobre demonios y demonios del karma que terminan por cobrar un sentido científico escalofriante. El worldbuilding es de los mejores que he visto nunca, y aunque los personajes dejan que desear, incluso en la novela (que recomiendo bastante a pesar de que es un poco farragosa), porque Shin Sekai Yori está más interesado en mostrar un mundo con protagonistas que reaccionan al mismo en vez de personalidades profundas que se rebelan contra él. Y eso es lo más fascinante, porque por una vez vemos el mundo a través de los ojos del opresor, del privilegiado, del poderoso… Que a su vez es una víctima del sistema.

 

Extra Sci fi

He decidido variar un poco en las recomendaciones, porque confío en que habrá gente que se verá atraída por este tipo de contenido. Llevo meses disfrutando de Extra Credits, un grupo de divulgadores de Youtube que se dedica a crear pequeños videos animados de unos diez minutos (o menos) para extender el conocimiento. Tienen más de 300 episodios variados de la Historia del mundo, pero aquí en particular venimos a hablar de Ciencia Ficción.

En esta serie encontraréis 63 vídeos detallando el origen del género. Y sí, no tiene mucho que ver con anime/manga… No directamente, al menos. Sin embargo, creo que cualquier fan de Akira, de Ghost in the Shell, Evangelion o Star Wars encontrará deliciosa esta lista de pequeñas historias. Desde Frankenstein al cyberpunk, pasando por Julio Verne, Tolkien (sí, Tolkien) e Isaac Asimov, Extra Credits hace que nos demos cuenta de cómo hemos llegado a tener todo lo que damos por sentado.

¿Qué sería del steampunk si Julio Verne no hubiera existido? Desde luego, no tendríamos las historias de Miyazaki. ¿Y sin las grandes distopías? Que no habría ni Shin Sekai Yori, ni Psycho-Pass, ni Ergo Proxy. El juego de culto I have no mouth and I must scream tampoco habría visto la luz. ¡Gundam no existiría! ¡Astro Boy no sería una respuesta a tantas historias de robots que empezaron a plagar el siglo XX! Y, desde luego, no habría Lovecraft, ni tampoco Conan el Bárbaro (con todas sus influencias en obras como Berserk o Canción de Hielo y Fuego) ni Bloodborne, ni Call of Cthulhu ni Stephen King, así que tampoco tendríamos Alan Wake y sus derivados.

Extra Credits vuelve lo que podría ser una lección aburrida, en una aventura interesante, con comedia, ironía y mucho amor. La pequeña trilogía dedicada al Señor de los Anillos y la creación de la mitología, de la grandeza de un mundo que no es el nuestro, pero que podemos amar como si lo fuera, deja sin aliento. Es esta construcción del universo lo que tanto ha influenciado a obras como Dragon Age, Mass Effect, a The Witcher y títulos que han buscado transfigurar al jugador con su worldbuilding. Y ver los orígenes de estas historias, para mí, no tiene precio.

 

Recomendaciones de Dena

Assassin’s Creed: Odyssey (Ubisoft)

Assassin’s Creed no necesita ningún tipo de presentación y, si nos paramos a pensarlo, Odyssey tampoco. Fue el juego que le dio el golpe de gracia a la saga tal y como la conocíamos, y que por ello se ganó el amor y el odio de su comunidad.

Es evidente que si aparece en esta sección es porque yo formo parte del primer grupo, pero ¿por qué recomendar algo tan famoso habiendo obras geniales que pasan mucho más desapercibidas? Pues porque estamos en cuarentena y lo han puesto gratis un par de días, básicamente. Y si estáis dudando entre comprarlo o no, quizás pueda ayudar.

Terminé la historia base de Odyssey hace un par de meses y me encantó. Es el primer juego de la saga que me he pasado y siento que ninguno —anterior o posterior— podrá estar a la altura por un millar de razones. Y sí, algunas de ellas son la posibilidad de tener a una protagonista mujer por primera vez en la historia, o de tener opciones de romance que van más allá de una heterosexualidad forzada, detalles pequeños que tienen un gran impacto positivo para sus jugadores. Pero, de nuevo, hay decenas de obras con personajes femeninos importantes o LGBT. Lo que ha hecho destacar tanto a Odyssey para mí es que está narrado bajo una significativa mirada femenina.

Kassandra, así como el resto de mujeres que aparecen (y sí, me refiero a todas ellas) en ningún momento cumplen los estándares masculinos de belleza o fortaleza. Para muchos guionistas y directores hombres, sólo existe una dualidad que va de damisela en apuros a femme fatale, y son incapaces de explorar otras ideas. En Odyssey sí se salen de esa dualidad, y tenemos a todo tipo de mujeres muy complejas. Y lo que resulta igual de interesante: esa mirada femenina también se extiende a los hombres del juego. Pero eso lo exploraremos mejor en un artículo aparte, que las recomendaciones se me quedan cortas.

Si estás dudando entre comprarte Odyssey o no, hazme caso: cómpralo. Los personajes son una gran razón, para mí una de mucho peso, pero la historia también compensa. Irradia esa energía caótica que tienen los mitos griegos (y muchas telenovelas), es exageradamente divertido y tiene mecánicas muy adaptables al gusto de todos los jugadores, entre ellas un sistema de habilidades muy a lo RPG o una narrativa en la que todas tus acciones tienen consecuencias. Tened mucho cuidado con eso si vais a darle una oportunidad~.

 

Ghost Trick: Detective fantasma (Jupiter, Capcom)

Pasemos a una joyita algo menos conocida. De los creadores de Ace Attorney tenemos también Ghost Trick, un juego de 2010 que ha pasado muy desapercibido en comparación con su hermano mayor. Ghost Trick empieza con el despertar de nuestro protagonista, Sissel, que acaba de morir y convertirse en fantasma. No recuerda nada de su vida, ni siquiera de sus últimos momentos, y tiene sólo una noche para tratar de reconstruir el misterio.

Lo más atractivo de Ghost Trick es su forma de reinventar los juegos de puzzles. Como fantasma, uno no puede moverse con libertad, y tiene que ir poseyendo objetos y empleando «trucos» para activarlos o moverlos, y viajar a distintos lugares mediante las líneas telefónicas. Con la ayuda de Lynne, una detective desesperada por resolver un caso imposible, nos toca usar esas habilidades para salvar vidas y avanzar por la historia.

Capítulo a capítulo, nos encontramos con una muerte. Debemos comunicarnos con el fantasma del fallecido y volver cuatro minutos atrás en el tiempo para impedir la desgracia y recopilar información que nos dé pistas.

A decir verdad, es un sistema difícil. Hay decenas de objetos en cada pantalla, y hay que activar o desactivarlos en un orden muy concreto para que salga bien. Aprendes a base de puro ensayo y error, y eso puede resultar frustrante; algo a tener en cuenta, que puede no ser del gusto de todos. La historia como tal tampoco, hay que tener en cuenta que es un producto de hace diez años y… bueno, de la misma manera que comparte muchas de las virtudes de Ace Attorney, también tiene sus defectos. Y si Odyssey tiene grandes personajes femeninos, Ghost Trick deja bastante que desear. Tiene pocos, y son bastante caricaturescos y planos, aunque cabe decir que eso es un poco independiente del género.

Pero teniendo todo eso en cuenta, no deja de ser un videojuego muy disfrutable, con una animación magnífica, y que merece un sitio en estas recomendaciones. Al fin y al cabo, tenemos al perrito Missile para acompañarnos, y sinceramente, si eso no os convence, nada lo hará.

Recomendaciones de Ryuuju

Diamond no Ace (Production I.G y MADHOUSE)

Hay obras que dejamos de lado. Sin darnos cuenta, o porque no están alto en nuestra lista de prioridades, pasa el tiempo y… siguen ahí, en la lista que, inexorablemente, se vuelve más y más larga. En lo personal me sucede mucho con series largas, sobre todo si son animadas. Sin embargo, ahora mismo estamos en una situación particular: ¿qué mejor que aprovecharla para ver lo que en circunstancias normales pospondríamos por no tener tiempo? En esta línea, mi recomendación es Diamond no Ace.

También conocida como Ace of Diamond, esta serie sigue la historia de Sawamura Eijun, un chico que ama el baseball. No sólo eso, sino que adora a su familia, y al equipo con el que juega desde hace tres años años. Por eso se niega a ser reclutado. Y qué decisión, porque llama la atención de una caza talentos después de perder en un campeonato porque su catcher no pudo atrapar su lanzamiento, nada menos. Eijun es bueno, y tiene potencial, al contrario del resto de su equipo. Por ello, pese a su negativa, la reclutadora lo convence de ir a ver una práctica… y vaya práctica.

A pesar de pelearse con un chico, queda francamente impresionado por la profesionalidad de los jugadores, en especial del catcher, que puede atrapar cualquier lanzamiento. Por una vez, Eijun no tiene que contenerse. Y aún con sus reticencias iniciales, termina por unirse al Seidô, donde podría decirse que empieza la historia en sí; Eijun se ve inmerso en un equipo que está decidido a volver a las Nacionales. Practica más que nadie, y a su ritmo hace amistades y se encuentra de a poco en el equipo. De a muy poco.

¿Mencioné ya que esto es una serie larga? Porque lo es, y se nota muchísimo a la hora de desarrollar personajes, la historia, e incluso a la hora de ver partidos. Y vaya partidos. Si os gusta la idea de estar en tensión capítulos y capítulos, dadle una oportunidad. Además, la animación corre de parte del esfuerzo conjunto de Production I.G y MADHOUSE, y es una maravilla: la calidad es constante, y adaptan a la perfección el estilo del manga, tanto en la tensión, como en la comedia y el drama. Pero no es sólo la animación la que brilla en el aspecto técnico, sino que el sonoro, desde la OST hasta la actuación de los seiyû, va perfecto y ayuda a intensificar el visionado.

Eso sí, como consecuencia de que sea una obra tan larga es que vemos el pasar del tiempo, lo que implica ver graduaciones y sufrir, sufrir mucho (no necesitaba tener el corazón de una pieza de todos modos, para qué. Malditas graduaciones). Pero para compensar tenemos la oportunidad de ver cómo se influencian los personajes entre sí (sobre todo los mayores a las generaciones que les siguen), y arcos de personajes que no se solucionan de la noche a la mañana. Esto que se agradece en especial cuando se habla de lesiones o traumas.

El único punto negativo a considerar de Diamond no Ace es… la falta de personajes femeninos. A lo largo de toda la serie puedo contarlos con los dedos de las manos, y más aún si consideramos los que son importantes. Además, otro detalle importante es que, al contrario de obras como Haikyû!!, no tenemos explicaciones de cómo funciona el deporte en sí, sino que sólo se nos enseñan lanzamientos o jugadas concretas. Personalmente no me parece algo que interfiera la experiencia, ya que al empezar a ver no sabía nada de baseball y aun así pude seguir los partidos (y aprender en el proceso, lo que siempre viene bien), aunque puedo ver cómo los fans o entendidos del deporte puede que vivan los partidos con más intensidad.

Pese a estos aspectos algo más negativos, aquellos que le den una oportunidad y les guste tendrán 178 capítulos del anime para disfrutar (y casi seguro llegarán más tarde o temprano, porque el manga sigue en publicación), para ver a Eijun y su equipo crecer una enormidad, conocer a sus rivales y, por supuesto, acompañarlos en el camino a las Nacionales.

 

Reach the Moon (kikowei)

¿Alguna vez habéis sentido que no sois suficiente por un motivo superior a vosotros? ¿Que da igual cuánto os esforcéis, no llegáis al nivel que parecen tener otros simplemente por existir?

Nuestro protagonista, Amery, sabe lo que se siente.

En el mundo de fantasía donde se desenvuelve Reach the Moon, la magia es algo corriente, y la gente nace con ella. Incluso se mide en un test (el MQ), cuyos resultados afectan tanto la vida estudiantil como laboral de las personas.

Amery no tiene magia. O, mejor dicho, no puede usar magia como el test de MQ requiere, que es moviendo y levantando objetos. Pero, a fin de cuentas, eso se traduce en lo mismo: rechazo. No rechazo de la gente en sí (que veamos en la historia al menos), por más que piensen que es rarísimo, sino de instituciones.

El webtoon empieza cuando Amery se encuentra en una prueba de una empresa, donde reza que le den una oportunidad: porque es inteligente y capaz, y se ha preparado para las entrevistas, sólo necesita que alguien le dé una oportunidad para probarlo. La respuesta es la misma de siempre, un rotundo y enrevesado no. Cuando está a punto de ir a su casa a llorar el resto del día, se cruza con alguien saliendo de su mismo examen, Serafin. Y Amery, asumiendo que Serafin está teniendo un día tan malo como el suyo, lo invita a tomar un café. Si es que es un sol. A partir de ahí se conocen: Serafin pasa más tiempo en casa de Amery que en la suya, conocen a la familia del otro… y lo que empezó como interés evoluciona en cariño y respeto y, eventualmente, amor.

Poco más puedo decir sin spoilear nada, que es un cómic cortito. Pero lo que puedo aseguraros es que, en sus 33 capítulos, Reach the Moon se toma el tiempo para desarrollar tanto a ambos protagonistas (y a los dos personajes secundarios, hermanos de Amery y Serafin) como a su relación. La cual no es la solución a los problemas de los personajes, lo que no es sólo de agradecer, sino realista. Pero es una relación adorable, natural y que… no pretende mover montañas. Sólo están ambos, queriendo lo mejor para el otro, apoyándose entre sí, y siendo bonitos. No hay dramas porque son ambos chicos, ni malentendidos alrededor de sus sentimientos o los del otro, sólo… comprensión. Y calidez.

Aun así, el dilema de Amery en lo respectivo a su futuro profesional sigue existiendo. Serafin sigue sin saber si tiene una pasión o quiere hacer algo en particular, por más que todas las empresas le quieran en sus filas por su magia e inteligencia.

Puede sonar como es una historia más oscura que otra cosa, pero eso no podría estar más alejado de la realidad. Reach the Moon es una obra super adorable y… cálida. Está categorizada como Romance y Heartwarming en WEBTOON, y no podría estar más de acuerdo. El aspecto gráfico, además, es una maravilla. Complementa el ambiente soft de la historia, pero no se queda atrás cuando llega la hora de plasmar la ansiedad en viñetas. Y la composición, la paleta de colores… Adorable por completo, de verdad.

En resumen, si en esta cuarentena en vez de una serie larga os hace tilín algo más personal que os deje el corazón calentito, con personajes cucos y problemas con los que podéis empatizar y se sienten reales, Reach the Moon es vuestra lectura. Además, está terminada y es cortita, además de que la podéis leer gratis en WEBTOON, así que no hay excusas para no darle una oportunidad.

 

Recomendaciones de Rivka Ociosa

Resident Evil 4 (GameCube, PS2, PC, Wii)

Otra estación, otra recomendación. Dado que estamos inmersos en esta cuarentena, es hora de aprovechar para sacar material de la pila de pendientes o dedicarles tiempo a cosas que teníamos apartadas por las obligaciones diarias. Estos días intentad ser responsables y no pedir a domicilio por muchas ganas que tengáis de algo: el virus se irá en algún momento; los caprichos materiales, no. Seguirán en el estante de la tienda esperando por nosotros.

Dicho lo cual, hace poco salió al mercado el esperado remake del Resident Evil 3. Algunos ya lo tendréis en físico porque, ay… ¿cómo anular esa reserva que lleva meses pedida? Lo sé, lo sé. No os culpo (aunque recordad que existen la PS Store, la eShop, Xbox Live, Steam…), pero si estáis en la otra cara de la moneda y os habéis aguantado las ganas no es mala idea volver a visitar otro clásico de la saga mientras esperáis: el Resident Evil 4.

Este juego supuso muchos cambios en cuanto a mecánicas e historia. Protagonizado por el icónico Leon S. Kennedy, nuevo escolta del presidente de EEUU, se dejan de lado los zombies para introducir las Plagas, unos parásitos que invaden el sistema nervioso y controlan a sus huéspedes. La trama se localiza en España (aunque bastante modificada por el imaginario estadounidense), donde Ashley, la hija del presidente, ha sido secuestrada.

A pesar de tener sus años a la espalda es un juego que ha envejecido muy bien. El control es fluido y la cámara ayuda al situarse sobre el hombro de Leon y moverse con nosotros. Su lanzamiento fue en GameCube en el año 2005 para, poco después, ver la luz también en PlayStation 2. Ya en 2007 saldrían las versiones de PC y Wii, esta última con un apartado gráfico mejorado. Quizá en un futuro no muy lejano Capcom nos obsequie con otro remake.

 

La Tumba de las Luciérnagas (Isao Takahata, Studio Ghibli)

Hace ya dos años que nos dejó Isao Takahata, y nada mejor para honrar su memoria que recomendaros la que fue su primera película como director en el Studio Ghibli: La Tumba de las Luciérnagas. Basada en la novela homónima de Akiyuki Nosaka (a la que os aconsejo echarle un ojo), fue el tercer largometraje del estudio y está considerada por algunos críticos como una de las películas más influyentes sobre la guerra. Y se lo merece.

Con la acción situada en la ciudad de Kobe, se  nos muestra la dura historia de dos hermanos, Seita y Satsuko, quienes, con 14 y 5 años respectivamente, deben sobrevivir a los últimos estertores de la Segunda Guerra Mundial en un entorno devastado donde la aviación estadounidense no da tregua. Con su madre muerta por un bombardeo y su padre en el frente, ambos se refugian en casa de su tía, a quien no le agrada tener más bocas que alimentar.

El inicio ya nos marca lo que será el final: Seita agoniza por inanición en una estación de tren. Al morir, su espíritu se reencuentra con el de su hermana Setsuko y se inicia la historia que los llevó a esa situación. El hecho de saber de antemano el trágico final no le quita peso a lo que se nos cuenta, sino que lo hace más dramático al ver cómo ambos niños buscan sobrevivir de cualquier manera, ya sea robando o comiendo lo que no se debe.

No es una buena opción si estáis pasando un momento vulnerable u os afectan demasiado este tipo de relatos. Historias así duelen más porque no son ficticias.

 

Recomendaciones de Sally

Star Wars Jedi: Fallen Order (Respawn Entertainment)

En días como los que estamos viviendo, es normal que uno quiera evadirse y, ¿qué mejor forma de hacerlo que viajando a una galaxia muy, muy lejana?  

Fallen Order transcurre cinco años después de los eventos de La venganza de los Sith y nos pone en la piel de Cal Kestis, un Padawan que sobrevivió a la purga Jedi. Cal lleva desde entonces viviendo como una persona normal, trabajando como chatarrero, hasta que un día se ve obligado a usar sus poderes. Esto atrae el interés de la Inquisición, la fuerza imperial encargada de dar caza a los supervivientes de la Orden 66, que envía a un contingente a por él. En su huida, es rescatado por la Mantis, cuya tripulación está intentando reconstruir la Orden Jedi. Cal decide unirse a ellos, y juntos se embarcan en la búsqueda de una lista de niños sensibles a la Fuerza, siempre con la Inquisición y, en concreto, con la implacable Segunda Hermana, pisándoles los talones. A partir de aquí, la historia inicia un viaje que nos llevará a través de varios planetas, donde exploraremos antiguas tumbas, a veces resolviendo puzzles para continuar avanzando y también, sí, tendremos que abrirnos camino gracias a nuestra espada láser, al uso de la Fuerza y la ayuda del droide BD-1 (aka. el mejor droide de la galaxia). 

Pero no todo es trepar por lianas, lidiar con el Imperio o investigar restos arqueológicos de una civilización extinta. Uno de los temas centrales del Fallen Order son las elecciones, no solo en un sentido más heroico y positivo (elegir levantarse y pelear, ayudar a los demás, etc.), sino también en el más negativo: que alguien deba lidiar con las consecuencias de elecciones y actos en los que no ha tenido ni voz ni voto. Cal vive bajo la sombra de sus fantasmas, del trauma que supuso ver cómo todo su mundo quedase patas arriba después de la Orden 66 y de la culpabilidad por seguir vivo cuando otros, como su maestro, no tuvieron tanta suerte. Se trata de alguien cuya principal motivación al principio de la historia es básicamente sobrevivir, hasta que ve que es posible tener esperanza y luchar por un futuro mejor. Y aunque su desarrollo sea el más evidente, no es el único. Cere, Merrin o la propia Segunda Hermana son personajes también lastrados por su pasado, y cada una lidia a su manera con el odio, la culpa o la soledad. En general, todo el conflicto emocional del juego me parece muy bien llevado, con unos personajes muy humanos y unas buenas dinámicas entre ellos.

En cuanto a la mecánica y al juego en sí, el ir desbloqueando diferentes habilidades y la variedad de enemigos hace que los combates siempre tengan algo diferente que ofrecer y no parezcan algo rutinario. Y, bueno, Fallen Order está plagado de coleccionables. La gran mayoría de estos elementos son meramente cosméticos, por lo que si no os importa la customización o los logros, podéis omitir su búsqueda y centraros en la historia —aunque sí que hay coleccionables que os pueden interesar más, como las esencias de Fuerza y Vida o los cofres con viales curativos—. Pero la experiencia de poder personalizar cosas como tu espada láser (desde el material hasta el mango, pasando por el color de la hoja) hace que la aventura sea incluso más cercana. Y cruzar la galaxia con un poncho rosa es algo que no tiene precio.

Por último, algo que considero muy positivo es que Fallen Order es friendly con aquellas personas cuya relación con Star Wars se limite a lo que ocurre en las películas. Hay guiños y referencias al universo expandido, por supuesto, lo cual es una delicia para seguidores acérrimos de la saga. Pero los elementos que son importantes y que, para un fan más casual, pueden resultar desconocidos, se presentan en la propia historia. Esto, unido a que tanto la historia como los personajes son interesantes y las mecánicas entretenidas, hace que recomiende el juego no solo a personas más metidas en Star Wars, sino al público en general también. Mi única pega es que no es demasiado largo, pero incluso sin serlo la experiencia merece mucho la pena.

 

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Recomendaciones Mistral para el invierno de 2020

Parece que fue la semana pasada cuando publicamos nuestras recomendaciones de otoño. Sin embargo, ¡ya se nos ha echado encima el invierno! O el verano, si nos leéis desde el otro hemisferio. Así que, como siempre, aquí traemos unas recomendaciones de lo más variadas para que paséis entretenidos y calentitos el resto de la estación. Si tenéis suerte y disponéis de vacaciones, quizá podréis disfrutar de todos los títulos que os presentamos. En tal caso, no os olvidéis que el año pasado recomendamos otros tantos títulos. ¡Que paséis buenas fiestas y el capitalismo no acabe con vosotros!

Recomendaciones de Judeau

Girls’ Last Tour / Shōjo Shūmatsu Ryokō (Tsukumizu)

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Recomendaciones Mistral para Halloween~

¡Ha llegado Halloween! Y como el capitalismo puro y duro forma parte de esta costumbre, es hora de hacer unas cuantas recomendaciones en Mistral de productos apropiados para las fechas. ¡Vamos allá!

Recomendación de Suzume

MADK de Ryo Suzuri

MADK comienza con un muchacho llamado Makoto Tachibana (sí, como el de Free!) invocando a un demonio. El susodicho es el elegante duque J, cruel, despiadado y con muchos prejuicios respecto a su trabajo: conceder deseos a los humanos a cambio de hacerse con su alma. Así pues, al aparecer en el cuarto de Makoto, asume que querrá vengarse, conseguir un amor… Ya sabéis, lo de siempre.

Sin embargo, Makoto no quiere nada de eso. Qué va.

Lo que Makoto quiere es comerse las entrañas de J.

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Recomendaciones Mistral para el otoño de 2019

Ya estamos oficialmente en otoño, y eso significa época de cambios. Terminan las vacaciones de verano y llega el frío, la vuelta al cole y al trabajo. Para muchos es una alegría y para otros un suplicio. Pero tanto si te gusta como si no, en Mistral traemos una serie de recomendaciones para amenizar la estación. ¿Buscas sumergirte en la estética otoñal? ¿Olvidarte de que toca madrugar otra vez? Seguro que aquí encontrarás algo para ti. Y si quieres más recomendaciones, no olvides visitar el artículo que hicimos el año pasado.

Recomendaciones de Suzume

Silver Spoon (Hiromu Arakawa)

Ahora que regresa el momento de trabajar y de regresar a los estudios, creo que es una buena idea sentarse a disfrutar de Silver Spoon en los ratos libres. Después de leeer parte de los trabajos de Arakawa posteriores a FullMetal Alchemist reconozco que estaba entre decepcionada y preocupada por la falta de profundidad y de personajes bien construidos. Por supuesto, se puede achacar a que en general está adaptando obras ajenas, como en el caso de La heroica leyenda de Arslan, y desconozco hasta qué punto tiene libertad para ser original o ella misma. Pero con Silver Spoon me convencí de que si se deja a Arakawa contar una historia, sabe hacerlo. Y, más importante aún, puede explorar nuevas narrativas sin quedarse encajonada.

Silver Spoon es un slice of life que se basa en las propias experiencias de Arakawa, criada en una granja. Su protagonista es Yugo Hachiken, estudiante de unos quince años que no sabe qué hacer con su vida. Su profesor decide enviarlo a una escuela agrícola en el campo, dado que su único deseo claro es alejarse sea como sea de su familia. Allí descubre que su cultura, su dominio de las matemáticas y de las materias típicas no son tan básicas ni se le va a exigir una competición que raye el suicidio, como se da a entender que le ocurría en casa. Pero no le espera una vida fácil. Hay que levantarse a las cinco de la mañana, o a las cuatro si estás tan loco como para unirte al club de equitación, como hace Hachiken, trabajar directamente con animales que en muchos casos van a ser sacrificados para producir comida, limpiar constantemente mierda, lidiar con partos, con crías que vas a cuidar para enviar al matadero, además de aprender mucha biología y tener que tirar con las asignaturas corrientes.

¿Además? Hachiken descubre un nuevo mundo. Uno en el que nunca hay suficientes manos, donde sus compañeros se debaten entre perseguir sus sueños, ya sea como aspirantes a veterinarios, cuidadores de caballos o regentes de fábricas de leche y queso… O simplemente se resignen al hecho de que el campo es un negocio familiar y hay que heredarlo, sin más perspectivas de futuro que las impuestas por generaciones y generaciones que se enfrentan a las exigencias del capitalismo con resignada persistencia.

Lo que empieza como un simple shonen con personajes superficiales y no muy característicos termina por volverse familiar, simpático, agradable. Con una narración ligera y comédica, en cada capítulo aprendemos algo más de las granjas o asistimos a lo difícil que puede ser comer pizza cuando vives kilómetros y kilómetros alejado de la mano de Dios, ¡pero por eso es más satisfactorio lograr cocinar una! Los personajes no son grandiosos ni protagonistas de una aventura épica. Son gente corriente y moliente, con sus sueños, sus dudas, celos y deseos. Poco a poco los principales se van definiendo y forman parte de tu día a día, como es en el caso de Hachiken, y sonríes porque son amigos. Porque no hace falta una gran historia para que sea disfrutable el camino. Porque Hachiken no necesita saber cuál es su sueño, sino dedicarse a explorar, crecer y probar cosas nuevas. Un buen mensaje para aquellos que se obsesionan por culpa de la sociedad en saber ya, ya, pero ya, qué quieren hacer con su vida.

Aposimz (Tsutomu Nihei)

A los que les gusten las historias de fantasía, con un héroe que debe emprender un viaje para obtener venganza, y que a su vez estén cansados de los mundos tan típicos de occidente que beben exclusivamente de Tolkien… Este es su manga. Aposimz transcurre en un planeta artificial, en cuya superficie hace tanto frío que la vida roza el extremo más cruel posible. Etherow vive con otros tantos niños a cargo de un Encarnado, personas que han podido fusionarse con ciertos cambios bio-mecánicos y que se vuelven inmortales a menos que se les destroce el cerebro. En una de las expediciones para obtener comida, Etherow y su grupo se cruzan con Titania, una misteriosa mujer (que en general tiene aspecto de un adorable bichito mecánico) que lleva consigo seis balas insustituibles, que pueden incluso matar a los Encarnados.

Con el clásico imperio maligno intentando acceder al núcleo del planeta, caballeros que controlan la materia e imponen medidas draconianas sobre la población, hasta el punto de instalarles chips y matar a víctimas al gusto, la historia de Aposimz es un clasiquísimo viaje del héroe como puede ser Star Wars… Solo que Aposimz es ciencia ficción. Hay caballeros, hay rebeldes, hay pueblos escondidos, pero no encontraréis elfos, bárbaros ni gloriosas cortes medievales. El mundo de Aposimz es frío, despiadado, abandonado. El blanco lo llena todo, desde el hielo a la plaga que afecta a los habitantes del planeta y los torna lentamente en criaturas mecánicas. La gente come gusanos y bestias que viven entre cables titánicos, y el camino pronto intenta abandonar la superficie, sobre la que una última estación orbital controla escasamente la temperatura, creando una de las última zonas habitables.

Ah, y Aposimz es violento de una forma extrañamente fascinante. No hay grandes batallas, pero sí impacto real. La gente no muere dramáticamente tras prometer venganza, no. Los disparos desintegran cabezas, hacen explotar a las personas o los borran de la existencia. Las naves surcan el cielo y caen sobre pueblos para matar a distancia y sin mancharse las manos; enormes criaturas trípodes que parecen ser Inteligencias Artificiales son admiradas a distancia como dioses a los que no hay que acercarse si no quieres acabar bien aplastado bajo sus ataques.

Tanto si se conoce o no la obra de Tsutomu Nihei con Blame! o Sidonia no Kishi, Aposimz es una buena forma de acercarse a este autor porque ofrece lo conocido pero lo puebla de esas enormes e inspiradoras estructuras que sólo él sabe hacer.

También hay que advertir que hay… fanservice. Uno extraño, como ocurre siempre en las obras de Nihei, frío, distante y que no parece ser realmente sexualizado a pesar de que muestra desnudos. Como si… ¿se le indicara que hay que incluirlo? Pero sigue siendo una parte nefasta de su historia y eso hay que reconocerlo. Por suerte no abusa de él. Y, desde luego, el mundo merece la pena. Dadle una oportunidad y, con suerte, os enamorará cómo se aleja de convenciones típicas (desde el primer capítulo, que parece toda una deconstrucción) del shonen a pesar de que mantenga el espíritu del mismo.

Recomendaciones de Judeau

What Remains of Edith Finch (Giant Sparrow)

Es curioso la de sensaciones otoñales que me transmite este videojuego. Quizá por el entorno donde se desarrollan los acontecimientos: una casa ciertamente particular en medio de un bosque, y con una perpetua puesta de sol que tiñe el cielo de ocre.

What remains of Edith Finch es uno de esos títulos del mismo género de Tacoma: un walking simulator. A pesar de que este tipo de juegos hayan llegado a saturar el mercado y quizá cansar a la gente, los desarrolladores, Giant Sparrow, se las han arreglado para traernos uno de los juegos más originales que he podido probar en años. Sí, el 90% del juego consiste en andar, leer notas, o escuchar diálogos o los pensamientos de Edith, la protagonista que encarnamos. Pero eso no es todo.

Al principio del juego, Edith vuelve a la casa que perteneció a su familia desde hace más de un siglo y que tuvo que abandonar junto a su madre cuando era joven por causas que iremos descubriendo a lo largo del título. Como podemos comprobar por el diseño de este curioso hogar, han llegado a convivir juntas bastantes miembros de la familia. Y lo verdaderamente original y brillante del juego es conocer a esos miembros y sus historias.

Poco puedo decir que no vaya a chafar la experiencia o, al menos, la impresión y sorpresa inicial al toparse de lleno con cada una de las distintas historias de la familia Finch. Solo comentar que hay una gran variedad de mecánicas jugables distintas aparte de caminar, y cada una de ellas está diseñada de una forma tan exquisita e incluso orgánica, que hace que la inmersión en la historia que nos cuentan sea total. Los que lo hayáis jugado, coincidiréis conmigo en que la parte de la pescadería es uno de los niveles más excelentes que se han creado nunca en un videojuego.

Además, ¡no hay excusa! Está en absolutamente todas las plataformas de esta generación, y a un precio más que asequible para la maravilla que es. Eso sí, ¡es cortito! En menos de tres horas puedes completarlo sin ningún problema. Y eso es algo que, al menos en mi caso, me parece perfecto y me va de perlas. Porque llegar a conectar con tantos personajes en poco más que un par de horas no es fácil, pero What remains of Edith Finch lo consigue.

Dead Dead Demons Dededede Destruction (Inio Asano)

Inio Asano es uno de los mangakas más reconocidos de los últimos tiempos y se lo tiene bien merecido, y desde luego que sobran las palabras para describirlo. A pesar de que sus obras contengan contenido problemático, la humanidad y el realismo con la que trata sus historias y, sobre todo, sus personajes, es devastadora.

Por supuesto, su obra más reciente y que sigue en publicación —con hiatus más que ocasionales—, no está exenta de todo esto. Pero a diferencia del resto de sus historias, este tiene una ambientación scifi. Y es brillante.

No es una historia sobre astronautas viajando entre planetas, ni sobre batallas espaciales —aunque me gustaría ver cómo se desenvuelve Asano en estas historias—, sino sobre algo mucho más sencillo: una nave de proporciones gigantescas llegó a la Tierra hace tres años, donde concretamente descendió en el área de Tokyo, ocupando gran parte del cielo de la ciudad. Su aparición genera una serie de accidentes que han hecho cundir el pánico al mundo. ¡Accidentes, que no ataques! No hay marcianitos verdes, ni grises, si no algo mucho más… humano.

Aun así, la historia decide enfocarse más en el aspecto personal, en seguir el día a día de la humanidad respecto a esa realidad en la que viven, como si se tratase de un «What If» terriblemente realista. En concreto seguimos las vidas de dos chicas ordinarias—como no podía tratarse de otra forma con el autor de la historia—, Kadode y Ontan. Dos chicas de instituto normales y corrientes que nada tienen que ver con la nave espacial ni sus integrantes. ¡De momento!

Lo más particular de este manga está claro que son sus personajes, siendo personalmente de los más carismáticos que ha creado Asano —Ontan tiene puntazos en cada capítulo y con un humor muy particular—, y la profundidad de sus sentimientos. La sociedad que ha creado alrededor de esta historia se acerca a lo distópico y… ¿Lo verdaderamente escalofriante de este manga? Que es una sociedad demasiado parecida a la nuestra. A pesar del caos inicial, tres años después encontramos una sociedad totalmente habituada a la presencia de la nave. Tours turísticos para verla lo mejor posible, publicidad y merchandising sobre ella… quitando algún que otro accidente —y ojo, la palabra accidente es verdaderamente importante— puntual, la vida sigue con total normalidad.

Dead Dead Demons Dededede Destruction no solo es el título con nombre más raro de Inio Asano, si no su obra más ligera, con más humor y sin duda, de momento, la menos dramática —aunque no está exenta de ello, por supuesto—, y desde luego es junto a Solanin, una buenísima introducción a la obra del autor.

Recomendaciones de Dena

The Sexy Brutale (Tequila Works y Cavalier Game Studios)

Si sois de los que ya han abrazado la llegada del otoño, de su estética, Halloween y toda la pesca, The Sexy Brutale es un título imprescindible.

No os dejéis engañar por su nombre. The Sexy Brutale hace referencia a la mansión y casino donde transcurre el juego, y no, no hay nada sexy ni brutal más allá de su ambiente y estética, que son increíbles. Encarnamos al sacerdote Lafcadio Boone, que se encuentra junto con otros nueve invitados a un baile de máscaras que organiza el dueño del edificio, Lucas. Uno a uno, todos ellos morirán en el transcurso de la noche, y nuestra misión es evitarlo mientras revivimos la fiesta una y otra vez.

Día de la marmota, baile de máscaras, asesinatos misteriosos, fantasmas, una música espléndida… ¿Necesito seguir?

Si la respuesta es sí, yo encantada. Todos los elementos que hemos mencionado ya los hemos visto en cientos de obras antes, así que ¿qué es lo que hace a The Sexy Brutale único e interesante?

Lo cierto es que el juego brilla en muchos aspectos, siendo completamente objetiva. Los diseños de los personajes son llamativos y originales; la jugabilidad, a pesar de obligarnos a repetir siempre la misma noche, consigue romper con la rutina y no aburrir; y la trama es adictiva, si bien contiene algún que otro cliché que nos hará suspirar y poner mala cara. Las mecánicas hacen que el juego no resulte tedioso, dándonos un nuevo asesinato del que ocuparnos cada vez que impidamos uno, y nos permiten jugar con muchos elementos que harán de cada partida una aventura nueva y especial, incluso después de conocer el final.

Oh, ¿y he hablado de los personajes? Son, todos ellos, adorables. A pesar de que los conocemos poco tiempo —es lo que tiene ir tras ellos para salvarles la vida sin que se den cuenta—, cada uno consigue ganarse nuestro cariño gracias a su personalidad, su historia y su relación con el resto.

The Sexy Brutale consiguió ganarse el título de mejor juego de 2017 en varios medios especializados. ¿No es hora de vivirlo nosotros mismos?

Stardew Valley (Eric Barone)

Y seguimos con otro videojuego, uno bien diferente para los que pasen de Halloween y lo macabro y sólo quieran desconectar de la vuelta al cole y al trabajoStardew Valley cumple nuestras fantasías de abandonar la vida urbana e irnos a vivir a una granja.

Sí, eso es todo.

Nos sumergimos en un paraíso rústico en el que se nos da la oportunidad de empezar de cero. Conocer a nuestros vecinos, hacernos un hueco entre ellos, vivir de las verduras que cosechamos y de los productos que nos dan nuestros propios animales… Es cierto que hay cierta trama que transcurre en el pueblo, pero no se te fuerza a participar en ella y puedes hacer lo que te plazca con total libertad. Es sin duda uno de los mejores juegos para evadirse un ratito de la realidad, relajarse y sencillamente disfrutar sin otra presión que la de irte a dormir temprano para tener energía. Bueno, y que el capitalismo no devore al pueblo.

Los días pasan deprisa, y en Stardew Valley recorremos todo el año las veces que queramos. Como en Animal Crossing, la partida no tiene por qué terminar nunca. Otoño en particular es una época preciosa, de modo que si le dais una oportunidad aseguraos de llegar a esa estación y disfrutarla como se merece.

 

Recomendaciones de Rivka Ociosa

Los siete hijos del dragón (Ryoko Kui)

Era inevitable la presencia de Milky Way en estas recomendaciones de otoño. La editorial asturiana ya nos tiene más que acostumbradas a sus pequeñas maravillas, siendo una de ellas este tomo titulado Los siete hijos del dragón, de Ryoko Kui, a quien reconoceréis por su obra Tragones y Mazmorras. Nominada en varias ocasiones a los Manga Taisho, la autora nos trae en este tomo único siete pequeñas historias donde lo humano y lo sobrenatural se mezclan de forma magistral.

Los mundos que presenta Kui oscilan entre lo medieval y lo moderno. En estos entrañables y tiernos relatos, se nos invita a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza. Una relación en la que siempre pierde la segunda debido al poder que la humanidad ejerce sobre ella.

Entre descanso y descanso de las recién retomadas clases o la vuelta el trabajo, Ryoko Kui os ayudará a evadiros con historias de dragones, lobos, sirenas o dioses, todos perfectamente integrados en un mundo que aun no parece comprenderlos ni respetarlos, algo que resulta especialmente desgarrador en el relato de las sirenas, donde el protagonista es testigo de cómo la gente las trata sin compasión, matándolas por diversión e incluso explotándolas de formas horribles. ¿Es una crítica a nuestra relación con el medio ambiente? ¿O incluso una reflexión sobre cómo tratamos a los que consideramos diferentes? Os invito a que lo descubráis vosotras mismas y que os sumerjáis en los mundos de esta gran autora.

Fire Emblem: Awakening (Intelligent Systems y Nintendo SPD)

El otoño es una estación donde el clima ya invita a quedarse en casa los ratos libres con un libro, una manta, un chocolate, una película… o un buen videojuego al que echarle horas. Y nada mejor que un RPG para eso, ¿verdad?

Ahora que estamos invadidos por la fiebre del Three Houses, no es mal momento para irnos a la refundación de la saga allá en el 2013, saliendo a la venta, al fin, el Fire Emblem: Awakening. Cinco años de espera tras el estreno discreto en Wii del Radiant Dawn en el 2008 (2007 en Japón).

Viendo la acogida modesta que había tenido su sucesor en Wii y con Awakening lanzado al mercado en Japón en el 2012, Intelligent Systems confesó un año después en una entrevista que, durante su desarrollo, habían aceptado la posibilidad de que la franquicia Fire Emblem desapareciera si el juego no tenía éxito. Por suerte para ellos y para los fans de la saga, tal desastre no sucedió y el juego vendió muy bien, algo que permitió, posteriormente, su localización a occidente.

Como sabréis, Fire Emblem destaca por ser un RPG táctico por turnos, donde controlamos un ejército formado por unidades manejadas de forma individual para enfrentarnos a numerosos enemigos. El Awakening destacó por el hecho de que aunaba en un juego todas las novedades que la franquicia había ido implementando a lo largo de los años: un editor del personaje principal bastante completo, más de 40 clases, un sistema triangular de armas, posibilidad de explorar el mapa del mundo, tener conversaciones con NPCs y, como novedad, la posibilidad de entablar relaciones (heterosexuales) con otros personajes mediante un interesante sistema de afinidad. Obviamente, completar todo esto al 100% requiere muchas horas de dedicación. En mi caso fueron más de 50 y no lo exprimí por completo.

Los sucesos del Awakening nos sitúan sobre 2000 años después de Shadow Dragon (Nintendo DS) en el país de Ylisse, un lugar que empieza a vivir las tensiones políticas propias de un territorio vasto y extenso con vecinos no siempre muy amigables. Recomendable, en especial, para todos aquellos que gusten del drama, el rol y personajes entrañables (Chrom se ha ganado una plaza junto a históricos del Fire Emblem como Ike o Marth). Una opción más que acertada para estas nuevas tardes de otoño.

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Recomendaciones Mistral para el verano de 2019

¡Ha llegado el el horrible calor! Tened mucho cuidado, bebed agua, poneos crema de sol y todo eso. Aparte, disfrutad de las vacaciones (los que las tengáis) y, si os apetece, pillad algunas de las nuevas recomendaciones de Mistral para el verano. Recordad que aquí tenéis todas las que ya hemos hecho.

Recomendaciones de Suzume

Tales of Zestiria (Namco Tales Studio)

En un mundo donde los humanos han perdido casi por completo la capacidad de ver lo sobrenatural, la Malicia amenaza con apoderarse del subconsciente de la gente y transformarla en lo peor de sí misma. La única forma de asegurar una balanza es mediante un Pastor capaz de purgar la Malicia y que esté dispuesto o dispuesta a dedicar su vida a luchar contra la constante tendencia a dejarnos llevar por nuestra parte más oscura.

El protagonista de este videojuego es Sorey, un humano, a quien acompaña su amigo de la infancia Mikleo, un Serafín. Ambos se han criado en una aldea alejada del mundo humano donde no hay Malicia ni verdaderos peligros, pero cuando la princesa Alisha lo alcanza por pura casualidad y se ve perseguida por Infernales (criaturas infestadas de Malicia), emprenden el camino para que Sorey se convierta en Pastor y pueda evitar que el mundo se vuelva completamente inhabitable.

Este título de los Tales of guarda un lugar muy especial en mi corazón por varios motivos. Entre otros, la descarada pareja romántica que son Sorey y Mikleo, con este último ocupando el lugar tradicional de la protagonista femenina y con numerosos títulos y acciones que dejan más que clara la relación entre ambos.

Lo siento, es demasiado bonito para que NO suba esta pelea de cosquillas.

Leer másRecomendaciones Mistral para el verano de 2019

Respuestas al Curious Cat: Opinión del E3 2019

Un anónimo nos ha preguntado en el Curious Cat de Mistral sobre nuestra opinión del E3 de este año:

¿Qué os ha parecido este E3? ¿Qué juego os ha llamado más la atención?

Y es que ha llegado junio y con ello, la Electronic Entertainment Expo, abreviada y más conocida por todo el mundo como E3. Para quien no la conozca, se trata de la feria de videojuegos más famosa e importante de la industria. Allí, la gran parte de las empresas desarrolladoras y publishers de videojuegos se reúnen organizadas en distintas conferencias distribuidas alrededor de 4 días, para dar a conocer las últimas novedades de los títulos en los que han estado trabajando.

Así que varias redactoras de Mistral os vamos a dar nuestra opinión y nuestros juegos favoritos de esta edición de la feria! Y aquí podéis ver la respuesta a otras preguntas que nos han hecho~

Judeau


Ha sido un E3… inusitado. Entre la ausencia de Sony por primera vez en la historia de la feria —sobre todo teniendo en cuenta que debutó como desarrolladora de videojuegos coincidiendo con la primera edición del E3— y el cambio de formato de EA —que habrá que ver si se mantiene, porque no le he visto mucho éxito—, ha dejado un sabor extraño.

A todo esto, se le suma que la nueva generación de consolas está ya asomando por la esquina, con Microsoft habiendo mostrado un poco de humo su Project Scarlet, la sucesora de Xbox One, y Sony que habló hace unos meses de las especificaciones técnicas que tendría la futura PS5. Esto influye en que la cantidad de juegos que se presentan, o son menores, pues se guardan los verdaderos bombazos para el año que viene, o se enseñan simplemente pequeños vistazos de títulos que se publicarán en el nuevo hardware, como es el caso de Halo Infinite.

Metiéndome un poco más en conferencia a conferencia de forma cronológica, Microsoft lo hizo genial, anunciando una gran cantidad de juegos para todo tipo de gustos: Triple A, indies, shooters, conducción, terror, beat ’em up… Entre los que destaco, sin duda alguna, Ori and the Will of the Wisps, Spiritfarer y 12 Minutes. Creo que ya veis que tipos de juego prefiero, ¿cierto? Eso sí, mención especial a Blair Witch, que me llamó en especial la atención aun sin gustarme los juegos de terror y, obviamente, Elden Ring, el nuevo título de From Software. No se vio nada más aparte de una cinemática, por lo que no podemos exprimir mucho de ahí, pero ver los nombres de Miyazaki y George R. R. Martin juntos hace que algo dentro de mí de saltitos.


La siguiente fue Bethesda, la que considero la peor de todas. Quitando el gameplay de Doom Eternal, que se ve brutal, y el Wolfestein: Youngblood, no enseñaron nada más de peso. Sí, se vio un interesantísimo tráiler de Ghostwire: Tokyo, y Deathloop, que el concepto me llamó la atención, pero al tratarse simplemente de cinemáticas, poco se puede sacar de ello.

Devolver Digital volvió a hacer su show anual en el que aprovecharon para presentar unos poquitos juegos de los cuales destaco Carrion. Se trata de un videojuego indie con un pixel art precioso, pero de ambientación terrorífica y opresiva en el que, para variar, tú controlas al monstruo que se escapa del laboratorio y tiene que devorar a los científicos. Pero en serio, mirad su conferencia. Están creando una narrativa que conecta las conferencias de un año con las siguientes en las que hacen una sátira del resto de compañías, y es sencillamente maravilloso —cuidado que al principio contiene imágenes que pueden ser chocantes—.

Al día siguiente, tuvimos el PC Gaming Show, patrocinado este año por Epic Games. Es una de las conferencias a las que más ganas le suelo tener, ya que la gran parte de su contenido son juegos indie que además salen a comentar los propios desarrolladores. ¡Y vaya si han estado a la altura! A destacar sin duda alguna el precioso CrisTales, El Hijo, y Telling Lies, el ganador para mí de esta conferencia.

En cuanto a Ubisoft… solo tengo que decir que estoy muy a favor de las abuelas asesinas y hackers, y que Gods & Monsters tiene un estilo artístico precioso. Dado que el 80% de la conferencia se centró en juegos de la franquicia Tom Clancy y no me atraen absolutamente nada, me resultó una conferencia un tanto sosa y aburrida. Eso sí, al menos no faltó el baile anual.

Y luego vino Square Enix. Y jamás había tardado tan poco en ir corriendo a mirar de reservar la edición Deluxe de un juego. Creo que con eso queda claro lo que pienso del remake del Final Fantasy VII, así que yo solo voy a decir que me pareció maravilloso, y me da igual lo que diga el resto de gente. Separarlo por episodios y que esta primera entrega solo llegue hasta Midgar me parece una apuesta muy arriesgada pero a la vez interesantísima para poder explorar y profundizar mucho más en los personajes y en el mundo que los rodea, ¡tienen mi voto de confianza!

Y para acabar el E3, Nintendo llegó con su Direct habitual e hizo que llorara. Y eso que ya sabía que iban a aparecer dos juegos de franquicias tan queridas para mí como lo son Luigi’s Mansion y Animal Crossing, pero lo que se vio de las nuevas entregas fue tan precioso que me muero de ganas de probarlos. Y también habíamos visto el The Legend of Zelda: Link’s Awakening hace unos meses en el último Nintendo Direct importante, y aun así lograron venderme aún más este remaster que luce tan adorable.

No hace falta que lo diga, ¿verdad? El final de la conferencia, con el sorpresón que fue el anuncio de la secuela de Breath of the Wild, hizo que considerase automáticamente esta conferencia como la mejor del año. Lo siento, pero uno tiene el corazón en Hyrule.

Me gustaría mencionar también las conferencias menores: VR Showcase, Limited Run Games y Kinda Funny Games Showcase. Pasaron desapercibidas por la mayoría, pero me parece bonito que se dé la oportunidad a gente que está empezando —sobre todo con la de VR—, y es una forma estupenda de llegar a más público.

En resumen, ha sido un E3 donde los títulos más pequeños e indies han brillado mucho más que los AAA, que se están guardando para llegar en masa el año que viene. Me llevo una lista con casi 30 títulos que quiero jugar, así que por mi parte estoy contento. Y respondiendo a la pregunta, voy a elegir los cinco juegos que más me han gustado: Ori and the Will of the Wisps, Animal Crossing: New Horizons, Spiritfarer, Ghostwire: Tokyo y Final Fantasy VII Remake.

Suzume


Apenas he visto este E3 porque no tengo mucho tiempo y tampoco es que sea una fanática de los videojuegos, así que más bien he seguido lo que me iban diciendo mis compañeros y solo me he sentado de verdad a ver conferencias respecto a dos títulos concretos: Final Fantasy VII Remake y Elden Ring.

Siempre he estado a favor de que FFVIIR salga con los capítulos que sean necesarios y estoy muy, muy emocionada porque es evidente que van a expandir y desarrollar a lo grande. El juego original siempre estará para los nostálgicos y quienes no quieran que se toque FFVII, y precisamente un remake no puede quedarse en lo que ya ha existido porque… ¿Entonces para qué se hace?

Y si bien FFVII es mi juego favorito de la saga, siempre he sentido que me gustaba más por lo que pudo haber sido que por lo que es. Hay tantísimas cosas que se dejaron en el tintero, innumerables temas que podrían haberse desarrollado de forma brutal que al ver este trailer y encontrar algunos elementos nuevos estoy dando palmitas. Sin ir muy lejos, es posible que se recuperen algunos conceptos respecto a los «clones» de Sephiroth que se manifiestan alrededor de Aerith y de Cloud, y está claro que este videojuego planea profundizar el colapso mental de nuestro protagonista. Comentándolo con un amiga, me hizo ver que las palabras de la alucinación de Sephiroth chirriaban no porque fueran un añadido, sino porque Cloud mezcla recuerdos de cierto SOLDADO con el trauma que le ha causado y le causa Sephiroth. Así que estoy muy, muy emocionada ante la perspectiva de que un mundo más grande permita que los personajes brillen como no pudieron llegar a hacerlo (y ya eran bastante buenos) en 1997.

Por otro lado, vamos a tener en un único disco una ciudad entera para explorar, ya que parece que «solo» vamos a poder recorrer Midgar. Y va a ser como un videojuego entero. La posibilidad de que Midgar llegue al extremo de ser como Yharnam de Bloodborne, un todo cohesionado y magnífico por sí solo, es que me da mareo de la emoción. No solo eso, sino que se ha dejado claro que es posible que haya más de dos partes, porque no tienen claro en cuántos capítulos dividirán el juego. Y si bien esto enfoca a que va a ser un sacacuartos, soy responsable de mi dinero y estoy más que encantada con que exploten el mundo de Gaia.

Los rediseños de los personajes también me han dejado más que satisfecha, en particular al ver que se respeta el espíritu de Barret y que Tifa tiene un traje bastante digno. Y esa imagen de Cloud y Tifa posando hombro contra hombro es que casi me provoca un sofoco, ay.

Sobre las mecánicas no tengo mucho que decir ya que en general me dan igual, soy mala jugadora, así que agradezco que vaya a poder ir a cámara lenta en ocasiones y que se nos dé la oportunidad de manejar a todos los personajes.

Respecto a Elden Ring, la verdad es que no me hacía mucha ilusión pensar en un mundo que se inspira en la mitología nórdica, que empieza a saturarme un poco… Pero ha sido ver el tráiler y rendirme a la evidencia de que simplemente me gusta mucho el enfoque de FromSoft y de Miyazaki. Me preocupa un poco la participación de George RR Martin por su tendencia a escribir algunos estereotipos femeninos… En fin. Incómodos. Porque lo que se le da bien es profundizar a los personajes y volverlos humanos, como ha demostrado en su terrible Fuego y Sangre, donde todas sus habilidades se pierden en medio de un texto pesado y superficial. Sin embargo, tanto Miyazaki como Martin gustan de crear esa atmósfera misteriosa en la que tienes un mínimo de información que te suscita curiosidad, pero jamás la respuesta completa. Da igual que sea la historia del Furtivo Pigmeo como la de Asshai de la Sombra, quieres saber más y no vas a obtener lo que quieres, por lo que las teorías pueden brillar por todas partes. Siento franca curiosidad por cómo trabajarán sobre una mitología de Martin.

De momento parece que la historia bebe de diferentes culturas, ya sea presentando a posibles Valquirias, referencias al Anillo de los Nibelungos (¿quizá?), al rey Tuatha Nuada y muchos, muchos conceptos que son un refrito de la saga Souls pero no por ello dejan de ser interesantes.

Eso sí, me pregunto si un día Miyazaki desarrollará un mundo que no sea decadente.

Ah, y el nuevo Breath of the Wild pinta muy bien. La lástima es que posiblemente siga habiendo tan poca historia como en el primero…

Dena


Al igual que Suzume, yo tampoco he seguido el E3 al completo —aprecio demasiado mis horas de sueño—, pero lo que he visto me ha dejado muy contenta. Seré breve, ya que el plato fuerte ha sido Final Fantasy VII Remake y sus diseños preciosos y ya hemos fangirleado suficiente en este artículo. Pero tranquilos, que habrá más~

El juego que más me ha llamado la atención ha sido Animal Crossing: New Horizons. La espera por el nuevo Animal Crossing ya se había convertido en un meme para los fans, pero ha resultado valer muchísimo la pena. ¡Y más que valdrá! Hemos visto poco, pero yo ya adelanto que el juego me parece ideal. Se acabó el coger un tren y llegar a una aldea nueva: es hora de un buen lavado de cara para la saga y marcharnos a una isla desierta. Mantenemos muchas de las mecánicas de mi adorado Pocket Camp y añadimos otras al más puro estilo Harvest Moon —algo que no sabía que necesitaba con toda mi alma—, con las que podremos cultivar flores y comida, y tenemos total libertad con la personalización de nuestros personajes, muy importante y necesaria. Todos las características faciales y los cortes de pelo pasan a estar disponibles para ambos géneros y podrán editarse en cualquier momento, así como el color de piel. Pueden parecer cambios sencillos, pero tienen un gran impacto positivo en la comunidad, y estoy deseando ver qué más añaden de aquí a marzo de 2020 (que no está tan lejos. Paciencia, que cuando Nintendo retrasa algo siempre es para bien).

Quitando eso, el E3 en general ha estado bien. No tengo mucho que añadir más allá de lo que ya se ha señalado: las conferencias de Nintendo y Microsoft fantásticas, la de Square Enix para morirse del hype y de la nostalgia, la de Bethesda malilla, como ya era de esperar… Un aplauso a la de Devolver Digital, por supuesto, aunque sea sólo por las performances que se marcan cada año (de verdad, son brutales). Y en fin, no podemos quejarnos. Más allá de todas estas revelaciones hemos tenido momentos muy icónicos, como la aparición estelar de Keanu Reeves para enseñar Cyberpunk 2077, o la encantadora presentación de Ikumi Nakamura de Ghostwire Tokyo, que fue lo mejor de toda Bethesda.

 

Rivka

Es mi turno de ajustarme las gafas y hacer un breve repaso de lo que nos ha dejado el E3. Mi resumen no será tan exhaustivo como el del compañero Judeau, pero espero poder aportaros un punto de vista diferente, ya que cada uno vive el E3 a su manera, ¡cómo debe ser!

En general he quedado bastante satisfecha con las conferencias de este año, aunque de algunas (como la de Devolver o el PC Gaming) me las he leído en resúmenes en vez de verlas. Ay, el tiempo… esa cosa necesaria que se nos escapa entre los dedos cuando más lo necesitamos.

Metáforas aparte, para mí las mejores conferencias han sido la de Microsoft y la de Nintendo. ¿Por qué? Pues porque han mostrado muchos juegos, que es de lo que va el E3. Me sobra un poco el humo de la siguiente generación: que si Scarlet, que si PS5… Eso no enseña nada, solo crea falsas expectativas de cara a un futuro más o menos lejano. Me sigue chocando el hecho de que Sony no haya participado este año siendo una histórica del E3, pero sacarán su propio chiringuito, así que veremos qué ofrecen (de juegos, por favor, no de prestaciones de nueva consola).

Entrando un poco más en materia, Microsoft ha mostrado algunas cosas interesantes, como el Age of Empires II Definitive Edition. Además, para aquellos que tengan PC/Xbox y no se quieran gastar una pasta en juegos físicos, el Game Pass es una buena opción y no excesivamente caro. ¿Juegas mucho, no rejuegas cosas, tienes Xbox/PC y una conexión a Internet decente? Pues este servicio es para ti. A mí personalmente no me llama el tema de juegos en la nube porque mi tiempo no me permite dedicarle mucho rato a este hobby, así que pagar un alquiler mensual por este servicio sería un poco tonto por mi parte. Por otro lado, la presentación del Cyberpunk 2077 me dejó con la mandíbula colgando, ¿para qué negarlo?

Pasemos a Nintendo. El formato de vídeo grabado que decidieron implementar hace unos años sigue siendo muy buena opción por lo bien llevado que está. Es cierto que el año pasado su Direct fue flojo al centrarse en el Smash y poco más, pero este año los de Kioto se han redimido con creces. Para mi desgracia personal, no dispongo de una Switch (problema que espero solventar en un futuro no muy lejano), pero en caso de tener una no me perdería por nada del mundo el Luigi’s Mansion 3, el nuevo Fire Emblem ni el Link’s Awakening, por poner algunos ejemplos. Además, considero que Nintendo es la única compañía de videojuegos que, a día de hoy, innova de verdad: nuevas fórmulas de juego, nuevas mecánicas en sus consolas. Eso es arriesgado de hacer en un mercado que se ha estandarizado demasiado durante estos últimos años. Me alegra ver que sigue habiendo alguien que ve más allá de potencia y buenos gráficos.

Respecto al resto… poco tengo que añadir. EA apareció este año con un formato nuevo que no me ha convencido nada, aunque el Jedi Fallen Order tiene muy buena pinta, pero no pienso arrimarme hasta que se vea de verdad que no hay micropagos ni cosas raras que impliquen aflojar las pesetas. Sobre Bethesda… ¿qué decir? Demasiado flojos. Al menos me alegro de que intenten arreglar el Fallout 76 con esa actualización gratuita. Veremos lo que opinan de ella los usuarios que confiaron en el juego en su momento. Por otro lado, Ubisoft ha pasado un poco sin pena ni gloria. Y, por último, Square Enix, con la que ya sabéis que tengo una relación amor-odio de esas de drama intenso de telenovela. Su conferencia se ha centrado casi de forma exclusiva en el Final Fantasy VII-R, cosa que me esperaba. Los diseños son geniales, no lo niego, y en general puede que el resultado final esté bien, pero de momento no es para mí. El asunto de que salga por episodios… sigue sin convencerme. ¿Venderán cada episodio, sin saber aun cuántos van a sacar, a precio de juego completo? ¿Los DLCs tendrán peso en el juego o serán mero adorno? Sé de sobra que este título lleva siendo esperado por la gente demasiados años y me da cierta rabia pensar que la empresa solo tenga como objetivo hacer pasta a toda costa. De todas formas, me esperaré a ver qué sale, cómo sale y a cuánto sale. Y si no, siempre puedo sentarme tranquilamente y aguardar por una versión completa del juego, que la habrá, como con todos.

Para finalizar, ¿qué juego o juegos espero con más interés? Encabeza la lista el Cyberpunk 2077, sin duda. Confieso que he reservado la edición Day One. ¡Hasta abril tengo tiempo de pensarlo! También me llama muchísimo el Age of Empires II y, por supuesto, esa secuela del Breath of the Wild que casi provoca que me caiga de la silla en cuanto se anunció. ¡Nintendo ha cerrado el E3 por todo lo alto!

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Villanos Animados (I): el Juez Claude Frollo

¡Bienvenidas a una nueva sección! A lo largo de los próximos meses —o años si seguimos vivas— os traeremos una serie de análisis sobre los villanos más icónicos del mundo de la animación: personajes crueles, egoístas e interesados que nos marcaron en especial durante nuestra infancia. Pero, ¿qué hay detrás de su máscara? ¿Sus actos son justificados? ¿Podemos llegar a empatizar con ellos? Estas y otras preguntas surgen cuando hacemos un revisionado de ciertas películas o series de animación, por lo que intentaremos ir más allá de la superficie en estos personajes tan emblemáticos.

Era inevitable no inaugurar esta sección de villanos con él: el juez Claude Frollo. Recuerdo que vi la película del Jorobado de Notre Dame al poco de salir en VHS gracias a que me la regalaron. Se convirtió en una de mis favoritas al momento gracias a la historia, la ambientación, la música… y el malo malísimo. Con los ojos de una niña, veía a Frollo como un desalmado egoísta que, desde su puesto, decía defender la justicia, pero hacía todo lo contrario. Por ello, me regocijaba con el final en el que recibía su merecido cayendo al vacío agarrado a una de las gárgolas de la catedral. Ya con su primera aparición, en el prólogo donde asesina a la madre de Quasimodo, imponía respeto y cierto temor. Sus rasgos, su ropa, su caballo: todo estaba hecho para gritarnos a la cara que ese hombre era peligroso.

No fui consciente, hasta muchos años después, de la tarea titánica que había hecho Disney con la película del Jorobado de Notre Dame, adaptando una de las obras por antonomasia del Romanticismo: Nuestra Señora de París, de Víctor Hugo. Sin entrar en muchos detalles, pero para que entendáis el contexto, durante la época de este señor —alrededor del 1820— se estaba produciendo una aniquilación en masa de obras de la época medieval, en concreto de aquellas que eran de arte gótico. A Víctor Hugo esto no le hacía mucha gracia y le provocaba ira y tristeza a partes iguales, por lo que se encerró a escribir durante seis meses seguidos para terminar dando a luz una obra colosal de once tomos. transcurría en el París medieval y que tenía como gran protagonista a la catedral de Notre Dame, donde sucedían las diferentes historias de los personajes principales. Gracias al éxito que tuvo Nuestra señora de París desde su publicación en 1831, la gente tomó conciencia de la importancia de los monumentos de antaño y comenzaron a crearse diferentes formas de conservación y restauración de los mismos.

En la película del Jorobado esto se representa a las mil maravillas: la catedral es el centro de todo lo que ocurre, la auténtica protagonista. En el inicio, el juez Frollo recapacita sobre sus acciones al observar las numerosas estatuas de la fachada del emblemático edificio, quienes parecen juzgarlo en la distancia. En ella oculta a su hijo adoptivo y dedica a la propia Virgen María su emblemática canción, Hellfire —o Fuego Infernal en España—.

Pero volvamos a Claude Frollo. Su simbología, lo que representa y sus actos lo convierten en uno de los mejores villanos de Disney —si no el mejor—. Él cierra el trío masculino formado alrededor de Esmeralda junto a Quasimodo y Febo, donde cada uno representa un tipo de amor diferente: imaginario y puro el de nuestro amigo jorobado; romántico y erótico el del capitán de la guardia y posesivo y carnal el del altivo juez. Desde el momento en que ve a la gitana, Frollo se obsesiona con ella de tal forma que está dispuesto a quemar París por completo con tal de encontrarla, cuando el único delito que comete ella es defender a Quasimodo de una muchedumbre que se dedica a humillarlo bajo el beneplácito de su padre adoptivo, ya que éste considera que el joven necesita una lección por desobedecerlo. Es muy difícil para los niños comprender el trasfondo de lo que busca Frollo: su tema principal, Hellfire, nos lo explica bien claro y de adultos no es difícil entender las palabras reales que encierran sus versos:

[Coro de sacerdotes:]
Confiteor Deo omnipotenti,
beatae Mariae semper Virgini,
beato Michaeli Archangelo,
sanctis apostolis, omnibus Sanctis.
Confieso a Dios omnipotente,
bendita sea María, siempre virgen,
bendito el Arcángel Miguel,
santos apóstoles, todos los Santos.
[Frollo:]
Beata María,
yo siempre fui hombre de bien,
de mi virtud puedo alardear
(Et tibi Pater)
(Y a ti, Padre)
Beata María,
he demostrado ser también
más puro que esa chusma tan vulgar
(Quia peccavi nimis)
(Que he pecado)
Pues dime, María,
¿por qué al verla ahí bailar
por sus ojos pierdo yo el control?
(Cogitatione)
(En pensamiento)
La siento, la veo,
mi alma toda empieza a arder
al ver que en su cabello brilla el sol
(Verbo et opere)
(Palabra y obra)
Es fuego de infierno
Pecado, cruel, mortal
Ardiente deseo
me arrastra hacia el mal
Pero yo no (Mea culpa)
quiero pecar (Mea culpa)
es esa bruja la que se hace desear (Mea maxima culpa)
Mi culpa, ¡no! (Mea culpa)
Dios lo hizo así (Mea culpa)
si el Diablo es demasiado fuerte para mi (Mea maxma culpa)
Protégeme, María, de esa sirena, esa mujer,
que no me lleve a mi perdición
¡Destruye a Esmeralda!
en el infierno debe arder,
si no va a ser jamás mi posesión.
[Bruto:]
Ministro Frollo, la gitana se ha escapado.
[Frollo:]
¿Qué?
[Bruto:]
No está en la Catedral, se ha ido.
[Frollo:]
Pero, ¿cómo?
No importa, ¡vete, idiota!
Yo daré con ella aunque tenga que prender fuego a todo París.
Es fuego oscuro.
Gitana, es tu elección,
ser mía ahora
o tu condenación
(Kyrie Eleison)
(Señor ten piedad)
Dios se apiade de ella,
Dios se apiade de mí,
¡Mía o no habrá condenación!

Debemos reconocer que, en el doblaje de España, Frollo no tendría el mismo peso sin la maravillosa voz de Constantino Romero, quien hizo una interpretación magnífica en todos los sentidos. En esta canción frente a la chimenea del palacio de Justicia, el juez confiesa y muestra sus más oscuros deseos. Esmeralda es para él una presa a conseguir, sin importar el cómo lo haga. Está hechizado por ella, se victimiza a sí mismo por haber caído en manos de una bruja y ruega a la Virgen María que lo proteja al mismo tiempo que declara que esa mujer será suya o de nadie más. Da miedo, ¿verdad? La obsesión de Frollo es tal que admite en los versos finales que hará lo que sea para atrapar a Esmeralda, rezando que Dios se apiade tanto de ella… como de él, porque sabe que caerá en el pecado de la carne. Los coros acompañan a la perfección la culpabilidad y el sentimiento de pecado del juez, con versos reales de la liturgia cristiana.

Pero aun os podéis preguntar: ¿por qué adaptar Nuestra Señora de París fue tan complicado como dices? Por un sencillo motivo: en la obra original, Claude Frollo no es un juez… sino el Archidiácono de la catedral de Notre Dame. Aparte del problema que suponía remodelar la obra de Víctor Hugo para que fuese apta para niños, se daba la circunstancia de que no podían poner como villano principal a un eclesiástico obsesionado sexualmente con una gitana a la que doblaba en edad. Por ello, el estudio conservó el nombre, pero no la ocupación. En la película, el Archidiácono es un hombre piadoso de Dios que incluso nos inspira pena cuando Frollo lo arroja por las escaleras en su búsqueda frenética de Esmeralda, pero en el libro… él es el auténtico peligro. Los tres amores que se describen unas pocas líneas antes —imaginario, romántico y posesivo— alcanzan su mayor dimensión en la obra de Víctor Hugo, donde Esmeralda es asesinada por el propio Archidiácono tras ser rechazada por Febo —quien solo buscaba robarle su virtud—, mientras que Quasimodo se deja morir de hambre al lado del cadáver de la joven gitana.

En la película, el drama queda reducido a la muerte de Frollo. La propia catedral se rebela contra él y la gárgola sobre la que se erige se precipita al vacío, arrojándolo a ese infierno que él tanto temía.

En conclusión, queda demostrado que Frollo es un villano bastante más complejo de lo que puede parecer a simple vista, en especial si eres un niño que solo sabe dividir entre bueno y malo. Os animo a que volváis a ver la película, con otros ojos, y que le deis una oportunidad a Nuestra Señora de Paríssi os atrevéis.

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Recomendaciones Mistral para la primavera (2019)

¡Ya es primavera! Una época maravillosa en la que celebramos el florecer de la vida, las alergias, las oposiciones, el trastorno afectivo estacional y todas esas cosas bonitas que nos llenan el corazón de alegría y amor. Y, sobre todo, de ganas de sumergirnos en un buen manga, anime o videojuego para evadir la realidad hasta que termine el apocalipsis del polen. Sin más dilación, ¡aquí tenéis nuestras recomendaciones para esta temporada!


Recomendaciones de Suzume Mizuno

Un extraño en primavera

Kanna Kii es una autora que llega a nuestras tierras de mano de Milky Way y hay que aprovecharla. Su serie más conocida (actualmente en hiatus, como todo lo bueno, pero que eso no os desanime) es Un extraño en primavera. En realidad comienza todo en Un extraño a la orilla del mar, donde nuestros protagonistas, Shun y Mio, se conocen. Shun es un joven que trata de convertirse en escritor y que ha huido de su familia tras decidir que no quería casarse… dejando plantada a la novia en el «altar». Porque, bueno, es gay. Muy gay, para su pesar, porque Shun siempre arrastra la frustración de no ser «como los demás». Medio derrotado, cínico y pasota, Shun pasa de todo mientras vive en casa de una familiar hasta que un adolescente se cruza por su camino: Mio.

Mio acaba de perder a su madre, que lo había criado desde que era muy pequeñito entre grandes problemas económicos. Ignorando los instintos suicidas que llevan a Mio al mar cada día, Shun se acerca a hablar con él. Digamos que la primera impresión no es muy buena, pero a partir de ahí (y de un salto de tiempo para que Mio, ejem, sea mayor de edad) comienzan una dulce relación que se desarrolla en Un extraño en primavera.

La historia trata el día a día de ambos como pareja, centrándose en especial en la reconciliación de Shun con su familia e incluye muchos dilemas acerca de cómo afronta uno el vacío existencial, la envidia hacia los demás o por qué no puede abrazar sin más la felicidad. Shun, en definitiva, pasa por una crisis que mucha gente de entre veinticinco y treinta años podrá entender sin problemas. El futuro de Mio, más joven, acostumbrado a trabajar aquí y allá, parece infinitamente más prometedor y brillante que el de Shun, con un trabajo irregular, todavía en casa de sus padres y con severos problemas sociales.

Pero ahí radica el encanto de la historia. La pareja tiene problemas de comunicación, en particular en el sexo, y también momentos encantadores de cercanía. Los pequeños momentos les llenan incluso si no son conscientes de ello, y se tienen el uno al otro para seguir adelante. Sin embargo, los problemas del día a día (y del pasado) continúan ahí.

Un slice of life que se aleja de las típicas historias de adolescentes y que puede resultar un soplo de aire fresco para esta generación de millenials que buscamos un sitio al que pertenecer mientras esperamos a que la siguiente generación se jubile de una dichosa vez.

 

Sidonia no Kishi

En su día ya escribí un análisis/reseña sobre Blame!, la opera prima de Tsutomu Nihei. Después de cerrar con esta historia oscura, pesimista y fantástica en su silenciosa narrativa cyberpunk, decidió cambiar completamente de estilo. De diseños sucios predominantemente negros y protagonistas vagando por una claustrofóbica ciudad eterna, en Sidonia no Kishi o Knights of Sidonia, Nihei saltó al blanco. Blanco cegador por todos lados, en contraste con el terrorífico e interminable espacio.

La nave Sidonia es una de las dos únicas naves que sobrevivieron al fin de la Tierra cuando fue atacada por la especie alienígena de los Gauna. Ahora navega sola por el espacio en busca de un lugar donde asentar a su escasa población. Por desgracia, tras más de cien años de paz, los Gauna reaparecen y son monstruos casi invencibles.

El protagonista de esta historia es Nagate Tanikaze, un niño que se crió con su abuelo en los entresijos de la nave, alejado del mundo, aprendiendo a pilotar los mecha llamados Guardianes que pueden presentar batalla a los Gauna. Cuando al final sale y se integra en la sociedad de Sidonia, rápidamente se convierte en el mejor piloto de su generación. Las muertes se suceden una tras otra a su alrededor, acentuando su deseo de vencer a los Gauna. A ello se une que la capitana del Sidonia, por algún motivo, lo tiene en especial estima y siempre lo manda al frente de la batalla. Como si supiera que puede confiar en su capacidad.

Con unos diseños que van mejorando poco a poco (en especial en cuanto a expresividad) a medida que pasan los tomos, Nihei prueba a crear un elenco de personajes más «típico». Nagate es un personaje inocente en cuanto a romance y experiencias sociales, completamente obtuso respecto al harén (ugh) que se va formando a su alrededor. Su mejor amigo es Izana, un personaje agénero/hermafrodita que desarrolla muy rápido sentimientos por él, y pronto al grupo se une la jovencísima comandante Yuhata Midorikawa…. Además de cierta adorabilísima quimera de la que no hablaré hasta que haga una reseña apropiada.

El manga tiene un ritmo extraño, con personajes bastante superficiales y un fanservice tan metido con calzador y tan rígido que creo que suscita más extrañeza que rechazo, pero el misterio de los Gauna, la construcción de una sociedad detallada con sus capas sociales, sus fobias, sus problemas de supervivencia, y el increíble talento de Nihei para crear estructuras imposibles son lo que constituyen el verdadero punto fuerte de la historia. Así, por ejemplo, como no hay suficientes recursos, la gente ha sido reprogramada genéticamente para poder hacer la fotosíntesis. La clonación es un recurso habitual para incrementar la población (Izana mismo es un clon de su abuela), como vemos con las once hermanas Honoka. A ello hay que añadir detalles que se ignoran en otras historias, como los problemas para crear gravedad artificial y cómo pueden afectar a la vida cotidiana, los trajes espaciales remendados porque no hay recursos, el ciclo de vida que acaba en el reactor biológico y mucho más.

En definitiva, Sidonia tiene grandes puntos en la construcción del mundo. Proteger una nave llena de humanos, que apenas tiene movilidad, es un constante desafío. Las mujeres juegan un enorme papel, algo matizado por el tono de harén, y se puede sentir una constante atmósfera de amenaza, de lucha por la supervivencia. Si os gusta la sci-fi, casi sin duda disfrutaréis Sidonia no Kishi incluso si su guion o personajes no son precisamente inolvidables.

 

Recomendaciones de Judeau

Vagabond

Cuando se acerca la primavera, solemos asociarla con el florecimiento de los cerezos, y eso nos lleva inevitablemente a pensar en Japón. ¿Y que hay más japonés que los samuráis? Seguramente muchas otras cosas, pero está claro que la asociación está ahí, y por eso os recomiendo Vagabond.

Estamos ante un manga creado por Takehiko Inoue, mangaka muy reconocido y galardonado en Japón, siendo el creador de, por ejemplo, Slam Dunk, uno de los spokon más conocidos y uno de los mangas más vendidos de la historia.

Podría considerarse un manga histórico, pues Miyamoto Musashi, el personaje principal de la obra, existió de verdad. Fue un importante guerrero y rōnin, si no el que más, del Japón Feudal, y llegó a escribir El libro de los Cinco Anillos, uno de los libros sobre artes marciales, manejo de espadas y filosofía más influyentes del país. Este manga está basado en una novela biográfica sobre el espadachín denominada Musashi, escrita por Eiji Yoshikawa. Obviamente, el libro se toma muchas licencias a la hora de retratar su vida, y Takehiko Inoue no es menos, llegando a exagerar muchísimo algunos eventos por añadir acción y espectacularidad, como la pelea contra los 70 miembros de la escuela Yoshioka.

Sin embargo, el mangaka hace uso de sus excelentes técnicas de dibujo para dejarnos con unas maravillosas escenas de acción tremendamente dinámicas, y fluidas. Además, os aseguro que jamás veréis unos paisajes y una escenografía tan preciosos como los que hay en este manga, llegando a ver algunas viñetas que cortan la respiración por su belleza.

Aún con las licencias que se toma, vemos una evolución increíblemente humana en Musashi, pasando de ser un joven sanguinario capaz de asesinar a cualquiera que se cruzase con él, a una persona sabia, comedida y que va adoptando un estilo de vida más pacífico y reflexivo, pues los eventos por los que pasa tienen peso en nuestro protagonista.

Y… sí. El manga no está finalizado y actualmente se encuentra en un hiatus que se encamina hacia su quinto año consecutivo, sin ninguna esperanza de que se retome a corto o medio plazo. Pero aún así, merece la pena pasar por cada página de esta historia y acompañar a nuestro protagonista en su aventura de redención.

 

Hellblade: Senua’s Sacrifice (PS4, Xbox One, Switch y PC)

Para la segunda recomendación, dejamos las tierras orientales y viajamos a las regiones al norte de Europa. Y es que en Hellblade: Senua’s Sacrifice, nos encontramos de lleno en la mitología nórdica.

En este título nos metemos en la piel de Senua, una guerrera celta que está buscando la entrada a Helheim, territorio de Hela, para traer de vuelta a su pareja, Dillion —la cabeza del cúal llevamos colgada del cinturón durante todo el viaje— Cuando digo que nos metemos en su piel, no me refiero a que simplemente seguimos su aventura, y en ocasiones escuchamos sus pensamientos, sino que nos sumergimos de lleno en su mente, pues Senua sufre de un transtorno del espectro psicótico, y nosotros lo experimentamos con ella.

Según psicólogos y psiquiatras, es posible que Senua sufra esquizofrenia —psicosis es un término genérico que engloba varias enfermedades—, y esto está caracterizado por alucinaciones, delirios, lenguaje desorganizado, aplanamiento emocional y muchos otros síntomas. Todo esto se representa de una manera muy fiel y respetuosa, pues contaron con la ayuda de un gran número de especialistas y de afectados por la psicosis que ayudaron a crear un juego verdaderamente empático. Porque jamás veremos la aventura de Senua fuera de su punto de vista, sino que siempre observaremos la realidad tal como ella la siente y la vive. Personalmente, no sabéis cuanto me ha ayudado a mí a entender esta enfermedad, ya que, por desgracia, la esquizofrenia es una de las enfermedades mentales más estigmatizadas y menos entendida por el público en general. Hellblade decide poner su granito de arena para cambiar esto.

Es un título que recomiendo encarecidamente jugar con unos buenos cascos, porque gran parte de la inmersión viene dada por las voces que escucha Senua. Las sentimos moviéndose alrededor nuestro, algunas dándonos consejos, unas denostándonos, mientras que otras simplemente irán narrando nuestras acciones. Esto, junto a la ambientación opresiva, y otros síntomas que sufriremos, harán que en algunas ocasiones lleguemos a sentirnos muy incómodos, siendo justo lo que busca el videojuego.

Es verdad que el juego hace alguna concesión en estos síntomas para hacerlo más jugable, sobre todo en las alucinaciones visuales. Esto, junto a una jugabilidad algo repetitiva —el combate, aunque fluido, llega a resultar aburrido—, y unos puzzles un poco demasiado enrevesados, hace que no sea perfecto, sin embargo, el conjunto de todo lo que lo forma, construye una aventura que merece la pena ser vivida.

Como extra, Ninja Theory ha incluido dentro del juego un pequeño documental muy interesante donde explican cómo fue el proceso de creación, y cómo se informaron para representar esta enfermedad mental de la manera más fiel y respetuosa ¡Desde luego merece la pena echarle un vistazo!

 

Recomendaciones de Dena

Celeste (PS4, Xbox One, Switch y PC)

Desde que abrimos nuestra cuenta en CuriousCat he recomendado en distintas ocasiones Celeste, pero no he llegado a sintetizar todos los motivos. Y eso es una pena, porque siento que es un juego que vale mucho, muchísimo la pena.

Es posible que muchos lo conozcáis ya. Celeste salió a principios del año pasado, un indie muy exitoso que conquistó a todos sus jugadores con su originalidad, una dificultad desafiante que invitaba a la autosuperación y un trato magnífico de lo que representa vivir con trastornos mentales tales como la depresión y la ansiedad, que cada vez son más comunes en nuestra sociedad. Esto no es una idea nueva: hay una gran cantidad de obras que hablan de este tipo enfermedades (sin ir más lejos, en este artículo ya recomendamos alguna), pero pocas le dedican el mimo que Celeste.

La historia se sitúa en la montaña Celeste, un misterioso lugar que atrae a alpinistas de todo el mundo. Se dice que en ella ocurren cosas extrañas. En palabras de la anciana que vive al pie de la montaña: «Puede que veas cosas. Cosas que no estés preparada para ver». Madeline acude dispuesta a escalar la cumbre. A pesar de los peligros, tiene la intención de superarse a sí misma y tomar el control de su desmoronada vida. Ella es nuestra protagonista, y la acompañamos en su viaje por toda la montaña. Nos enfrentamos a sus ataques de pánico, a su depresión y su ansiedad, a esa voz en su cabeza que le dice que no puede hacerlo. Que no puede hacer nada.

Lo que más me gusta de Celeste es que, si bien es un juego que está dirigido a personas con esos trastornos, se puede extrapolar a todo tipo de adversidades. Si has tenido un pensamiento negativo sobre ti mismo o sobre tu vida, te sentirás identificado con Madeline y su aventura. Además, el diseño de los niveles es excelente. Avanzas a partir de puro ensayo y error, lo cual refuerza el mensaje, y es frustrante como la vida misma. ¿Te darán ganas de dejarlo? Oh, sí. Creedme cuando os digo que la puñetera cumbre os sabrá a poco. Pero no hay nada más satisfactorio que llevar miles de muertes, de errores, y aún así terminar el juego habiendo conseguido tus objetivos. Celeste es una obra preciosa que demuestra que esforzarse tiene su recompensa, incluso cuando parece que todo está en tu contra y que no puedes cambiar tu suerte. Siempre se puede mejorar. Siempre.

Hitman (PS4, Xbox One, PC)

Sí, en serio.

Aunque a simple vista Hitman pueda parecer un juego enfocado al público Straight White Male™, permitidme aseguraros que todo eso se debe a un pésimo trabajo de marketing. Esta obra de arte nunca falla a la hora de hacerme reír, algo que en primavera me hace mucha falta.

Hitman es el reboot de una saga que cuenta con más de veinte juegos. La trama gira alrededor de un misterioso sicario cuyo nombre es Agente 47, y con él viajamos a distintas partes del mundo para abatir ciertos objetivos. La gracia es que, en vez de seguir un camino estipulado por la narrativa, tienes la opción de acabar con tus enemigos como quieras. Libertad total y absoluta. Tienes decenas de disfraces y armas a tu disposición, y la posibilidad de preparar trampas y accidentes que son sencillamente una locura. Por ejemplo, colocar una pelota de golf explosiva en un partido o envenenar las lentillas de un hombre. Hay retos extravagantes como completar las misiones disfrazado de espantapájaros, Santa Claus o algo llamado mago vampiro, y te desenvuelves por mapas espectaculares y muy variados, que van desde un desfile de moda en París a un lujoso hospital de alta seguridad en Hokkaido.

Toda la saga sigue esas premisas, pero considero que este reboot de 2016 es el mejor porque se deshace del tufillo a machismo y racismo que emanaban los anteriores juegos. Es un reinicio fresco, con un apartado gráfico muy bonito y mejorado y una historia principal que, si bien no es lo más original del mundo, entretiene y engancha gracias a estar distribuida por capítulos. Como si de una historia se tratase, continúa en Hitman 2 (2018) y, por lo visto, concluirá en Hitman 3, que todavía está por salir.

Pero lo que hace a Hitman especial y tan, tan recomendable es su humor. Los tráilers y la premisa pueden engañar, pero el juego es un cachondeo constante. Este tipo de juegos de acción, sigilo y asesinatos tienden a tomarse a sí mismos demasiado en serio, y Hitman aprovecha para burlarse de todos los clichés y crear situaciones que rozan lo absurdo, pero sin llegar a sacarte de escena. La historia principal es seria y dramática, guerra entre corporaciones y corrupción; luego llegas a los escenarios jugables y te encuentras con que puedes disfrazarte de lo que quieras, atacar con peces, NPC que te piropean según lo que llevas puesto y a 47 haciendo chistes malísimos. Tiene muchísimos detalles y mimo, y su rejugabilidad es su mejor baza.

Me faltan líneas para explicar lo increíble que es este juego, de modo que terminaré diciendo que Hitman y Hitman 2 son de lo mejor que descubrí el año pasado. Una joya que requiere un voto de confianza pero que, una vez empecéis a jugar, no os decepcionará.

 

Recomendaciones de Rivka Ociosa

Fluttering Feelings

Aunque ya nombré esta obra en nuestro último podcast debido a lo poco conocidas que suelen ser las autoras coreanas en Occidente, me permito recomendarla una vez más con motivo de la llegada primaveral.

Kim no-Rae y Baek Seol-A estudian juntas en la facultad de administración de negocios. Mientras que la primera pasa desapercibida por ser bastante tímida, la segunda es reconocida fácilmente por el resto de estudiantes al ser popular y destacar en notas. Ambas se conocen por casualidad en clase y, a partir de ahí, forjan entre ellas una amistad que, poco a poco, se va transformando en otro tipo de interés.

Por desgracia, esta obra se ha quedado suspendida en el capítulo 68 debido al fallecimiento de su autora, Ssamba. El cáncer se la ha llevado con solo 33 años de edad y considero que la mejor forma de hacerle un homenaje es recomendar su obra, aunque esté inacabada. Los capítulos se hacen amenos y la relación entre No-Rae y Seol-A es tierna y lenta. Espero que disfrutéis este manhwa tanto como yo lo he hecho y valoréis el trabajo de su creadora.

Descansa en paz, Ssamba.

 

Luigi’s Mansion (3DS)

¿Qué tiene Luigi de primaveral? Pues que va de verde y que nos lo podemos llevar en la 3DS por ahí de paseo, aprovechando que ha llegado el buen tiempo.

En este remake del clásico de Game Cube, Luigi vuelve a las andadas cuando, sin haber participado en ningún sorteo, le toca una mansión en un concurso. Para más inri, su hermano, Mario, parece haberse quedado atrapado en esa extraña casa, por lo que Luigi debe ir a rescatarlo. Pero no será tarea sencilla, ya que el lugar está plagado de fantasmas y trampas. Nuestro asustadizo amigo deberá recurrir a la ayuda de un extraño personaje llamado el profesor Fesor, quien nos dará la Succionaentes 3000, con la que podremos abrirnos camino a través de la oscura y terrorífica mansión.

Lo cierto es que, cuando anunciaron el Luigi’s Mansion para 3DS, fue una grata sorpresa el poder reencontrarse con este maravilloso juego de hace años. Aunque algunas seguramente ya lo habréis jugado en el cubo de Nintendo, os animo a que volváis a armaros con la Succionaentes en la portátil, ya que se han incluido nuevas funcionalidades como el uso de Amiibos o un modo de juego cooperativo. Si además contáis con el Botón Deslizante Pro, la inmersión será mucho mejor, aunque tampoco pasa nada si prescindís de él.

El juego es ameno y divertido y en algún momento no es difícil empatizar con el pobre Luigi, muerto de miedo pero decidido a ayudar a su querido hermano.

 

Recomendaciones de Ryuuju

HaruChika: Haruta to Chika wa Seishun Suru (P.A.Works)

Como en la primavera pasada, no puedo dejar de recomendar una obra protagonizada por chicos de instituto en la flor de su juventud. Vamos, se menciona en el nombre de la obra que os recomiendo hoy, no podría no hacerlo. HaruChika: Haruta to Chika wa Seishun Suru, que llamaremos HaruChika para abreviar, cuenta la historia de dos amigos de la infancia que se reencuentran, llamados Haruta y Chika.

Vaya. Inesperado. Pero ignoremos el despliegue de originalidad.

En 2016 se adaptó de las novelas un anime creado por P.A.Works, con un diseño de personajes muy particular, una animación preciosa como acostumbra el estudio, y una banda sonora que acompaña muy bien, como no podría ser de otra forma. ¿Pero de qué trata? Nuestro primer acercamiento a la historia es por medio de Chika quien, cambiando el rumbo de su vida porque el vóley no es femenino, decide unirse al club de vientos del instituto. Y en camino se cruza con Haruta, un amigo de la infancia al que no veía desde hace muchos años. Sin embargo, como no podía ser de otra forma, el club al que quieren ingresar está en riesgo de cerrar por falta de miembros. Me diréis que esto es Hyôka otra vez, y… no estaréis muy desencaminados, pues la historia es básicamente de misterio.

Con el fin de reclutar a más miembros para que el club no cierre, los protagonistas se cruzan con misterios en su camino, que han de desenredar para conseguir que la persona involucrada en ellos se una al club. Con ello que dejan al descubierto el drama, por supuesto. Chika y Haruta son un dúo que no podría funcionar de mejor forma: ella con la energía y perseverancia típica de protagonistas, y él con sus capacidades detectivescas esenciales para que todo acabe en buen puerto. Sin embargo, el mayor misterio es el del profesor: un importante director de orquesta, que dejó su trabajo para enseñar en un instituto poco conocido. Misterio que les interesa en gran medida tanto a Chika como a Haruta, ya que ambos están románticamente interesados en el profesor Kusakabe. Sí, ambos.

Ahora que hemos quitado la historia del medio, hablemos de los personajes. Porque son de lo más interesante que tiene la obra, si bien no son los más redondos de la historia de la animación.

Por un lado tenemos a Chika y Haruta, que si bien se les coge mucho cariño en sí mismos, como más brillan es como dúo. Dejando de lado lo refrescante que es ver a una chica y un chico protagonizar una obra sin que estén interesados románticamente entre sí, la relación de estos dos es maravillosa. Uno los ve y lo primero que piensa es que son la descripción gráfica de que la confianza apesta. Asimismo, que sean rivales al mismo tiempo que amigos (cuyas personalidades les permiten ser cercanos aunque no se traten desde hace tiempo), logra que tengan una dinámica aun más rica.

Por último, los personajes secundarios no sólo tienen diseños que se distinguen muy bien entre sí, sino que se da lo mismo con su caracterización: aunque tengan una aparición corta o pocas líneas, podemos recordarlos con facilidad. Puede que esto se dé en parte porque todos son tan, tan frikis de la música, pero son un grupo al que terminas apreciando, si no queriendo, lo que siempre se agradece.

Hablando de querer, me gustaría hacer una mención especial a Kusakabe en sus cuatro roles: interés romántico, mentor, personaje y misterio. Si bien está poco en pantalla (vemos más a Chika y Haruto fangirlear y fanboyear respectivamente que al profesor en sí), cumple con cada uno de sus roles a la perfección, y permite el crecimiento de sus alumnos. También, la historia dirige el asunto de las relaciones o los crushes entre profesores y alumnos muy muy bien, lo que no puedo dejar de agradecer.

Eso sí, lo que podría decir que es negativo es la estructura, debido a que el anime sigue una fórmula. La misma es que los protagonistas se enteren de que alguien toca un instrumento, vayan a pedirle que se una, se topen con un misterio y lo resuelvan, con lo que consiguen, por norma general, que esa persona ingrese al club. Como consecuencia, a cada personaje se le da una suerte de miniarco tras el cual quedan estáticos, en la mayor parte. Eso y que como historia de misterio no funciona, ya que muchas veces es necesario saber una pieza de información que el espectador desconoce, pero que Haruta tiene.

Fuera de eso, es una historia entretenida que balancea la ligereza del día a día con aspectos más pesados, con la mochila que cada uno debe cargar, sean arrepentimientos, dudas, u otros factores que nos anclan, impidiéndonos avanzar en nuestras vidas.

 

Given (Kizu Natsuki)

Si con HaruChika dábamos apertura al drama, con Given entramos de lleno en él. Permitidme explicarme. No sé muy bien por dónde empezar a hablaros de este manga sin chillar ni hacer spoilers, pero lo intentaré.

La primavera es, además de la estación asociada a la juventud, una época de cambios. De maduración, de mejora. Tras cargar con nuestra cruz, ¿cómo afecta esta a la forma en la que nos relacionamos con otros? ¿Cómo podemos avanzar, dejar atrás lo que nos impide dar pasos adelante, y sanar? ¿Y qué es lo que hace que a veces queramos no hacerlo, y nos quedemos lamiéndonos nuestras heridas, como si no mereciéramos dejar el dolor atrás? Todo esto, en lo que no puedo entrar en detalles por no haceros spoiler, lo vemos a través de distintos personajes, ya que es de los temas centrales de la historia.

Pero vayamos un momento hacia atrás, que he hablado antes de los temas que de la historia en sí:

Given es un manga creado por Kizu Natsuki (también conocida como Gusari, Sashikizu o Shishou a la hora de publicar dôjinshis), que sigue a la banda del mismo nombre. Empezamos la historia viendo cómo su guitarrista, Uenoyama, aunque talentoso, se ha aburrido de su sueño y se siente… vacío. Hasta que su camino se cruza con el de Mafuyu que, abrazando una guitarra como si se fuera a poner a llorar, le pregunta si sabe arreglarla. Más tarde, tras escucharlo cantar, Uenoyama le pide que sea el vocalista de su banda. Sin embargo, Mafuyu se niega. En un primer momento, al menos.

Esta historia es un buen ejemplo de cómo puede ir de menos a más. Empieza con una premisa simple y siguiendo a un protagonista, y a medida que se vuelve más compleja, tanto la trama como los personajes, empezamos a ver distintos puntos de vista. Esto no permite hacernos una idea, poco a poco, de la imagen completa. Hablando de los personajes, cada uno tiene un diseño que nos permite distinguirlo muy bien, y personalidad, motivaciones y formas de ver el mundo lógicas y únicas. Asimismo, la relación entre todos los personajes es muy interesante y da ganas de conocer más de ellos, algo que no sólo pasa con los miembros de la banda, como a veces encontramos en otras historias.

Kizu tiene la capacidad de que sus páginas sean claras y definidas, pero aun así compuestas a la perfección. Con ellas guía al lector en una lectura fluida que alterna la velocidad de los momentos cómicos, y hacia una lectura más pausada ante la tranquilidad, seriedad o drama. No sólo eso, sino que su uso de las tramas e iluminación nos permite sentir la atmósfera perfectamente, incluso en las escenas musicales, lo que ayuda a que no echemos tan en falta a la música, algo muy importante al estar la misma tan presente en la historia.

Además, la verdad es que no podría ser un mejor momento para engancharse a la obra: no sólo va acorde a la estación, sino que también se ha anunciado un anime para julio (que, si tiene al mismo equipo detrás de la música que los Drama CD, nos asegura mínimo música de calidad), y Milky Way ha anunciado que lo traerá a España, aunque aún no tenemos fecha.

Así que leed el manga, ved el anime, tiradle los dineros a la cara a Milky Way cuando lo saque y leed el manga de vuelta, porque vale muchísimo la pena.

 

¡Que el viento sople a vuestro favor!

‘Diario de intercambio (conmigo misma)’ #2 de Kabi Nagata. El largo camino de la recuperación.

Volvemos de nuevo a Kabi Nagata, la autora que ya se ha ganado un meritorio puesto en el panorama del manga español gracias a sus anteriores obras, Mi experiencia lesbiana con la soledad y el primer tomo del Diario de intercambio (conmigo misma). Con este segundo tomo, la autora cierra un ciclo vital, tanto a nivel personal como artístico. Aun así, esperemos que, en el futuro, siga deleitándonos con sus obras.

En la segunda parte del Diario de intercambio, Kabi Nagata pone punto final a algunos de los temas que exploró de forma acertada en sus anteriores trabajos. La relación con sus padres —y otros familiares— o su círculo de amistades son algunos de ellos, pero, en este caso, la cuestión de la salud mental es el tema insignia por excelencia. Con su obra, Nagata muestra hasta qué punto puede afectar a la vida cotidiana sufrir un trastorno mental. La autoestima, entablar relaciones sanas, la percepción de los demás… todo está vinculado a un correcto funcionamiento del cerebro. La autora ha sabido aunar de forma magistral toda una serie de elementos en su trabajo que dejan un manga de ensayo al que no estamos acostumbrados en España.

A lo largo de este tomo, Kabi Nagata se embarca en un viaje interior de autoexploración, analizando varios puntos de su día a día. Es así como llega a la conclusión de que las cosas no irán a mejor a no ser que ella misma haga algo por cambiar. El hecho de tener amistades nuevas o incluso volver a casa de sus padres porque la angustia vivir sola son episodios que la hacen reflexionar sobre hacia dónde debe ir y lo que debe hacer para recuperarse. Tras tanto tiempo ignorando lo que le sucede, la autora recae de forma más severa en la depresión y comienza a beber alcohol sin freno, por lo que finalmente debe ingresar a una clínica para tratar su adicción y, sobre todo, el trastorno depresivo que padece. Esto, por supuesto, no habría sido posible sin la ayuda de sus padres, quienes la apoyan en todo momento y la animan a que se recupere pronto.

El análisis que nos ofrece este manga —y los anteriores— sobre los deseos de encajar en sociedad, el padecer una depresión y la determinación a afrontarla es algo que solo nos podría haber ofrecido una persona que lo ha vivido en sus carnes, como es el caso de la autora. Resulta especialmente difícil leer sobre su estancia en el hospital, donde la ansiedad y la desesperación terminan provocando que se autolesione. A pesar del tono inocente con el que está dibujado y la normalidad con la que Nagata transcribe lo que le sucedió, no se debe olvidar que su obra es solo una pequeña representación de lo que ha vivido ella y frivolizar sobre lo que se puede leer en sus páginas no sería muy inteligente por parte de nadie.

Quizá una de las cosas que más pueda chocar al público sea el hecho de que nadie, en ningún momento, obliga a la autora a ingresar o a tratarse. Recibe apoyo, eso sí, pero la última palabra la tiene ella a la hora de decidir acudir a la clínica donde la ayudarán. Como no podía ser de otra forma, esta explicación tiene una base sociológica. En Japón —y en España también, no lo vamos a negar— la salud mental todavía es algo que está lejos de verse como algo normalizado y a lo que se debe prestar atención de la misma forma que si se tiene un brazo roto, por poner un ejemplo.

En el caso japonés pesa mucho el pensamiento tradicional: si un hijo sufre problemas a nivel mental que le impiden hacer una vida normal —ya sean trastornos depresivos, fobias u otras cosas— la culpa a nivel social recae sobre los padres, porque no han sabido darle una buena educación para ser un buen ciudadano. No debemos olvidar que, por desgracia, Japón cuenta con una de las tasas de suicidio más altas a nivel mundial y que el propio Gobierno ha tenido que tomar cartas en el asunto, no siempre de buenas maneras. Aparte de esto, también son conocidos los casos de hikikomori (los recluidos), un fenómeno que despertó en Japón hace unas décadas y que, paulatinamente, se ha ido extendiendo a otros países —lo que no quiere decir que no existieran antes jóvenes que se recluían en sus habitaciones de forma permanente—, pero en el país del sol naciente muchas veces son complicados de detectar debido a que los propios padres esconden la realidad que viven sus hijos al resto del mundo. Muchos prefieren silenciarlo y mantenerlos en sus cuartos con todo lo que necesiten antes que pedir ayuda por miedo al rechazo social. Afortunadamente, desde hace unos años se han implementado planes de prevención y tratamiento para gente que sufra trastornos de este tipo.

En conclusión, y sin extendernos más en estos temas, la obra de Kabi Nagata ha supuesto un shock en su país de origen al tratar temas tan delicados a nivel social, cuestiones que casi nadie se atreve a hablar en voz alta. Por ello no sorprende la cantidad de apoyo anónimo que recibió la autora a través de Internet y las redes sociales, ya que evidencia que trabajos de este estilo son muy necesarios y pueden ayudar a otras personas que viven situaciones parecidas.

Este segundo tomo supone un broche dorado a lo que Nagata empezó hace tiempo con Mi experiencia lesbiana con la soledad. Además, al final del tomo se incluye una historia original de la autora —lejos del estilo cartoon—, titulada La melancolía de Chika, que también sirve como crítica social y de la que no adelantaré nada ya que es mejor que la leáis por vosotras mismas. Esperemos que, no a mucho tardar, tengamos noticias buenas y frescas de Fandogamia sobre nuevos trabajos de la maravillosa Kabi Nagata.

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Recomendaciones + Respuestas al Curious Cat: obras feministas

¡Volvemos con las recomendaciones! Esta vez toca hablar de obras feministas, así que nos hemos reunido para mencionar unos pocos títulos. Hay un poco de todo, desde videojuegos que tocan temas sociales a mangas de guerra o slice of life. Y, por cierto, el artículo ha surgido gracias a una pregunta del Curious Cat de Mistral. Podéis hacernos las preguntas que queráis y, si alguna nos gusta en particular, ¡la desarrollaremos para que salga un domingo a modo de artículo!

Dicho esto, esperamos que disfrutéis y os animéis a probar con alguna de estas historias del equipo de Mistral.

Suzume Mizuno

Wombs de Yumiko Shirai

En su día escribí un artículo en Deculture sobre este manga, pero vuelvo a recomendarlo porque sigue pareciéndome una maravilla y cruzo mucho los dedos para que alguna editorial lo traiga.

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