Analizando End of Evangelion #1. Inicio y cómo nació EoE

¡Bienvenidos! ¡Vamos a analizar, por fin, End of Evangelion! Eso significa, por supuesto, que habrá spoilers y que cualquiera que busque leer estos análisis de forma independiente a los de la serie, espero que se haya visto la película de antemano.

Como estamos ante una película muy larga conformada por los episodios 25 y 26, que podrían ser paralelos a los del final del anime o versiones alternativas (queda al gusto de los espectadores), siento decir que eso significa que tendremos que dividir los análisis en partes. Muchas partes. Para empezar, hablaremos un poquitito de qué llevó a que este título existiera, pero también veremos los primeros minutos del largometraje. Así que paciencia ¡y espero que disfrutemos juntos del viaje!

Aviso de spoilers de End of Evangelion. Por si no quedaba claro

Agua, el caluroso y abrumador sol, ruidosas cigarras. Así comienza End of Evangelion, un contraste muy destacado con el mundo en el que Shinji y Asuka renacerán, pero que no deja de mostrar a gritos los ciclos en los que viven nuestros personajes. Tanto la serie como End comienzan con agua y acaban con escenas de agua, después de todo. Un agua que siempre ha hecho las veces de metáfora de vida en Evangelion, porque se relaciona con el mar del que todos nos originamos. Así que podemos interpretar que es un mensaje de esperanza, hasta en las peores circunstancias.

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La Sirenita, la historia del Rey Tritón desde los ojos de su hija

¿Os habéis fijado en cómo empieza La Sirenita? No es hablando como tal de las sirenas, sino del malhumorado y peligroso Rey Tritón. Dudo mucho que sea casual, porque La Sirenita, sin desmerecer todas sus virtudes, entre otras comenzar el Renacimiento de Disney, no es realmente la historia de Ariel… sino la de su padre. Que no por nada es el personaje más detallado, profundo e interesante. Lo siento, Úrsula, seguirás aun así teniendo un lugar muy grande en nuestras pobres almas en desgracia.

A veces se dan esos casos. Si habéis visto Mad Max Fury Road sabréis a lo que me refiero. El título lleva el nombre de Max, el protagonista es Max, pero la historia… La historia pertenece a Furiosa. En La Sirenita sucede lo mismo, solo que de forma menos evidente y peor elaborada. Los directores, Clements y Musker, se desviaron muchísimo de la historia de Christian Andersen. No solo eliminaron el drama, el papel de las hermanas, el final o… bien, básicamente todo lo que caracteriza a la Sirenita, sino que dieron mayor papel a la bruja (que incluso adquirió un nombre) y, en especial, a Tritón, que ni siquiera era un personaje como tal en la historia original. Y es que Andersen puso como mujer destacada a la abuela de las niñas, y no al padre. Pero bueno, Disney adora eliminar a figuras maternales, ya lo sabemos. Un día puede que incluso hable de ello en la película de Aladdín.

El caso es que todo esto tiene un motivo sencillo. Los escritores eran todos hombres (al menos en La Bella y la Bestia hubo dos mujeres destacadas como Brenda Chapman y una escritora se ocupó del guion: Linda Woolverton. Esta última autora también elaboró el guion de El Rey León y de otras películas menos destacadas como las adaptaciones de Maléfica o Alicia en el país de las maravillas. Pobre mujer, siempre le quitan cosas interesantes de sus ideas originales). Así que lo que hicieron, aunque fuera de forma inconsciente, fue lo que todos los hombres: meter a un personaje masculino con el que identificarse. No me cabe duda de que por eso está tan bien elaborado.

Pero vamos a examinar la película, por si no me creéis.

Hemos dicho que la historia comienza con menciones a Tritón. Acto seguido, tras los créditos, asistimos a un concierto organizado para el Rey, que exige a sus hijas que lo adulen frente a su reino. En el momento en que una falla y lo pone en ridículo, por fin conocemos a Ariel. Una muchachita de 16 años, curiosa, desafiante y enamoradiza, como sucede a su edad. Tritón tiene muchos problemas con ella porque es la única rebelde de entre todas sus hijas (¿quizá? Tampoco sabemos mucho de ellas, excepto que se esforzaron por distinguirlas en diseño), pero parece mentira que tras siete todavía no sepa lidiar con adolescentes.

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‘Starting Point: 1979-1996’, entrevistas a Hayao Miyazaki

Hay obras como la de El mundo invisible de Hayao Miyazaki que acercan a los fans a este artista, haciendo vistas generales sobre su mundo, la producción de sus películas e influencias más directas. Sin embargo, para los que tengan ya una idea asentada de su carrera y quieran ir un paso más allá, Starting Point les encantará.

El libro es nada menos que una compilación de entrevistas que ocupan 462 páginas… En inglés. Sí, por desgracia no es un libro que se haya traducido al español, pero en general está a un nivel bastante asequible gracias a VizMedia. Dividido en dos partes, una primera con entrevistas sueltas acerca de ideas, conferencias o incluso clases de Hayao Miyazaki, y una segunda centrada en las obras que publicó entre las fechas del título, el libro es un maravilloso referente para aprender más de Miyazaki.

La primera parte puede resultar algo más pesada para aquellos que, sobre todo, quieran saber de la producción de las películas. Hay entrevistas dedicadas a reflexionar sobre la industria (al puro estilo Miyazaki, que critica más la sociedad japonesa y mira hacia atrás con nostalgia), a hablar con estudiantes de primaria sobre cómo funciona la animación de animales o cuánto cuesta representar a un niño caminando. Las partes más fascinantes, en mi opinión, son sus opiniones sobre la guerra y la contradicción con que adore los aviones y elementos militares.

También nos asomamos, de vez en cuando, a su vida personal. Queda más que claro que no se ocupó nunca de sus hijos y que su esposa tuvo que renunciar a su carrera para cuidarlos. Miyazaki no deja de hablar de cómo quiere hacer historias que gusten a los niños y, sin embargo, reconoce que deja de encontrarlos interesantes a partir de los tres o cuatro años, porque entonces empiezan a volverse… complejos. Se nota que alguien no tuvo que cuidar de ellos a todas horas. También reflexiona sobre la explotación (y pone un ejemplo particular de una mujer que no dormía más de dos horas por día y aun así no podía evitar pedirle ayuda, porque era la mejor en lo que hacía) y cómo en el Studio Ghibli aspiraba a buenos salarios que fueran de la mano con la calidad del lugar donde se trabajaba.

Por supuesto, en casi todas las conversaciones predomina el respeto de Miyazaki por el medio ambiente y aprendemos de qué libros sacó sus influencias principales. Resulta cuanto menos sorprendente que no se interesara por la naturaleza hasta la tercera década y, aun así, lo marcara lo suficiente para que imbuya toda su obra.

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¡Recomendaciones del equipo de Mistral para este verano!

En primavera ya os hicimos una serie de recomendaciones en Mistral, que no tienen que ver con títulos nuevos sino con obras que creemos que podrían gustaros por un motivo u otro. También dejamos caer algunos mangas históricos que a lo mejor os interesarían, pero ahora toca volver a las estaciones. ¡A combatir el calor que se nos viene encima!

Recomendaciones de Suzume Mizuno

Little Nightmares (Tarsier Studios, PS4, Switch, Xbox One, PC)

Bienvenidos a la inquietante obra de Tarsier Studios. En las entrañas de un gigantesco barco, una chiquilla llamada Six se despierta, sola y asustada de una pesadilla. Armada con un simple mechero, debe atravesar un largo camino para intentar escapar al exterior. Uno donde morir es demasiado sencillo.

Little Nightmares presenta un mundo, como bien dice el título, de pesadilla. Con una estética extraña, que a alguno le recordará a las obras de Tim Burton pero más colorida y menos plástica, los autores juegan con lo que vería un niño cuando estuviera aterrorizado. Los adultos son gigantescos, deformes y monstruosos. Peor aún, son enemigos. Los muebles altos, irregulares, sirven sobre todo para el plataformeo. Six es tan pequeña, tan delgada y poca cosa que la propia descripción de la web del juego habla de su persona y otros chiquillos como alimañas capaces de colarse por zonas de ventilación, recorrer estanterías o huir por los rincones más imprevistos. Es la única ventaja que tienen para sobrevivir.

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¿Qué hace a Haikyû!! un manga de deportes tan especial?

Haikyû!! es un manga creado por Furudate Haruichi, con múltiples adaptaciones y serializado en la Weekly Shônen Jump desde febrero de 2012. Lo que lo destaca entre otros de su género y hace que su popularidad sea alta y constante tras seis años de serialización es realismo, detalles y personajes que nos importan.

‘Jackass! ¡Se mira, pero no se toca!’ de Scarlet Beriko

Tomodomo ya es especialista en BL/yaoi, de modo que a nadie ha debido sorprenderle (por mucho que nos frotemos las manos de alegría) cuando anunció que traería Jackass! ¡Se mira pero no se toca! de Scarlet Beriko. Es una forma perfecta de presentar a esta autora al público español, con un tomo único, pero no demasiado corto y que define a la perfección el estilo de Beriko con su obra más juvenil.

Jackass! presenta dos tramas que se desarrollan al mismo tiempo. La primera trata de Keisuke y Masayuki. Keisuke es un chico alto y con aire de matón pero corazón de oro, que se está planteando si ir o no a la universidad por la mala situación económica de su hermana, que es la que los sustenta. Masayuki es, como bien dice la sinopsis, un pijo guaperas… que tiene un intenso fetiche con las medias. Tanto que no le interesa especialmente el sexo con mujeres, con tal de poder disfrutar de las piernas envueltas en medias negras.

¿Cómo juntamos estos dos elementos? Bien, la hermana mayor de Keisuke aprovechó una noche para ponerse sus pantalones de hacer ejercicio. Cuando Keisuke se los puso antes de hacer gimnasia, se encontró con que dentro se habían quedado las medias. Y llevaba una puesta hasta casi la mitad. Masayuki se ofrece a comprarle comidas a cambio de que siga usando las medias para su recreación.

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Impresiones: ‘Mahou Shoujo Ore’ #10, revelaciones

En el capítulo anterior de Mahou Shoujo Ore empezó una sesión intensa de stalkeo mal llamado investigación y se nos prometió una continuación de las protagonistas siguiendo descaradamente a Hyoue y, por extensión, Mohiro. Este episodio cumple con las expectativas, pero empieza de una forma inesperada.

Con el pasado de la madre de Saki.

El décimo capítulo de Macho Shoujo nos muestra cómo Sayuri se convirtió en un macho mágico para defender a su crush —Uno— de unos matones. Hay que decir que Sayuri era exactamente igual que Saki: siempre llegaba a clase por los pelos, desayunaba platos tradicionales japoneses mientras corría porque las tostadas están pasadas de moda desde los años ochenta y le atraía un chaval rarito. Igual que Mohiro-chan es una patatita rara e inexpresiva, Uno es un friki de los cíborgs víctima del bullying.

Es importante destacar que existe una diferencia entre madre e hija. Sayuri quería convertirse en macho para vencer a los matones porque tenía un dorama de la leche montado en su cabeza y creía que si se enfrentaba a ellos como una doncella, acabaría… mal. Como en un dorama especialmente dramático de alguna era feudal.

El caso es que se enfrentó a los malos, se presentó a Uno con su nombre real y comenzaron una bella relación que acabó en boda y con una hija un poco tontita (pero, vamos, hemos visto que la madre es igual).

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Mistral Chronicles