El romance de Utena y Anthy: 20 años revolucionando el mundo (I)

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Utena la chica revolucionaria fue una serie que, en 1997, marcó a toda una generación. Sus lecciones morales, su simbología, el tratamiento oscuro del género de las magical girl, el acercamiento al machismo y el romance lésbico siguen sorprendiendo hoy en día. Kunihiko Ikuhara, que siempre había querido hacer una historia independiente con Sailor Uranus y Neptune, decidió recoger todas sus ideas y volcarlas en un mundo propio y original en el que no le faltaron impedimentos para llevar a cabo una relación romántica entre dos mujeres. Chiho Saito, la propia autora del manga, se negó al principio a que Utena y Anthy estuvieran enamoradas, si bien al final reconoció que las veía como un matrimonio. La serialización tuvo problemas y la televisión siempre obliga a censurar en ciertas ocasiones.

Aun así, Ikuhara logró plantar un romance hermoso y abierto, lleno de impedimentos, baches y complicaciones a superar, lo que tornó la historia de Utena y Anthy todavía más entrañable.

Ya hablamos en su momento de cómo Utena era una crítica a los roles de género y el machismo, pero quedan muchísimas cosas por tocar. Así que por su 20 Aniversario, esta vez vamos a hablaros de sus protagonistas y su romance, tan detallado y bien llevado. Un romance que luego culminará de forma todavía más obvia en la película.

Aviso de spoilers de toda la cronología de Utena

El encuentro


Utena

La serie lleva por nombre a la protagonista indiscutible de la misma: Utena Tenjou, una de las alumnas más destacadas de la academia Ohtori. Con su propio estilo, sin mucho aprecio por las estrictas normas de sus profesores, armada de un espíritu atlético y con hordas de fanáticas –sí, en femenino– a su alrededor, Utena no es una chica corriente porque ha venido a traer una Revolución que desconoce… y a convertirse en un Príncipe.

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‘NieR: Automata’, una historia mecanizada. Curiosidades y finales

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NieR: Automata es uno de esos juegos que, aunque cierra bien temática y emocionalmente, deja en el aire muchas preguntas (en especial de su mundo). No son cuestiones básicas para la historia, pero parece algo típico de los videojuegos de Yoko Taro, en los que conviene investigar el material externo para formarse una idea completa de qué clase de universo estamos pisando. Novelas, CD Dramas, guías, conciertos. Detalles canónicos que se escapan del jugador que no puede, por lo general, acceder a los mismos por la barrera del idioma.

Internet ayuda a salvar muchos de estos obstáculos. Entre otros, tenemos respuestas a lo que sucedió a los personajes tras el final de NieR: Automata, así como otras cuantas cosas sueltas de su cronología que, quizás, resultarán de interés. En este artículo vamos a tratar unas pocas.

Por tanto…

Aviso de flagrantes spoilers de NieR: Automata

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Una aproximación a Adán y Eva de ‘NieR: Automata’

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Adán y Eva son dos de los jefes más carismáticos —por no decir los únicos— de NieR: Automata. Sin embargo, es muy poco lo que sabemos sobre ellos. Por suerte, las novelas han venido a aclarar algunas de estas lagunas acerca de su nacimiento, personalidades y motivaciones.

Por lo general, Yoko Taro siempre está pendiente del material que se publica sobre sus obras, así que podemos considerar esta información que vamos a exponer como un second tier siempre y cuando no entre en conflicto con el material original. Eso sí, es cierto que en ocasiones la novela no relata los acontecimientos exactamente igual a lo que se presentó en el juego. Sin embargo, Taro ha mencionado que trabaja con sus guionistas y que quita muchos detalles de sus obras con tal de que no distraigan del videojuego, por lo que no es extraño imaginar que se vuelcan en el material suplementario.

Así que, dicho esto, solo cabe lanzarse a aprender de estas dos formas de vida mecánicas.

En este artículo ya mencioné por qué nacieron Adán y Eva, pero vamos a extendernos un poco. Cuando 2B y 9S atacaron a las máquinas que estaban intentando imitar el comportamiento sexual humano, estas comprendieron que no tenían forma de sobrevivir. ¿Cómo enfrentarse a unos enemigos tan poderosos? Los androides eran seres creados por humanos, de modo que no es tan extraño que llegaran a la conclusión de que debían crear un enemigo que tuviera unas habilidades similares para hacerles frente. Juntaron sus núcleos mientras buscaban en la red y dieron con el concepto de Adán de la Biblia.

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NieR: Automata y el Castigo de la Humanidad

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NieR: Automata es uno de esos juegos que se pueden disfrutar sin haberse pasado los títulos anteriores de la saga. Esto se debe a que es bastante independiente del resto de su historia. En realidad, todo lo que trabaja Yoko Taro puede jugarse sin necesidad de saber más, porque el excéntrico maestro tiene la tendencia a purgar de lore sus historias para que resulten más inmersivas. Todo lo que considera innecesario lo reserva para otros medios que completen el videojuego. Esto puede gustar más o menos, pero sin duda convierte en una pequeña Odisea la búsqueda de información. En particular porque casi toda se encuentra en japonés.

Así pues, aunque se puede superar NieR: Automata sin problemas, siempre quedarán preguntas. Por ejemplo, uno de los hilos centrales, por no decir su leitmotiv, es la humanidad. Glory to Mankind es el lema de YoRHa y proteger a la humanidad es la misión de todos los androides. Por contraste, el objetivo de las máquinas es destruirla. Según nos cuentan, los remanentes de la especie humana, duramente diezmada, huyeron a la luna, desde donde mandan ocasionales mensajes a sus sirvientes para animarles durante su dura batalla.

Pero, ¿qué ha llevado a la humanidad… hasta el punto en el cual se encuentra?

Aviso de flagrantes spoilers de Drakengard, NieR y NieR: Automata

Todo comienza con Drakengard. Sí, lo siento, hay que hacer un repaso por unos pocos títulos si se quiere comprender por qué la humanidad, llevada por la violencia —tema básico de los trabajos de Taro— acabó extinguiéndose y legando un mundo cruel a sus hijos androides.

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‘Berserk’: Guts y la forja del Guerrero Negro

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¿Quién es Guts? Se lo conoce como el Guerrero Negro, incansable destructor de Apóstoles, fue uno de los grandes capitanes de la banda del Halcón, marcado posteriormente por un miembro de la Mano de Dios, enemigo de la divinidad misma representada en Neo Griffith y condenado al peor de los destinos tras la muerte.

Guts es un hombre que se enfrenta al Destino, que rompe expectativas, que lucha hasta su último aliento para ganar en una carrera muy, muy destructiva. Es, a su vez, una laboriosa deconstrucción del macho hipermasculino, hecho que solo se acentúa una vez conocemos las influencias queer de Miura. Guts es una persona destrozada, todavía joven, que elige proteger antes que destruir cuando está a punto de perderlo todo una última vez —dicen que a la tercera va la vencida— y que ahora cuida y aprecia a un grupo que se ha hecho un hueco en su corazón.

Pero va mucho más allá en su compleja caracterización e historia. De modo que tendremos que empezar… Bien. Desde el principio. Esta serie de artículos llevarán su tiempo y la dedicaremos a examinar a Guts por arcos más o menos cerrados para ver cómo evoluciona su personalidad e historia. Puede que haya alguna que otra elucubración sobre su posible destino final pero, de momento, nos centraremos en el material que tenemos entre manos. Para ello quiero resaltar que la historia de Berserk es un ciclo. Se plantan muchas ideas y situaciones que, en el futuro, se repiten una y otra vez. Por eso hemos de atender a los inicios de Guts, tan maltratados en las adaptaciones animadas,  y tomar nota de cómo Guts se esforzará en romper ese ciclo infinito.

Aviso de flagrantes spoilers de Berserk y menciones e imágenes de violencia sexual

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Cloud Strife y la superación del trauma, un acercamiento al personaje

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Cloud Strife es uno de los personajes más icónicos de Final Fantasy. Dicha fama implica que ha sido usado y reusado innumerables veces, hasta crear un mosaico de interpretaciones que suscitan opiniones extremas acerca de su personaje.

En gran medida, parte del odio deriva de la simplificación que ha sufrido Cloud en entregas ajenas a la obra original. Emo, edgy, inútil son algunos de los encantadores calificativos con los que una se cruza por internet cuando quiere leer sobre el personaje. Los orígenes de este disgusto son… variados, a cada cual más sonado; desde el exceso de negro en Advent Children a que no se decidiera abiertamente por Tifa o Aeris como parejas románticas. Pero ninguna queja es tan importante como el hecho de que nunca parezca ser feliz ni estar satisfecho con su vida.

La palabra «depresión» es un tabú. Al fin y al cabo, un protagonista sirve para proyectarnos en él. Ya tenga una gran personalidad o sea una hoja en blanco, es nuestro avatar. Y un avatar que se rinde, que se cansa, que no está seguro de lo que hace, que está enfermo… Pues a muchos no les hace gracia. Podríamos decir que Cloud Strife tiene el mismo problema que Shinji Ikari de Neon Genesis Evangelion pero en menor medida. Al fin y al cabo, Cloud maneja una espada gigante a lo Guts de Berserk y da toñas importantes. Según las teorías, el peso mínimo de su espada rondaría los 36 kilos, pero podría alcanzar los 100 kilos. Menos mal que esto es fantasía, porque los bracitos y el tamaño de Cloud no son muy convincentes para soportar tamaña plancha. Al menos Guts parece un armatoste humano.

Así pues, una pensaría que la simplificación de su carácter debería haber hecho felices a muchos. Pero no, porque gran parte de los juegos lo mantienen en su faceta más «emo», distante y desconfiada. Esto se debe a que su historia con Sephiroth, por un motivo u otro, no se ha terminado. Cosa comprensible: ¡El drama llama al drama y el fanservice al fanservice!

Pero, más allá de los comprensibles gritos agónicos de los fans y los haters cuando se reusa a uno de los personajes más emblemáticos de la saga sin que aporte mucho a una trama, es cierto que el personaje de Cloud es problemático. En especial cuando hablamos de un videojuego de los noventa que se tomaba a broma muchas cosas que hoy en día nos parecen serias.

¿Qué habríamos pensado de un personaje traumatizado, quizás con dudas de género y evidentemente psicológicos como Cloud en 2017? Muchas cosas interesantes, sin duda, que ahora solo pueden ser headcanon. De momento, el Remake no ha buscado profundizar ninguno de estos aspectos al haber preferido centrarse en la presentación de personajes y el conflicto entre fans y creadores. Respecto al género, claramente ha habido una buena voluntad para presentar a los personajes LGTBI+ bajo una luz positiva, pero nada más.

En fin, ¡centrémonos en el material que nos importa! Hablemos de la evolución de Cloud como oposición al héroe clásico. Como una víctima que tiene que hacer frente a sus numerosos traumas durante el fin del mundo y que, en Advent Children, se hunde bajo el peso de los mismos mientras sufre una condena a muerte por su propio Planeta.

Cloud Strife. Su propio nombre nos dice que va a ser un personaje lleno de capas y contradicciones internas. Una nube de contienda. Prácticamente no le conoceremos hasta el final de su historia, cuando se ha librado de todas las máscaras.

Quizás por eso Cloud no tenga theme, por mucho que se le asocie con el principal de FF VII. Porque no existe como Cloud hasta que se pone punto y final a la historia.

Y luego llegó Advent Children, pero vamos por partes.

Aviso de spoilers de toda la historia de FF VII

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Las influencias queer de Berserk

En este artículo encontraréis spoilers de Devilman, La rosa de Versalles y, por supuesto, Berserk, junto a menciones a otros trabajos. El artículo se publicó originalmente en Deculture.es, ¡donde todavía podéis ir a leerlo!

Berserk. Como buen título, nos adelanta temas oscuros y violentos antes incluso de leer la primera página. No hay tomo en el que no tengamos un encantador atisbo del cerebro —o el ojo fuera de la cuenca— de un desgraciado, víctima de la enorme espada de Guts. Un constante baño de sangre, vamos. Es una historia, como dijo Miura en una entrevista, que versa sobre la rabia, la furia. La injusticia, la muerte y la traición son temas recurrentes. También lo fueron, hasta hace relativamente poco, las violaciones indiscriminadas de mujeres.

Y, sin embargo, Berserk es mucho más que un personaje que elimina repugnantes Apóstoles. Trata —cada vez con más acierto— temas que el autor ha admitido querer desarrollar desde que comenzó a idear la historia. Si nos fijamos, descubrimos que este clásico manga contiene muchos elementos que se alejan de lo que uno esperaría encontrar en un seinen tan oscuro y violento. No es todo masculinidad y testosterona, aunque nadie niegue que sean elementos —cada vez menos— importantes en la serie.

Sin ir muy lejos, a menudo la gente cierra los ojos ante la ambigua relación que sostuvieron Guts y Griffith. No es raro que los fans pasen por encima de los temas homoeróticos, en general representados como agresiones. Por supuesto, que Guts sea una deconstrucción del macho dominante es algo que muchos tampoco quieren ver. Todo esto, junto a la evolución cada vez menos sexista del guión de Miura, daría para varios artículos.

Lo bueno es que, en ocasiones, sólo hay que ir a las obras que inspiraron Berserk para ver la historia bajo una nueva luz… Tanto para los que aceptan que no es una narración típica como para los que se niegan a verla como algo más.

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Analizando Neon Genesis Evangelion #1. El Ataque del Ángel

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¡Bienvenidos! Os encontraráis ante el primero de los análisis con los que, capítulo a capítulo, estudiamos todo Neon Genesis Evangelion, desde el lore a la evolución de sus personajes. Es mucho trabajo, y eso significa que tenéis que esperar entradas muy largas, en especial a medida que la serie avanza.

 Ah, y habrá spoilers, dado que estos análisis se dirigen a aquellos que ya han visto la serie, para ofrecer una visión lo más completa posible. ¡Cuidado con quien quiera llegar a Evangelion sin haber leído nada!

Anno ha señalado alguna vez que buena parte del significado de Evangelion está abierto a la interpretación. Es un poco como los juegos de los Souls, donde los vacíos permiten que los fans disfruten intentando rellenarlos, formando parte del proyecto a su propia manera. Y, sin embargo, para crear un trabajo así hay que prestar una clara atención al detalle, al simbolismo, y creedme, Evangelion da para mucho.

¡Vamos a comprobarlo!

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Mistral Chronicles