Recomendaciones Mistral para el otoño de 2019

Ya estamos oficialmente en otoño, y eso significa época de cambios. Terminan las vacaciones de verano y llega el frío, la vuelta al cole y al trabajo. Para muchos es una alegría y para otros un suplicio. Pero tanto si te gusta como si no, en Mistral traemos una serie de recomendaciones para amenizar la estación. ¿Buscas sumergirte en la estética otoñal? ¿Olvidarte de que toca madrugar otra vez? Seguro que aquí encontrarás algo para ti. Y si quieres más recomendaciones, no olvides visitar el artículo que hicimos el año pasado.


Recomendaciones de Suzume

Silver Spoon (Hiromu Arakawa)

Ahora que regresa el momento de trabajar y de regresar a los estudios, creo que es una buena idea sentarse a disfrutar de Silver Spoon en los ratos libres. Después de leeer parte de los trabajos de Arakawa posteriores a FullMetal Alchemist reconozco que estaba entre decepcionada y preocupada por la falta de profundidad y de personajes bien construidos. Por supuesto, se puede achacar a que en general está adaptando obras ajenas, como en el caso de La heroica leyenda de Arslan, y desconozco hasta qué punto tiene libertad para ser original o ella misma. Pero con Silver Spoon me convencí de que si se deja a Arakawa contar una historia, sabe hacerlo. Y, más importante aún, puede explorar nuevas narrativas sin quedarse encajonada.

Silver Spoon es un slice of life que se basa en las propias experiencias de Arakawa, criada en una granja. Su protagonista es Yugo Hachiken, estudiante de unos quince años que no sabe qué hacer con su vida. Su profesor decide enviarlo a una escuela agrícola en el campo, dado que su único deseo claro es alejarse sea como sea de su familia. Allí descubre que su cultura, su dominio de las matemáticas y de las materias típicas no son tan básicas ni se le va a exigir una competición que raye el suicidio, como se da a entender que le ocurría en casa. Pero no le espera una vida fácil. Hay que levantarse a las cinco de la mañana, o a las cuatro si estás tan loco como para unirte al club de equitación, como hace Hachiken, trabajar directamente con animales que en muchos casos van a ser sacrificados para producir comida, limpiar constantemente mierda, lidiar con partos, con crías que vas a cuidar para enviar al matadero, además de aprender mucha biología y tener que tirar con las asignaturas corrientes.

¿Además? Hachiken descubre un nuevo mundo. Uno en el que nunca hay suficientes manos, donde sus compañeros se debaten entre perseguir sus sueños, ya sea como aspirantes a veterinarios, cuidadores de caballos o regentes de fábricas de leche y queso… O simplemente se resignen al hecho de que el campo es un negocio familiar y hay que heredarlo, sin más perspectivas de futuro que las impuestas por generaciones y generaciones que se enfrentan a las exigencias del capitalismo con resignada persistencia.

Lo que empieza como un simple shonen con personajes superficiales y no muy característicos termina por volverse familiar, simpático, agradable. Con una narración ligera y comédica, en cada capítulo aprendemos algo más de las granjas o asistimos a lo difícil que puede ser comer pizza cuando vives kilómetros y kilómetros alejado de la mano de Dios, ¡pero por eso es más satisfactorio lograr cocinar una! Los personajes no son grandiosos ni protagonistas de una aventura épica. Son gente corriente y moliente, con sus sueños, sus dudas, celos y deseos. Poco a poco los principales se van definiendo y forman parte de tu día a día, como es en el caso de Hachiken, y sonríes porque son amigos. Porque no hace falta una gran historia para que sea disfrutable el camino. Porque Hachiken no necesita saber cuál es su sueño, sino dedicarse a explorar, crecer y probar cosas nuevas. Un buen mensaje para aquellos que se obsesionan por culpa de la sociedad en saber ya, ya, pero ya, qué quieren hacer con su vida.

Aposimz (Tsutomu Nihei)

A los que les gusten las historias de fantasía, con un héroe que debe emprender un viaje para obtener venganza, y que a su vez estén cansados de los mundos tan típicos de occidente que beben exclusivamente de Tolkien… Este es su manga. Aposimz transcurre en un planeta artificial, en cuya superficie hace tanto frío que la vida roza el extremo más cruel posible. Etherow vive con otros tantos niños a cargo de un Encarnado, personas que han podido fusionarse con ciertos cambios bio-mecánicos y que se vuelven inmortales a menos que se les destroce el cerebro. En una de las expediciones para obtener comida, Etherow y su grupo se cruzan con Titania, una misteriosa mujer (que en general tiene aspecto de un adorable bichito mecánico) que lleva consigo seis balas insustituibles, que pueden incluso matar a los Encarnados.

Con el clásico imperio maligno intentando acceder al núcleo del planeta, caballeros que controlan la materia e imponen medidas draconianas sobre la población, hasta el punto de instalarles chips y matar a víctimas al gusto, la historia de Aposimz es un clasiquísimo viaje del héroe como puede ser Star Wars… Solo que Aposimz es ciencia ficción. Hay caballeros, hay rebeldes, hay pueblos escondidos, pero no encontraréis elfos, bárbaros ni gloriosas cortes medievales. El mundo de Aposimz es frío, despiadado, abandonado. El blanco lo llena todo, desde el hielo a la plaga que afecta a los habitantes del planeta y los torna lentamente en criaturas mecánicas. La gente come gusanos y bestias que viven entre cables titánicos, y el camino pronto intenta abandonar la superficie, sobre la que una última estación orbital controla escasamente la temperatura, creando una de las última zonas habitables.

Ah, y Aposimz es violento de una forma extrañamente fascinante. No hay grandes batallas, pero sí impacto real. La gente no muere dramáticamente tras prometer venganza, no. Los disparos desintegran cabezas, hacen explotar a las personas o los borran de la existencia. Las naves surcan el cielo y caen sobre pueblos para matar a distancia y sin mancharse las manos; enormes criaturas trípodes que parecen ser Inteligencias Artificiales son admiradas a distancia como dioses a los que no hay que acercarse si no quieres acabar bien aplastado bajo sus ataques.

Tanto si se conoce o no la obra de Tsutomu Nihei con Blame! o Sidonia no Kishi, Aposimz es una buena forma de acercarse a este autor porque ofrece lo conocido pero lo puebla de esas enormes e inspiradoras estructuras que sólo él sabe hacer.

También hay que advertir que hay… fanservice. Uno extraño, como ocurre siempre en las obras de Nihei, frío, distante y que no parece ser realmente sexualizado a pesar de que muestra desnudos. Como si… ¿se le indicara que hay que incluirlo? Pero sigue siendo una parte nefasta de su historia y eso hay que reconocerlo. Por suerte no abusa de él. Y, desde luego, el mundo merece la pena. Dadle una oportunidad y, con suerte, os enamorará cómo se aleja de convenciones típicas (desde el primer capítulo, que parece toda una deconstrucción) del shonen a pesar de que mantenga el espíritu del mismo.


Recomendaciones de Judeau

What Remains of Edith Finch (Giant Sparrow)

Es curioso la de sensaciones otoñales que me transmite este videojuego. Quizá por el entorno donde se desarrollan los acontecimientos: una casa ciertamente particular en medio de un bosque, y con una perpetua puesta de sol que tiñe el cielo de ocre.

What remains of Edith Finch es uno de esos títulos del mismo género de Tacoma: un walking simulator. A pesar de que este tipo de juegos hayan llegado a saturar el mercado y quizá cansar a la gente, los desarrolladores, Giant Sparrow, se las han arreglado para traernos uno de los juegos más originales que he podido probar en años. Sí, el 90% del juego consiste en andar, leer notas, o escuchar diálogos o los pensamientos de Edith, la protagonista que encarnamos. Pero eso no es todo.

Al principio del juego, Edith vuelve a la casa que perteneció a su familia desde hace más de un siglo y que tuvo que abandonar junto a su madre cuando era joven por causas que iremos descubriendo a lo largo del título. Como podemos comprobar por el diseño de este curioso hogar, han llegado a convivir juntas bastantes miembros de la familia. Y lo verdaderamente original y brillante del juego es conocer a esos miembros y sus historias.

Poco puedo decir que no vaya a chafar la experiencia o, al menos, la impresión y sorpresa inicial al toparse de lleno con cada una de las distintas historias de la familia Finch. Solo comentar que hay una gran variedad de mecánicas jugables distintas aparte de caminar, y cada una de ellas está diseñada de una forma tan exquisita e incluso orgánica, que hace que la inmersión en la historia que nos cuentan sea total. Los que lo hayáis jugado, coincidiréis conmigo en que la parte de la pescadería es uno de los niveles más excelentes que se han creado nunca en un videojuego.

Además, ¡no hay excusa! Está en absolutamente todas las plataformas de esta generación, y a un precio más que asequible para la maravilla que es. Eso sí, ¡es cortito! En menos de tres horas puedes completarlo sin ningún problema. Y eso es algo que, al menos en mi caso, me parece perfecto y me va de perlas. Porque llegar a conectar con tantos personajes en poco más que un par de horas no es fácil, pero What remains of Edith Finch lo consigue.

Dead Dead Demons Dededede Destruction (Inio Asano)

Inio Asano es uno de los mangakas más reconocidos de los últimos tiempos y se lo tiene bien merecido, y desde luego que sobran las palabras para describirlo. A pesar de que sus obras contengan contenido problemático, la humanidad y el realismo con la que trata sus historias y, sobre todo, sus personajes, es devastadora.

Por supuesto, su obra más reciente y que sigue en publicación —con hiatus más que ocasionales—, no está exenta de todo esto. Pero a diferencia del resto de sus historias, este tiene una ambientación scifi. Y es brillante.

No es una historia sobre astronautas viajando entre planetas, ni sobre batallas espaciales —aunque me gustaría ver cómo se desenvuelve Asano en estas historias—, sino sobre algo mucho más sencillo: una nave de proporciones gigantescas llegó a la Tierra hace tres años, donde concretamente descendió en el área de Tokyo, ocupando gran parte del cielo de la ciudad. Su aparición genera una serie de accidentes que han hecho cundir el pánico al mundo. ¡Accidentes, que no ataques! No hay marcianitos verdes, ni grises, si no algo mucho más… humano.

Aun así, la historia decide enfocarse más en el aspecto personal, en seguir el día a día de la humanidad respecto a esa realidad en la que viven, como si se tratase de un «What If» terriblemente realista. En concreto seguimos las vidas de dos chicas ordinarias—como no podía tratarse de otra forma con el autor de la historia—, Kadode y Ontan. Dos chicas de instituto normales y corrientes que nada tienen que ver con la nave espacial ni sus integrantes. ¡De momento!

Lo más particular de este manga está claro que son sus personajes, siendo personalmente de los más carismáticos que ha creado Asano —Ontan tiene puntazos en cada capítulo y con un humor muy particular—, y la profundidad de sus sentimientos. La sociedad que ha creado alrededor de esta historia se acerca a lo distópico y… ¿Lo verdaderamente escalofriante de este manga? Que es una sociedad demasiado parecida a la nuestra. A pesar del caos inicial, tres años después encontramos una sociedad totalmente habituada a la presencia de la nave. Tours turísticos para verla lo mejor posible, publicidad y merchandising sobre ella… quitando algún que otro accidente —y ojo, la palabra accidente es verdaderamente importante— puntual, la vida sigue con total normalidad.

Dead Dead Demons Dededede Destruction no solo es el título con nombre más raro de Inio Asano, si no su obra más ligera, con más humor y sin duda, de momento, la menos dramática —aunque no está exenta de ello, por supuesto—, y desde luego es junto a Solanin, una buenísima introducción a la obra del autor.


Recomendaciones de Dena

The Sexy Brutale (Tequila Works y Cavalier Game Studios)

Si sois de los que ya han abrazado la llegada del otoño, de su estética, Halloween y toda la pesca, The Sexy Brutale es un título imprescindible.

No os dejéis engañar por su nombre. The Sexy Brutale hace referencia a la mansión y casino donde transcurre el juego, y no, no hay nada sexy ni brutal más allá de su ambiente y estética, que son increíbles. Encarnamos al sacerdote Lafcadio Boone, que se encuentra junto con otros nueve invitados a un baile de máscaras que organiza el dueño del edificio, Lucas. Uno a uno, todos ellos morirán en el transcurso de la noche, y nuestra misión es evitarlo mientras revivimos la fiesta una y otra vez.

Día de la marmota, baile de máscaras, asesinatos misteriosos, fantasmas, una música espléndida… ¿Necesito seguir?

Si la respuesta es sí, yo encantada. Todos los elementos que hemos mencionado ya los hemos visto en cientos de obras antes, así que ¿qué es lo que hace a The Sexy Brutale único e interesante?

Lo cierto es que el juego brilla en muchos aspectos, siendo completamente objetiva. Los diseños de los personajes son llamativos y originales; la jugabilidad, a pesar de obligarnos a repetir siempre la misma noche, consigue romper con la rutina y no aburrir; y la trama es adictiva, si bien contiene algún que otro cliché que nos hará suspirar y poner mala cara. Las mecánicas hacen que el juego no resulte tedioso, dándonos un nuevo asesinato del que ocuparnos cada vez que impidamos uno, y nos permiten jugar con muchos elementos que harán de cada partida una aventura nueva y especial, incluso después de conocer el final.

Oh, ¿y he hablado de los personajes? Son, todos ellos, adorables. A pesar de que los conocemos poco tiempo —es lo que tiene ir tras ellos para salvarles la vida sin que se den cuenta—, cada uno consigue ganarse nuestro cariño gracias a su personalidad, su historia y su relación con el resto.

The Sexy Brutale consiguió ganarse el título de mejor juego de 2017 en varios medios especializados. ¿No es hora de vivirlo nosotros mismos?

Stardew Valley (Eric Barone)

Y seguimos con otro videojuego, uno bien diferente para los que pasen de Halloween y lo macabro y sólo quieran desconectar de la vuelta al cole y al trabajoStardew Valley cumple nuestras fantasías de abandonar la vida urbana e irnos a vivir a una granja.

Sí, eso es todo.

Nos sumergimos en un paraíso rústico en el que se nos da la oportunidad de empezar de cero. Conocer a nuestros vecinos, hacernos un hueco entre ellos, vivir de las verduras que cosechamos y de los productos que nos dan nuestros propios animales… Es cierto que hay cierta trama que transcurre en el pueblo, pero no se te fuerza a participar en ella y puedes hacer lo que te plazca con total libertad. Es sin duda uno de los mejores juegos para evadirse un ratito de la realidad, relajarse y sencillamente disfrutar sin otra presión que la de irte a dormir temprano para tener energía. Bueno, y que el capitalismo no devore al pueblo.

Los días pasan deprisa, y en Stardew Valley recorremos todo el año las veces que queramos. Como en Animal Crossing, la partida no tiene por qué terminar nunca. Otoño en particular es una época preciosa, de modo que si le dais una oportunidad aseguraos de llegar a esa estación y disfrutarla como se merece.


Recomendaciones de Rivka Ociosa

Los siete hijos del dragón (Ryoko Kui)

Era inevitable la presencia de Milky Way en estas recomendaciones de otoño. La editorial asturiana ya nos tiene más que acostumbradas a sus pequeñas maravillas, siendo una de ellas este tomo titulado Los siete hijos del dragón, de Ryoko Kui, a quien reconoceréis por su obra Tragones y Mazmorras. Nominada en varias ocasiones a los Manga Taisho, la autora nos trae en este tomo único siete pequeñas historias donde lo humano y lo sobrenatural se mezclan de forma magistral.

Los mundos que presenta Kui oscilan entre lo medieval y lo moderno. En estos entrañables y tiernos relatos, se nos invita a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza. Una relación en la que siempre pierde la segunda debido al poder que la humanidad ejerce sobre ella.

Entre descanso y descanso de las recién retomadas clases o la vuelta el trabajo, Ryoko Kui os ayudará a evadiros con historias de dragones, lobos, sirenas o dioses, todos perfectamente integrados en un mundo que aun no parece comprenderlos ni respetarlos, algo que resulta especialmente desgarrador en el relato de las sirenas, donde el protagonista es testigo de cómo la gente las trata sin compasión, matándolas por diversión e incluso explotándolas de formas horribles. ¿Es una crítica a nuestra relación con el medio ambiente? ¿O incluso una reflexión sobre cómo tratamos a los que consideramos diferentes? Os invito a que lo descubráis vosotras mismas y que os sumerjáis en los mundos de esta gran autora.

Fire Emblem: Awakening (Intelligent Systems y Nintendo SPD)

El otoño es una estación donde el clima ya invita a quedarse en casa los ratos libres con un libro, una manta, un chocolate, una película… o un buen videojuego al que echarle horas. Y nada mejor que un RPG para eso, ¿verdad?

Ahora que estamos invadidos por la fiebre del Three Houses, no es mal momento para irnos a la refundación de la saga allá en el 2013, saliendo a la venta, al fin, el Fire Emblem: Awakening. Cinco años de espera tras el estreno discreto en Wii del Radiant Dawn en el 2008 (2007 en Japón).

Viendo la acogida modesta que había tenido su sucesor en Wii y con Awakening lanzado al mercado en Japón en el 2012, Intelligent Systems confesó un año después en una entrevista que, durante su desarrollo, habían aceptado la posibilidad de que la franquicia Fire Emblem desapareciera si el juego no tenía éxito. Por suerte para ellos y para los fans de la saga, tal desastre no sucedió y el juego vendió muy bien, algo que permitió, posteriormente, su localización a occidente.

Como sabréis, Fire Emblem destaca por ser un RPG táctico por turnos, donde controlamos un ejército formado por unidades manejadas de forma individual para enfrentarnos a numerosos enemigos. El Awakening destacó por el hecho de que aunaba en un juego todas las novedades que la franquicia había ido implementando a lo largo de los años: un editor del personaje principal bastante completo, más de 40 clases, un sistema triangular de armas, posibilidad de explorar el mapa del mundo, tener conversaciones con NPCs y, como novedad, la posibilidad de entablar relaciones (heterosexuales) con otros personajes mediante un interesante sistema de afinidad. Obviamente, completar todo esto al 100% requiere muchas horas de dedicación. En mi caso fueron más de 50 y no lo exprimí por completo.

Los sucesos del Awakening nos sitúan sobre 2000 años después de Shadow Dragon (Nintendo DS) en el país de Ylisse, un lugar que empieza a vivir las tensiones políticas propias de un territorio vasto y extenso con vecinos no siempre muy amigables. Recomendable, en especial, para todos aquellos que gusten del drama, el rol y personajes entrañables (Chrom se ha ganado una plaza junto a históricos del Fire Emblem como Ike o Marth). Una opción más que acertada para estas nuevas tardes de otoño.

 

¡Que el viento sople a vuestro favor!

El lore de Evangelion: La naturaleza de las EVA

Después de la recepción tan buena que ha tenido el primer vídeo, hemos decidido traer otro más. Como no podía ser de otra forma, seguimos explicando el lore de Evangelion. Le toca el turno a esos mecha con una estética tan maravillosa y que han influenciado tantísimo la cultura popular desde la salida del anime: Las EVAs.

Cuando Gendo suelta su mítica frase: «Shinji, súbete al robot», ¿estamos seguros de que en verdad le está pidiendo que se monte en un ser inanimado? En realidad son mucho más que metales, circuitos y alguna que otra bombillita, y nada de lo que vemos en pantalla es casual, ¡así que toca descubrir su origen, qué son y quién habita sus núcleos!

¡Esperemos que os guste!

 

Algunas de las fuentes que hemos utilizado para el vídeo:

Entrevista a Hideaki Anno y Go Nagai sobre su influencia en Devilman para el diseño de las EVA.

Entrevista a Hideaki Anno sobre su inspiración en los Oni para las Eva.

Información sobre los Informes Clasificados de Neon Genesis Evangelion 2.

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Analizando Vinland Saga: Capítulo 2

¡Seguimos los análisis de Vinland Saga, esta vez con el capítulo 2! El primer capítulo fue toda una sorpresa por la calidad que ha presentado. Animaciones fluidas, fondos asombrosos y, sobre todo, una adaptación fiel y respetuosa. Así que, una vez puestos los estándares tan altos, espero mucho del segundo capítulo.

Capítulo 2 «Espada»


El segundo episodio de Vinland Saga abre con una localización nueva: una base vikinga en Northumbria, el norte de Inglaterra. Como es costumbre vikinga bañarse en sábado, los ingleses aprovechan para atacar mientras los invasores están con la guardia baja. En unos planos terribles, queman y masacran la aldea sin dejar un solo superviviente. A pesar de que se enseñe la crueldad de los ingleses, agradezco enormemente que no se recreasen más de lo necesario en las muertes.

Choca ver cómo la serie pasa a mostrar a los niños de la aldea de Thors pasándoselo en grande jugando a las batallas. Sin duda es intencional el contraste entre la brutalidad de la guerra real y la idealización que los niños tienen sobre ella.

Una vez más, se vuelve a evidenciar que Thorfinn no acaba de encajar en esa cultura tan belicosa. Mientras sus compañeros se congratulan de haber «matado» a sus rivales, los únicos que permanecen derrotados en el suelo son Thorfinn y su amigo Faxi. Mirando al cielo, fantasean con el Valhalla, el cielo para los guerreros más fuertes. Parece que la frase va dirigida a Faxi porque siempre muere el primero y no es alguien muy hábil, pero sinceramente solo hace falta observar la cara de Thorfinn para ver que él tampoco está convencido de que ese sea su destino.

Aun así, el protagonista se pregunta ¡si su hermana y su madre podrán llegar al Valhalla! Es una idea que resuena mucho con la audiencia actual, pero que que es testigo también de una realidad histórica: las mujeres nórdicas sabían pelear, además de controlar el hogar. Ojalá hubiese más desarrollo respecto al tema de las mujeres guerreras, espero que la serie lo introduzca en un futuro. Eso sí, tanto Helga como Ylva se merecen el cielo, me da igual lo que digan las normas vikingas.

Para enfatizar la desvinculación que sufre Thorfinn respecto a su sociedad, Leif se asoma al improvisado campo de batalla para avisarle de que va a marcharse a Noruega para comerciar lana y pieles por vino. ¿Por qué concretamente vino? Porque tiene planeado celebrar con este el nacimiento de Jesucristo en su tierra natal: Leif Eriksson fue uno de los vikingos que se convirtió al cristianismo, y tenía por misión extender la religión por Groenlandia.

¿Os creíais que Thorfinn iba a quedarse callado después de saber que Leif se va de viaje? De inmediato se ofrece a unirse a él y, claro está, tiene que apuntar otro rechazo a la lista.

Entonces divisan un barco de guerra aproximándose a la costa.

En la herrería, un musculado y descamisado Thors repleto de antiguas cicatrices intenta hacer de herrero sin mucho éxito. Mucha fuerza y poca maña, comentan los artesanos. Debo destacar que, aunque no se ha mostrado cómo Thors ha recibido las cicatrices, es todo un detalle que hayan mantenido la herida de flecha del pecho que le infligieron en la batalla de Hjorüngávar. Pero, aparte, en términos narrativos es un mensaje a voces que nos recuerden sin palabras que Thors es un guerrero justo cuando acabamos de ver que se acerca un barco. Sería muy anticlimático (o más típico de la comedia deconstructora), después del inicio del episodio y esta escena, que la misteriosa embarcación terminara por ser un comerciante de especias.

Thorfinn avisa a su padre de las nuevas y acto seguido se nos presenta un impactante plano. Sobre el enorme barco de guerra que acaba de arribar a puerto se alinea una larga fila de fieros vikingos en estricta formación. Thors los identifica al instante: Jomsvikings.

vinland saga capítulo 2

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Analizando Vinland Saga: Capítulo 1

WIT Studio, los encargados de la adaptación de Shingeki no Kyojin, presentan esta vez el anime de uno de mis mangas favoritos: Vinland Saga. Así que no podía desperdiciar la oportunidad de hablar sobre ello. En estos artículos, aparte de hacer una impresión general de los capítulos, hablo también de la animación, del uso del CGI, y comparo al anime con su fuente original, para ver qué se ha cambiado y mi opinión, así que…

¡Vamos a ello!

No hay spoilers ni del manga, ni de los futuros capítulos del anime, así que leed tranquilos.

Capítulo 1 «En cualquier otro lugar»


Al estilo de mangas como Berserk, el manga de Vinland Saga comienza en el presente para después dar paso a un flashback que se extiende hasta el tercer tomo, explicando el origen de Thorfinn y la historia de Thors, su padre.

Sin embargo a la hora de llevar a cabo la adaptación al anime, se ha optado por contar la historia de forma cronológica. Una elección totalmente entendible. En un anime una estructura así no funcionaría tan bien como lo hace en el manga. De paso, se le da mucho más peso a Thors y al impacto que tendrá su futuro sobre Thorfinn.

El anime empieza con una escena inédita en el manga, pero que resulta muy útil para darle más humanidad a Thors. El guerrero descansa en un campo dorado, casi un paraíso. Al fondo aparece Helga, su mujer, con su hija recién nacida Ylva en brazos. Thors da un paso hacia adelante, pero se tropieza con algo. Mira hacia abajo y el campo dorado se convierte en un infierno de sangre y cadáveres. Muy revelador, ¿no? Es una escena que quizá se inspira en Berserk, concretamente en Griffith, pero en general es una forma muy poco sutil de presentar el pasado y los remordimientos del personaje. Sin embargo merece la pena por el efecto visual y la forma de decirnos algo sin necesidad de palabras. Ahora, resulta redundante cuando tenemos la escena que sigue:

De vuelta a la realidad, un enemigo carga contra él mientras sigue aturdido por la visión. Por suerte llega el gran —literalmente— Thorkell para ayudarle con su brutal fuerza. Están en la batalla de Hjorüngávar, que enfrentó a los Jomsvikings, el bando de Thors, contra un enemigo por ahora desconocido.

A medida que se desarrolla el sanguinario enfrentamiento cae un virulento granizo mientras Thors sigue matando sin piedad a sus enemigos, partiéndolos por la mitad con la espada como si de Guts y su Matadragones se tratase. Al herir mortalmente a lo que sería una de sus últimas víctimas, el moribundo susurra unas últimas palabras a su amada, a la que confunde con Thors. Confuso, sale de ese modo berserker asesino, dándose cuenta de lo que está haciendo: matar a humanos como él, con familia y seres queridos.

Un barco lleno de nuevos enemigos acecha la posición de Thors, uno de los cuales logra arrojarlo al agua después de un breve forcejeo, donde ahora sí, mata a su última victima. Deja caer su espada al fondo del mar, que sirve como icono de su desvinculación de los Jomsvikings y de la muerte y, buceando, huye a la costa para desertar.

El CGI de toda la secuencia es brutal. El manejo de la cámara en el espacio tridimensional y la integración de los elementos 3D con los 2D es realmente espectacular para un anime de temporada. La fluidez de la cámara ayuda a dar fuerza a los golpes de Thors y Thorkell, y aunque los barcos y algunos personajes estén creados tridimensionalmente, no destacan negativamente respecto a los fondos y los protagonistas. Incluso el océano, que es puro 3D, está creado de forma más que digna —es una de las cosas más difíciles y costosas de simular, así que no es raro ver que se descuida—.

Entonces empieza el opening. La elección de la música es magnífica, pero lo que me deja sin palabras es el plano secuencia donde vemos el barco de Askeladd con Bjorn, y al final del todo a Thorfinn limpiando su daga… ¡Que maestría del CGI y que bien está integrado todo!

Después de este flashback, la serie se traslada a Islandia en el año 1002, donde por fin se presenta al protagonista del anime, Thorfinn. Un chiquillo rubio de seis años que, de momento, es la mar de adorable y se las apaña para coger agua que llevar a casa. Su hermana Ylva le manda de inmediato a dar de comer a las cabras y ordeñar a las vacas. El cambio de la paleta de color es magnífico. Transmite calidez al entrar Thorfinn en casa y tener todo un tono más anaranjado, contrastando con los blancos y grises fríos del exterior.

Al acabar de hacer las tareas, una gaviota pasa volando rasante a su lado, y Thorfinn desvía su mirada hacia algo que observa con pasión: el océano.

Sobre esta parte cabría destacar dos cosas. La primera, que es otra escena original del anime —al contrario del resto del capítulo, que será casi un calco del manga—, pero que sirve para ponernos en contexto espacial y temporal. Además, presenta al protagonista de una forma adorable y mete un paralelismo unos capítulos más adelante. Pero ya llegaremos a ello.

La segunda es la preciosidad de los fondos. No solo las montañas que observamos al fondo transmiten esa frialdad y hostilidad dignas de Islandia, sino que incluso ese cielo nuboso hace que el frío nos cale a los espectadores.

Del nevado paisaje, se llega a un plano muy acogedor del hogar encendido de la casa de Thors y su familia, donde el explorador Leif Erikson relata una de sus expediciones a los niños de la aldea. Y es que Leif descubrió, después de un arduo viaje, el lugar que da nombre a la serie: Vinlandia —la Isla de Terranova, una zona al norte de Canadá—.

Me encanta que el mar embravecido, aunque generado en 3D, tiene pintada la espuma a mano para darle un dinamismo y una fuerza que, tridimensionalmente, es difícil de generar. Como no podía ser de otra forma, está integrado de forma deliciosa. El detalle es impresionante, ¡hasta las salpicaduras están hechas a mano!

Después de luchar contra el mar, Leif dio con una tierra fértil y cálida, e incluso tuvo contacto con nativos americanos, con los cuales, según él, establecieron amistad y le obsequiaron con un sombrero de plumas.

Thorfinn, completamente embelesado, le comenta a Leif que quiere unirse a su tripulación. Sin embargo, los niños no acaban de creer a Leif. Según la mitología nórdica, Jormungand, la Serpiente del Mundo, se zampa todo barco que se aproxima al oeste y, más allá, el mundo se precipita en una cascada infinita hacia el vacío. Por lo tanto ven imposible que haya una tierra nueva al oeste de Islandia.

Leif se regodea: por eso él y su tripulación son tan increíbles y valerosos. Ellos combaten contra el mar, cosa que nadie más hace. Los niños se ríen y le consideran poco más que un niño con barba. Claramente, uno de los puntos que trata Vinland Saga, sobre todo al principio, es la idealización social del guerrero y las batallas.

El explorador, enfadado, pide ayuda a Thors para que les haga entrar en razón. Thors, imagino que sin saber cómo lidiar con la situación, manda a los niños a su casa, excusándose de que se ha hecho tarde, y de paso evita que el ambiente vaya a peor. Thorfinn despide a sus amigos mientras cae una densa nevada. A la vez, un hombre moribundo, un esclavo, ya que porta grilletes en muñecas y cuello, se tambalea hasta llegar a un árbol próximo a la aldea de Thors.

De vuelta a la calidez del hogar, Leif, que siempre que sale en pantalla tiene que decir algo y cumpliendo el papel de introductor del lore, narra a Thors y Helga cómo las brutales nevadas en Groenlandia están matando a la gente y a su ganado. Una ola de aire frío que se acrecienta con los años se cierne sobre sus tierras. Ylva entra en casa con un par de cabras para resguardarlas de la nevada, y Leif aprovecha para tirarle los trastos a la joven. Por muy simpático que me caiga Leif, esta no te la perdono. Que podrías ser su padre.

A pesar del humor del momento, tanto Leif como Thors están profundamente preocupados por la situación, y temen que llegue un invierno donde no sobreviva nadie. El hermano del explorador ya está haciendo planes para la emigración de su pueblo hacia Vinlandia, a pesar de que Thors le recuerde que está a muchísima distancia.

Se salta entonces a una escena en la que Thorfinn, con unos ropajes distintos a los que ha llevado hasta ahora, hace de adorable capitán —lo siento, es que es TAN mono— de una embarcación que se dirige a Vinlandia. De repente del mar surge Jormungand y atrapa a Thorfinn, asfixiándolo. El chiquillo se despierta y quien lo está aplastando en realidad es Ylva, que se fue a dormir a su lado para coger calor. La serie no para de mostrar la dureza del clima de Islandia y Thors se empieza a plantear de verdad la opción de emigrar con su gente a Vinlandia.

Entre tanto, queda claro que Thorfinn es diferente a otros niños. No sueña con grandes batallas o ser un héroe de guerra. Sueña con viajar, descubrir y vivir aventuras, casi como haría un niño de nuestra época. Ya sea por la influencia pacifista de su padre o por crecer escuchando las historias de Leif, Thorfinn ha adquirido unos valores distintos a sus compañeros de la aldea. Incluso sus ansias por partir cuanto antes en su primera exploración lo diferencian de los demás niños que, de momento, se conforman jugando con espadas y escudos de madera.

Al amanecer, Ylva y Thors, armados con grandes palas, retiran la gruesa capa de nieve que se ha formado en el tejado de su casa. Ylva comenta a su padre que deberían de hacerse con un esclavo para que les ayudase en estas tareas. Thors se niega: su aldea no funciona así. A Ylva le parece extraño, porque poseer esclavos es algo totalmente normal en la sociedad nórdica. Me parecen preciosos los valores tan buenos que ha llegado a desarrollar Thors con el tiempo. Como si todo el mundo pudiese reformarse y aceptar una vida más pacífica y amable.

Ylva resbala del tejado pero, por suerte, cae sobre una capa de nieve que alivia su caída. A pesar del grueso de la nieve, detecta algo debajo suyo. Ambos escavan durante un momento, y desentierran al hombre moribundo que había llegado a la aldea la noche anterior. Está macilento, inconsciente y con claras señales de congelación en las extremidades. Con la conversación que acaba de tener con su hija, está claro que Thors va a intentar salvarle, aunque quizá la serie podría haber sido más sutil y revelar la postura de Thors ante la esclavitud en esta escena sin necesidad de dar un discurso. Al fin y alcabo, los actos dicen más que las palabras.

Por otro lado, la mañana de Thorfinn transcurre en el puerto, donde observa un precioso cielo azul sentado en lo alto de una barca que Leif está barnizando. Sigue sin confiar en la veracidad de la historia del explorador, y solo le creerá si lo lleva con él a Vinlandia y a verlo con sus propios ojos. ¿Será este el futuro objetivo de Thorfinn? La serie, desde luego, parece estar poniendo mucho énfasis en ello…

Pero el chiquillo tiene problemas mucho más inmediatos. Molesto, se queja de que su padre es un tacaño y no le deja surcar el mar en la barcaza de guerra de la aldea por mucho que le ruegue. Leif contesta que el océano en esa zona es peligrosísimo, y relata la vez que se quedó atascado junto a su tripulación en un iceberg durante días, quedándose sin comida ni agua. Además, su barco fue aplastado por el hielo y fueron condenados a caminar a través del mar congelado hacia la villa más próxima. Solo Leif sobrevivió. Sin embargo parece que, por mucho que a Thorfinn le choque este relato, no se va a dejar amilanar y a pesar de los peligros, va a querer aventurarse en una expedición.

La cámara se aleja para volver a mostrar otra vez el precioso mar azul y la costa de Islandia, y Thorfinn pregunta por qué tienen que vivir en Islandia si es un sitio tan peligroso e inhóspito.

Como para ilustrar las palabras de Thorfinn, acto seguido Thors entra en casa cargando con el moribundo esclavo y trata de reanimarlo. Helga también ayuda calentándole las extremidades congeladas. Al quitarle la ropa congelada, se revela su cuerpo surcado de heridas horribles. Se deja claro sin necesidad de palabras que su amo es terrible. Ylva se plantea sobre si salvarlo está bien o no: es posible que se metan en problemas al tratar con un esclavo que no es de su propiedad. Lo que se ha desarrollado de Thors hasta el momento indica que poco le importan los líos en los que él se pueda meter. Si puede salvar una vida, lo va a hacer. Estoy seguro de que no va a ser la primera ni la última vez que se encuentre en una situación así.

En este momento podemos ver un lado de Thors egoísta. ¿No piensa en su propia familia o en la aldea? Él no sería el único que podría sufrir las consecuencias de unas posibles represalias. De ofender al amo del esclavo, podría lanzar una ofensiva contra el pueblo y herir a algunos de sus habitantes…. ¿Tanto confía Thors en su fuerza?

Está claro que Leif no solo ama explorar, sino también contar historias. Esta vez toca que Thorfinn aprenda información sobre sus ancestros. Venían de una tierra al este llamada Noruega, una región más cálida donde el mar no se hiela y se encuentra protegida por unas calas. Pero un día, un poderoso hombre llamado Harald atacó las aldeas de la zona, proclamándose el primer rey de Noruega.

Entonces planteó a los aldeanos dos opciones: arrodillarse ante él o abandonar esas tierras. Debido a que Harald resultó ser un tirano, mucha gente escapó de su dominio y llegaron a Islandia, siendo así el origen de los asentamientos donde viven Thorfinn y los demás, y la razón por la que se conforman en vivir en un entorno tan hostil. O la hostilidad del mundo, o la de los humanos. Thorfinn no se lo acaba de creer. Según él, unos guerreros como ellos no se atreverían a huir. Acto seguido, de forma reveladora, es él quien procede a huir de la conversación con Leif para marcharse a casa.

Aunque hoy en día esto lo considere algo proveniente de la masculinidad tóxica, de cómo un hombre tiene que ser fuerte y valiente, la reacción de Thorfinn me parece algo totalmente coherente con el mundo en el que se basa, y más teniendo en cuenta que solo es un chiquillo de apenas seis años.

Ya en la calidez de su hogar, Thors consigue revivir a duras penas al esclavo, que murmura que se muere de frío y revela que escapó de los terrenos de Halfdan, al otro lado de las montañas. Odiaba ese sitio con toda su alma, pero no tenía otro lugar donde ir. Thors se muestra preocupado, imagino que pensando otra vez sobre la migración a Vinlandia.

¿Habrá tiempo para que Thors profundice en esa reflexión? ¿Para que se acabe de decidir sobre el futuro de su pueblo? ¡No! De repente un aldeano se precipita al interior de la casa anunciando que Halfdan ha llegado al puerto.

Halfdan porta una cadena como arma y da un pequeño discursito de villano. Según él, las cadenas son el único tipo de collar que le queda bien a un humano, y es la única forma de hacer a una persona decente. Se presenta a los espectadores casi como la antítesis de lo que Thors es hoy en día. Quizá, Thors fue así en un pasado…

Ari, un joven de la aldea, confronta a Halfdan. Se piensa que solo ha venido para reavivar viejas rivalidades entre ambas aldeas. Un seguidor del tirano se adelanta y achaca al joven de haberle cortado el brazo en la última pelea entre los territorios. Ari se justifica que fue porque él hirió de gravedad a su hermano y jamás será capaz de andar de nuevo, y se dispone a cortarle otra extremidad. Me gusta cómo se presenta a Ari y su bravuconería, distinguiéndolo de los demás jóvenes. Me pregunto cómo lidió Thors con esa situación de la que hablan, porque… desde luego que luchando no. Quizá un poco más de backstory habría redondeado esta escena.

La situación está apunto de degenerar en una batalla, pero Halfdan ataca a su propio hombre con su cadena. En una escena algo grotesca, le arranca pelo y carne; la cara del hombre ahora está surcada de heridas. Queda claro lo férreo que es Halfdan respecto a seguir a rajatabla la ley, incluso si eso conlleva castigar a sus propios hombres.

El esclavo —del que nunca se dice su nombre, por cierto— parece sufrir una especie de sueño delirante, ya que se encuentra en un precioso campo de flores mientras unos patos se elevan por el cielo que recuerda un poco a la visión de Thors al inicio del capítulo. Despierta de ese lugar y logra musitar algo inconsciente cómo echa en falta su familia. En una emotiva escena, Thors intenta tranquilizarlo, contándole que se encuentra en Vinlandia, una tierra libre de guerra y esclavos, cálida y fértil. Ahí está a salvo con su familia.

No solo se lo está contando al hombre para hacerle sentir mejor, sino que por la expresión y el tono de voz de Thors, parece que se está intentando convencer a sí mismo de esa realidad.

En ese momento, Halfdan entra en casa de Thors, reclamando a su esclavo. Thors sabe perfectamente lo que le espera al pobre hombre si vuelve con su cruel vecino, así que intenta comprarlo. Halfdan se niega: tiene que torturarlo delante de los demás esclavos para que sepan lo que les espera si siguen su ejemplo. Thors no se rinde y ofrece cuatro ovejas jóvenes a cambio del maltrecho hombre, pero Halfdan, tozudo, dobla el precio. O eso, o nada. Thors accede a pesar de que Ylva se horroriza porque no es el mejor momento para perder tanto ganado.

Antes de irse, Halfdan se mofa de Thors una última vez. Se piensa que lo ha liberado de sus cadenas, pero que no tiene ningún sitio donde llevarlo. Las últimas palabras de Halfdan tienen sentido por el desarrollo que se ha dado respecto a la hostilidad climática de Islandia y la crueldad de la esclavitud nórdica, pero me extraña una cosa… ¿No se ha dado cuenta de que en esa aldea el esclavo estaría a salvo? Si sobrevive, al menos va a poder vivir una vida normal, aunque sea en un sitio que no sea su hogar natal.

En una de las escenas más sobrecogedoras hasta el momento, sobre un acantilado con la aurora boreal de fondo, Ylva llora desconsolada sobre la tumba del hombre. Pero… ¿Llora de pena por la muerte del esclavo, o por el ganado que han perdido? A primera vista puede parecer desalmada y mala persona, pero hay que tener en cuenta el desarrollo que hay durante el capítulo. Vivir en Islandia es duro, y cada animal es un bien muy preciado para la sociedad en la que se encuentran. Entonces ¿merecía la pena salvar a alguien que de todas formas iba a morir a cambio del sustento para su familia? Además a Ylva se le ha visto cuidar de sus queridas ovejas y mostrar preocupación por su bienestar, así que al fin y al cabo, no es de extrañar que sienta verdadera pena por ellas. Y no solo eso, sino que también ha mostrado tener una opinión distinta a la de su padre respecto al esclavismo.

Thorfinn, todavía lleno de dudas, inquiere a Thors si sus ancestros escaparon de Noruega hasta Islandia. Su padre confirma que eso es lo que cuentan las leyendas. Mirando al mar, Thorfinn le pregunta dónde va la gente cuando quiere escapar de Islandia. Solo recibe una caricia de su padre como respuesta. El pobre Thors debe de estar agotado de ese tema después del día que ha pasado, y su silencio me parece más que justo. Hasta ahora no había escapatoria, pero imagino que por su mente están pasando las cálidas planicies de Vinlandia.

Enlazando estas palabras con el siguiente capítulo, un barco de guerra lleno de vikingos con muy mala pinta se aproxima a la costa, y se da un vistazo al baúl donde Thors sigue guardando su equipamiento de vikingo, dando final a este primer y magnífico capítulo.

¡Esto es todo por esta vez! No podría estar más contento con el respeto que han tenido al adaptar este primer episodio, y cruzo los dedos porque siga así en un futuro. Porque la historia de Thorfinn merece la pena ser contada con la máxima calidad.

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Analizando el borrador del episodio 24 de Evangelion: amor bajo la luna

Continuamos analizando el borrador del episodio 24 de Evangelion. Si os perdisteis el anterior, aquí lo tenéis. Y deberíais echar un vistazo o no entenderéis en gran medida lo que ocurre en esta parte.

INTERIOR DE LOS CUARTELES DE NERV-TERCER LABORATORIO

Asuka entra e intenta desplegar la rampa a la Unidad 02.

ASUKA

Bien, me pregunto si la Unidad 02 y yo estamos en buenas condiciones hoy.

VOZ DE RITSUKO

Espera un segundo. Lo siento, Asuka, pero estás en standby.

ASUKA

Standby…

VOZ DE RITSUKO

El Quinto Niño montará hoy a la Unidad 02.

Vemos a Shinji y Kaworu en sus trajes un poco por encima.

KAWORU

Pensaba que me odiabas, Shinji.

SHINJI

¿Por qué…?

KAWORU

Tenía la impresión de que me estabas evitando.

SHINJI

No es cierto.

KAWORU

¿De verdad?

SHINJI

En serio…

Escuchamos a Shinji y Kaworu riendo por lo bajo.

ASUKA

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Analizando el anime de Sailor Moon: episodios 11-13

¡Analizando Sailor Moon para pasar el rato este verano! Aquí podéis ver el anterior. Y recordad: spoilers por todos lados.

La trama


En el episodio 11 Luna por fin tiene a tres Senshi consigo, pero ninguna parece estar por la labor de ejercer de heroína y prefieren quejarse de otros problemas más inmediatos. Como Luna no tiene ni idea de cómo encontrar a la Princesa, Ami decide que lo mejor es que se centren en matar monstruos y confiar en que la señorita se dignará a aparecer en algún momento. Así pues, acuden a investigar un nuevo parque, Dream Land, donde está desapareciendo gente. Por supuesto, Jadeite y una youma están detrás de todo. Podéis imaginar, por el nivel de interés que ha puesto en este plan al construir todo un parque de atracciones, que Jadeite está un poco desesperado: la reina Beryl empieza a perder la paciencia con él y quiere asegurarse de acumular toda la energía posible para calmar sus amenazas de muerte. Lo ideal sería, claro, acabar con las Senshi, pero parece tarea difícil aunque ya tienen sus imágenes. La magia de los trajes de marinerito las protegerá, supongo, de que los villanos decidan un día acceder a registros de Tokio para dar con ellas. ¡No puede ser tan difícil en comparación con comprar toda clase de edificios para abandonarlos después, venga ya!

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Recomendaciones Mistral para el verano de 2019

¡Ha llegado el el horrible calor! Tened mucho cuidado, bebed agua, poneos crema de sol y todo eso. Aparte, disfrutad de las vacaciones (los que las tengáis) y, si os apetece, pillad algunas de las nuevas recomendaciones de Mistral para el verano. Recordad que aquí tenéis todas las que ya hemos hecho.


Recomendaciones de Suzume

Tales of Zestiria (Namco Tales Studio)

En un mundo donde los humanos han perdido casi por completo la capacidad de ver lo sobrenatural, la Malicia amenaza con apoderarse del subconsciente de la gente y transformarla en lo peor de sí misma. La única forma de asegurar una balanza es mediante un Pastor capaz de purgar la Malicia y que esté dispuesto o dispuesta a dedicar su vida a luchar contra la constante tendencia a dejarnos llevar por nuestra parte más oscura.

El protagonista de este videojuego es Sorey, un humano, a quien acompaña su amigo de la infancia Mikleo, un Serafín. Ambos se han criado en una aldea alejada del mundo humano donde no hay Malicia ni verdaderos peligros, pero cuando la princesa Alisha lo alcanza por pura casualidad y se ve perseguida por Infernales (criaturas infestadas de Malicia), emprenden el camino para que Sorey se convierta en Pastor y pueda evitar que el mundo se vuelva completamente inhabitable.

Este título de los Tales of guarda un lugar muy especial en mi corazón por varios motivos. Entre otros, la descarada pareja romántica que son Sorey y Mikleo, con este último ocupando el lugar tradicional de la protagonista femenina y con numerosos títulos y acciones que dejan más que clara la relación entre ambos.

Lo siento, es demasiado bonito para que NO suba esta pelea de cosquillas.

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Analizando el borrador del episodio 24 de Evangelion: de arcoíris y paraguas

En toda escritura suele presentarse al menos un borrador antes de llegar al producto final. Ya hemos hablado de cómo pudo haber sido End of Evangelion en este artículo, así que ahora toca hablar del episodio más rompedor para Shinji: el 24, con la llegada de Kaworu. Y, ay, tiene tela la de cambios que se produjeron, hasta el punto de que hubo nada menos que dos borradores antes de aceptar una última versión que fue la que obtuvimos. Y ¿por qué tanto cambio? Bueno. Parece ser que por homofobia de la productora.

Y es que Anno dejó este episodio en manos de Akio Satsukawa por estos motivos:

Entrevistador: ¿Quién trabajó en el episodio 24?

Anno: Una persona llamada Akio Satsukawa. Satsukawa es el mejor en, suena mal decirlo, pero… Siempre sabe cómo hacerlo bien cuando hay que tratar homoeroticismo *risas*.

E: Es bueno con amistades masculinas.

Homoeroticismo, entrevistador, no es precisamente amistad.

Sigamos:

A: ¿Mejor que yo, me pregunto? *risas*

E: ¿Detuviste a Satsukawa cuando parecía que iba a irse de madre, director Anno?

Anno: No, nada de eso. La atmósfera de Satsukawa permanece en el guion. Es un significado que estaba más presente en el original de Satsukawa, más afín al estilo de la JUNE.

La JUNE era un a revista básicamente yaoi. Estuvo en marcha hasta 2012 y publicó títulos como Ai no Kusabi o Kaze to ki no uta, que Milky Way nos trae a España como La balada del viento y los árboles, cuyas reseñas podéis leer aquí y aquí.

E: ¿Por ejemplo?

Anno: Fui yo el que eligió situarlo todo en el baño, eso sí. En el guion original, los dos nadaban desnudos en un río. *risas*

E: ¿A plena luz del día?

A: No lo sé, podría haber sido de noche.

E: ¿De noche, bañándose a la luz de la luna?

A: No lo sé. Había una imagen muy bonita de los dos nadando en el río. Como podrá imaginarse, estaba un poco por encima de mi límite. *risas*

E: La versión del ending, Fly me to the moon, con dos chicos. *risas*

A: El productor también lo rechazó, desafortunadamente.

Es curioso que se da a entender que Anno prefiera un baño, que también puede convertirse en algo muy privado, a dos chicos nadando en un río, por desnudos que estén. Por otro lado, notad que opina que fue desafortunado que el productor rechazara la escena. Y solo apuntar que es curioso que su nivel de «tolerancia» sea este, pero luego no tenga remilgos en sexualizar niñas. Interesante.

En cualquier caso, queda claro que se buscaba homoeroticismo. A ello podéis sumar las declaraciones de amor de Shinji y Kaworu para asombraros por todo lo que sorteó Anno para dejar claro qué era lo que sentía Shinji respecto al Ángel.

¡Dicho esto, examinemos cómo fueron evolucionando los borradores! Se avecina una traducción entera, de modo que ¡disfrutad! Podéis encontrar la traducción inglesa aquí.

NEON GENESIS EVANGELION

EPISODIO 24 «EL ÁNGEL FINAL»

(Primer borrador)


En una esquina hay un arma humanoide de alrededor de 5 metros de largo, sumergida en refrigerante.

En el cuerpo aparecen las marcas «αーTYPEーEVA000».

Sobre el puente umbilical que hay frente a este se encuentran Gendo Ikari y Kouzou Fuyutsuki.

IKARI

El nuevo prototipo de EVA: α EVA

FUYUTSUKI

La Evangelion en miniatura, ¿es así? ¿Para qué necesitamos algo como esto ahora?

IKARI

Fue creada para el Proyecto de Complementación Humana. Es el prototipo.

FUYUTSUKI

¿No era necesario hacer unos arreglos para alcanzar el lugar? Hay unas cuantas personas haciendo preguntas acerca de las congelación de las reparaciones de la Unidad 00. La profesora Akagi está tomando medidas para encontrar a otro piloto de EVA.

IKARI

Déjala seguir un poco más. El Plan E no está completado. De acuerdo al guion de SEELE, todavía falta un Ángel.

Si recordáis, la EVA 00 había explotado cuando Rei se suicidó para evitar que Armisael la usara para revivir a todos sus hermanos. La situación es espinosa; a pesar de que Rei III anda por ahí, la EVA 00 no está disponible para funcionar, Asuka ha perdido por completo su sincronización con la EVA 02 y Shinji tiene más o menos prohibido montar a la EVA 01, que ya ha absorbido el núcleo de un Ángel y Gendo no pretende arriesgarse a que Yui haga cosas por su cuenta. De modo que sí, se necesita otro piloto.

Ahora, ¿el papel de esta EVA en miniatura? Ni idea.

Tras esta conversación aparecería el título, THE FINAL ANGEL, en una sucesión perfecta porque alberga en una sola frase al piloto que Ritsuko está buscando y al último Ángel al que habrá que hacer frente.

INTERIOR DE LOS CUARTELES DE NERV – HABITACIÓN DE CONTROL, TEST PLUG

MISATO

¿Cómo va?

IBUKI

Mal. Los peores números que las dos han obtenido hasta la fecha.

 Asuka y Rei aparecen dentro de sus test plugs en un monitor.

MISATO

¿Alguna idea de cuál es la causa?

IBUKI

Aún no tenemos una respuesta definitiva, pero los datos muestran que sus sincronizaciones tienden a fluctuar. Los números de Asuka probablemente sean resultado del estrés, mientras que los de Rei probablemente sean físicos.

MISATO

No es posible que piloten a una EVA así, eh. Supongo que no había forma de evitar esto con los pilotos principales. Probablemente por esto Ritsuko no ha parado quieta intentando encontrar pilotos de repuesto.

IBUKI

Este será el primer piloto que no viene de un informe de Marduk. Me preocupa un poco. No puedo evitar sentir que la profesora Akagi está trabajando demasiado. ¿No lo has notado? Tiene tanta prisa últimamente…

MISATO

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Respuestas al Curious Cat: la ira Eren en Shingeki no Kyojin

Continuando con la pregunta acerca de Eren y Mikasa que nos hicieron en el Curious Cat de Mistral, esta vez toca hablar sobre Eren de Shingeki no Kyojin/Attack on Titan,.

¿Mikasa o Eren son diferentes en el manga y el anime? Porque para nada me parece buenos personajes hasta donde llegué en el anime (la segunda temporada). Eren es el prototipo de héroe shonen que repite cada vez que puede «Voy a matar a los titanes» mientras Mikasa parece existir solo para Eren.

La respuesta breve es: no demasiado.

La respuesta larga es: el personaje ha sido simplificado para resaltar su odio por los titanes. Se han cambiado pequeñas escenas, se le han dado frases que tenían otros personajes, y se han añadido muchos momentos que rompen su caracterización.

¿Y cuál es esta caracterización?

A la hora de la verdad, Eren es un personaje bien pensado y que cumple a la perfección su función como protagonista en un mundo como Shingeki no Kyojin. Para empezar, no es tan romántico como Armin ni emocional como Mikasa, y tiene un punto mucho más intermedio que permite establecer el equilibrio que caracteriza a E.M.A. como trío. Carece de la personalidad implacable de Mikasa, o de la cerebralidad de Armin, y se inclina más hacia la idealización y al pensamiento blanco/negro, algo perfecto para permitirnos ver la evolución de un mundo que, en principio, parece corresponder a las ideas de Eren: los titanes han entrado, los soldados deben luchar contra ellos para sobrevivir y ya está.


Cada personaje traduce su odio y temor por lo desconocido de formas distintas. Eren canaliza su miedo mediante la furia explosiva para no sucumbir a fuerzas que lo superan por muchísima diferencia. Pero, ah, tiene miedo. Cuando el Titán Colosal destruye la muralla de Trost, Eren pierde el control al ver cómo un compañero es devorado (exactamente igual que su madre) y se precipita a vengarlo… Solo para acabar sin una pierna. Isayama, al contrario que ocurre con muchas obras shonen, no premia el comportamiento temerario y agresivo de Eren. Al contrario, deja muy claro que la frialdad es necesaria para sobrevivir a los titanes. Pero Eren no es frío. Todo lo contrario.

Y su verdadera naturaleza se define cuando sacrifica su vida por salvar a Armin. Ichigo, Naruto, Luffy, Gon… todos estos personajes pertenecen a historias juveniles donde se enfoca el compañerismo y la amistad como el gran valor a defender. Y Eren no es la excepción…

Salvo en los matices.

Eren no protege a sus amigos solo porque viva la amistad. Lo hace porque tanto él como todos sus compañeros viven enfrentados a una constante y traumática perdida. Ya no es siquiera morir bajo unas balas, sino torturado y devorado por brutales criaturas. El mundo de Eren se sostiene en sus amigos. Puede lidiar con perder a algunos, pero definitivamente no a Mikasa o a Armin. Y eso se ve en cómo se arroja al interior de la boca de un titán para salvar a Armin in extremis entre otros ejemplos que serían spoiler.

Lo que mueve a Eren, lo que le hace volver del borde de la inconsciencia en más de una ocasion no es, como quiere hacernos creer el anime, su odio por los titanes: es el amor por sus amigos.

Porque: ¿qué pasa cuando averigua que amigos suyos son titanes enemigos?

Se niega a creerlo. Incluso tras ver a Annie aplastar a sus compañeros, Eren valora tanto a la gente que ha crecido, confía tanto en la nobleza de los humanos que no puede convencerse para hacer daño a Annie. Mikasa y Armin deben arriesgar sus vidas en un acto suicida para que Eren reaccione.

¡Matar titanes, hur hur!


A pesar de lo que se pueda pensar… Eren aspira a ver el mundo el exterior, no por explorar, sino por demostrarse que es libre.

La idea de la libertad puebla Shingeki no Kyojin como es el símbolo de los exploradores, de Erwin, Levi, de Hanji. De todos aquellos que se rebelan contra la sociedad acomodaticia (algo bastante más importante de lo que parece a primera vista) y que deciden volverse contra los enemigos que les impiden disfrutar plenamente de la vida. Eren es un pajarito que se ha dado cuenta de que está en una jaula, y sabe que fuera aguardan gatos terribles.

Que su madre muriera a manos de uno de los titanes aviva un odio neblinoso que ya estaba ahí. Porque Eren no odia a los titanes de forma personal, sino por una idea genérica, fruto del terror y del rencor. Al contrario que en otras historias de vampiros, de ghouls o de enemigos con personalidad y objetivos propios, Eren no odia a los titanes de forma personal. No es lo mismo aborrecer a Drácula que con maldad y alevosía va a por tu prometida, o a un doctor que decide experimentar con órganos de ghoul en tu interior, que a un titán sin mente, sin malicia y sin nada excepto el impulso de comer.

Los titanes no son archienemigos. Solo gatos. Los titanes son un símbolo para Eren, un enemigo múltiple, plural y reducible a una sola idea. Es como leer El señor de los anillos y encontrar personajes que odian a los orcos. De forma genérica. No a uno concreto, sino a «ellos» porque son lo Otro, son el Negro que choca contra tu Blanco.

Por eso es tan fácil para él decir que va a matarlos a todos. Al fin y al cabo no son lo importante: ni siquiera tiene una fijación personal con el titán que asesinó a su madre.

Cuando lo pensamos, no es una motivación lo suficiente fuerte y está destinada a desmoronarse. Quizá por ello, porque quieren enfatizar el momento en que la lógica de Eren se viene abajo, en el anime el chico repite una y otra vez que quiere vengarse y se obsesiona con demostrar que nadie tiene más determinación y fuerza de voluntad que él. Ya sabéis, para que la caída sea más fuerte.

El problema es cómo lo hace, porque lo que se logra es que vayamos perdiendo lentamente nuestra simpatía por él. Sin ir muy lejos, en más de una ocasión acusa a Armin de cobarde o se pelea con él con cierto desdén, a pesar de que en el manga su relación es bastante armónica y Eren confía en las capacidades de Armin. No solo eso, sino que Eren es mucho más bestia con quienes no opinan como él en el anime, como cuando casi acaba peleándose con Jean mientras que en el manga la conversación es en general más contenida. Cuando Bertholdt y Reiner hablan con Armin y Eren, se cambia el diálogo para que sea Armin y no Eren quien dice:

Proteger tu propia vida también es admirable.

También se borran líneas en las que Eren se muestra bastante compasivo con las experiencias de Bertholdt. Y eso por no hablar acerca de las veces que Eren habla acerca de su sueño de cruzar las murallas. Casi me sorprende que mantuvieran que lo que da fuerzas a Eren para salvar a Armin del titán Papá Noel es que recuerda cómo hablaban de viajar más allá. 

Con todo, hasta en el anime queda claro que hay algo que guía a Eren aparte de su odio. Por ejemplo, Armin logra sacarlo de un estado casi comatoso recordándole su sueño; no es mediante la ira, ni el deber, ni nada más. Es simplemente el deseo de tener la libertad de explorar un mundo que ya no sea una jaula. Un mundo que los titanes les impiden tener. Solo así Eren reúne las fuerzas para cargar con la enorme roca y sellar Trost. Por una vez, en esta escena no se introduce ningún discurso de odio contra los titanes (que están masacrando a sus compañeros, por cierto), sino que nos inflama con el convencimiento de que nuestras vidas y nuestras muertes tienen significado siempre que luchemos por ser libres.

Para Eren lo importante es la gente. Camaradas que se sacrifican por salvar Trost; amigos como Mikasa o Armin que arriesgan su vida al alejarse del terreno propicio para la batalla con tal de darle una oportunidad para que la Humanidad gane por una sola vez.

Y entonces esta gente empieza a decirle que es un elegido, que es la última oportunidad de los seres humanos. Así, sin presión.

Parece fácil, ¿no? Solo tiene que hacer lo que siempre ha querido hacer. Luchar, sobrevivir, matar.

Como si eso no fuera ya lo suficiente duro, de pronto el mundo deja de ser blanco-negro porque resulta que, vaya, los titanes podrían ser humanos.

Eren se opone una y otra, y otra vez a la posibilidad de que la Titán Femenina sea Annie. Y cuando lo descubre, cuando la ve transformarse y matar a gente…

En el manga, Mikasa le hace cambiar de opinión:

¿Cómo podéis pelear?

Eren, que siempre es quien insiste en pelear, en continuar viviendo, se bloquea por completo a la hora de enfrentarse a otro ser humano que no considera escoria, como los asesinos de la familia de Mikasa. Es decir, Eren se hunde porque pierde de vista su objetivo: luchar… para ser libre.

Y es Mikasa, que sobrevivió gracias a que Eren le aulló que luchara, que no se rindiera, la que le responde:

¿Qué otra cosa podemos hacer? El mundo es un lugar cruel.

Es una escena preciosa porque resume dos de las grandes ideas de Shingeki no Kyojin: el mundo es un lugar cruel, pero también hermoso y hemos nacido en él. Tenemos que pelear para continuar viviendo.

De modo que Eren, viendo que sus amigos cumplen a rajatabla, a pesar del peligro que entraña, su máxima, recupera la confianza, la fe, la terquedad que lo caracteriza. Y responde: así es. Se transforma y acude a luchar contra Annie en plena posesión de sus facultades, por su propia voluntad.

En el anime, en parte porque es final de temporada, en parte porque insisten y persisten en la idea de que Eren tiene que dejarse llevar por el odio y el dolor, hacen que se le caiga un edificio encima y que Armin no muestre el más mínimo grado de compasión por su mejor amigo, que ha sido atravesado por una estaca en el pecho. No, lo que hace es decirle que mueva el culo y pelee. Y luego todos dejan a solas a la esperanza de la Humanidad mientras se desangra porque el anime es muy coherente.

Al final Eren se transforma, fuera de sí, y entra en una suerte de estado berserker en el que no es capaz de pensar con racionalidad.

A pesar de que en el manga Annie y Eren corren por calles despejadas, en el anime aplastan a personas constantemente, atraviesan edificios y Eren hasta arroja a Annie contra una maldita iglesia.

No solo eso, sino que Eren literalmente empieza a arder mientras piensa:

Mataré a todos los titanes, no dejaré uno solo con vida. ¡¡Destruiré todo en este mundo!!

 

Y cuando atrapa a Annie la destroza y desgarra, en un claro intento de devorarla, hasta que esta se protege con el cristal.

Por contraste, en el material original Eren pelea con frialdad, evitando víctimas, escuchando órdenes y desde luego no trata de comerse a Annie. Se limita a sentarse sobre su cuerpo para inmovilizarla mientras el resto de soldados cortan la carne para llegar hasta ella.

No tan épico para el final de temporada, pero mil veces más in character.

De modo que no, Eren no es solo matar titanes hur hur. Eren es un personaje que grita y llora y se esfuerza porque el mundo no sea complicado, porque entonces no puede dar sentido a lo que está ocurriendo. Eren no es tan fuerte psicológicamente como Mikasa o Armin, que son extremos opuestos el uno del otro: Mikasa se aferra al romanticismo del pasado; Armin, al de la exploración y el futuro.

Eren solo tiene vagas ideas de la idea de libertad, una que jamás ha obtenido, y no se da cuenta de que la libertad exige elecciones dolorosas. Hasta que la trama se lo permite, Eren continúa un camino lineal en el que se aferra a la venganza para dar un sentido a la muerte de su madre, a lo que hizo su padre y a un mundo que los quiere muertos.

Pero ¿qué pasa cuando resulta que el mundo no es como esperabas?

¿Qué pasa si la libertad implica darse cuenta de que hay que madurar y enfrentarse a un mundo cruel y hermoso en el que la lucha no siempre consiste en puñetazos?

¿Cómo proteges entonces a tus seres queridos?

Es una respuesta a la que Eren tendrá que enfrentarse.

¡Que el viento sople a vuestro favor!

Kaworu y Shinji en Evangelion, un romance canónico

Aviso de spoilers de todo Evangelion y End of Evangelion

Dado que Netflix, en su estreno mundial de Evangelion, ha decidido cambiar elementos originales del guion original y eso a pesar de que estamos en el año 2019, posiblemente sea un buen momento para repasar el texto, que no subtexto, romántico entre Shinji y Kaworu.

Para empezar, estamos trabajando en traducir los dos borradores del episodio 24 (en el que Kaworu entra en escena), donde el interés romántico entre ambos personajes era aún más descarado y se tuvo que descartar debido que GAINAX y la censura que no tenga que ver con senos juveniles y femeninos es como es.

En esos borradores había escenas nadando a la luz de la luna, desnudos, y un beso.

Con todo, esto no fue lo que tuvimos, así que toca centrarse en el material oficial.

Para empezar, hay que resaltar que Hideaki Anno optó por dejar el episodio 24 en manos de Akio Satsukawa, como comenta en esta entrevista, debido a unos motivos muy evidentes:

Anno: Satsukawa es el mejor en, suena mal decirlo, pero… Siempre sabe cómo hacerlo bien cuando hay que tratar homoeroticismo *risas*.

[…]

Entrevistador: ¿Detuviste a Satsukawa cuando parecía que iba a irse de madre, director Anno?

Anno: No, nada de eso. La atmósfera de Satsukawa permanece en el guion. Es un significado que estaba más presente en el original de Satsukawa, más afín al estilo de la JUNE.


La JUNE era un a revista básicamente yaoi. Estuvo en marcha hasta 2012 y publicó títulos como Ai no Kusabi o Kaze to ki no uta, que Milky Way nos trae a España como La balada del viento y los árboles, cuyas reseñas podéis leer aquí y aquí.

De modo que el guion era de Anno y la ejecución, de Satsukawa.

A lo largo del episodio, que tenéis analizado al completo aquí en tres partes porque no me daba la vida con tanto de lo que hablar, Kaworu se asienta claramente como un interés romántico para Shinji, que se encuentra en una situación muy delicada después de haber perdido a una amiga, haber averiguado ciertas cosas sobre su madre y haber visto un estanque de clones de Rei reduciéndose a vísceras y sangre, por no hablar del trauma que lo persigue respecto a Toji o de que hace relativamente poco volvió de entre los muertos.

En este momento, Shinji está solo y deprimido, ansioso de que alguien (Misato está ocupada con otros problemas) le preste algo de atención. Así que cuando Kaworu se le aparece y lo llama por su nombre, tratándolo de tú a tú, Shinji no solo acepta este acercamiento, que en caso de Asuka habría rechazado, sino que se sonroja y corresponde rápidamente.

Aparte de la vulnerabilidad emocional de Shinji, hay un motivo por el que Kaworu cala tan rápido en el protagonista. Y se debe a que es un ideal de Shinji. Anno insiste en que Kaworu no es femenino mientras que Shinji sí que lo es (es más, en sus inicios Shinji iba a ser una mujer). ¿Por qué es importante esto? Porque Shinji intenta acomodarse a los moldes de la sociedad machista de Japón, como se ve a lo largo de unos cuantos episodios, y falla miserablemente una y otra vez. Su obsesión con el sexo, con comportarse «como un hombre» seguro de sí mismo es una constante a lo largo de la serie y termina por convertirse en algo que lo pone en peligro de muerte más de una vez.

Pero Kaworu es un chico masculino que no es agresivo, como Asuka, ni distante como Rei. ¿Por qué? Porque es, literalmente, un Ángel que se dedica a querer a Shinji, a apreciarle y a hacer que todo gire a su alrededor sin criticarlo ni una sola vez.

Es la pareja ideal. Una que no existe en el mundo real.

De modo que Shinji, al sentirse seguro y aceptado alrededor de Kaworu, no vacila en ir detrás de él y esperar durante horas a que termine con sus pruebas con la EVA 02.

Shinji no sabe bien qué hacer ni cómo dirigirse a él, pero tiene claro que quiere estar cerca. Para su indescriptible sorpresa, Kaworu también quiere estar con Shinji. No con el Tercer Niño o el Piloto, sino con Shinji.

—Me gustaría hablar más contigo. ¿Puedo acompañarte?

Mirad la cara de sorpresa de Shinji porque un desconocido considere que es interesante.

De modo que acaban juntos, dándose un baño. Aquí Shinji vuelve a cerrarse un poco, incómodo ante algo tan personal como estar desnudo junto a una persona por la que claramente está desarrollando un crush. Acto seguido, Kaworu empieza a analizar el comportamiento de Shinji en voz alta, quizá una manía que ha desarrollado después de haber vivido aislado con SEELE durante toda su vida.

En resumen, Kaworu termina por definir el Dilema del Erizo, que es el miedo que tienen los seres humanos a acercarse a otros porque saben que les van a hacer daño. De modo que prefieren aislarse y mantenerse aparte, a pesar de que la soledad es también un lento y mortal veneno.

Y, aun así, Kaworu admira a los humanos porque a pesar de todos los obstáculos que se ponen ellos mismos en el camino, son capaces de seguir viviendo con la ayuda de otros.

Entonces, para reforzar la idea de que necesitamos a los demás, Kaworu cubre la mano de Shinji. No hay que olvidar que, cuando Shinji y Asuka se besaron, simbólicamente esta estuvo a punto de asfixiar a Shinji al intentar convertirle en el ideal masculino que es Kaji, mientras que más tarde Shinji rechazó el acercamiento sexual de Misato, que buscaba consolarle por la pérdida de Rei.

Aquí Shinji no aparta la mano. Está obnibulado por Kaworu, por cómo habla de cosas que no entiende pero que continen fragmentos que le afectan profundamente, y también porque, bueno, sus miradas furtivas a su nuevo compañero hablan por sí solas.

Shinji es tímido, no estallaría como lo harían Toji o Kensuke ante un acercamiento que considerarían «peligroso», pero sabe mostrar su incomodidad ante los demás cuando se siente abrumado o avasallado. Este no es el caso. En ningún momento rechaza a Kaworu.

Kaworu, entonces, lanza su discurso acerca del corazón de Shinji. Traducido literalmente del japonés sonaría más o menos así:

—Los humanos sienten constantemente dolor en sus corazones. Es dificil vivir con un corazón herido, su fragilidad comparable a la de un cristal. El tuyo, más aún.

La fragilidad no es algo que se considere atractivo ni necesario en un hombre. Por algo Shinji es un personaje bastante detestado, a pesar de ser muy humano y muy adolescente.

Y llegamos a la parte que la gente suele traducir como quiere.

—¿El mío?

—Sí, y mereces afecto.

—¿Afecto…?

—Quiero decir… ser amado.

En Netflix se ha traducido de varias formas. En castellano, Kaworu dice yo te quiero, bastante fiel dentro de lo posible e infinitamente mejor al you are worthy of my grace inglés, que establece una jerarquía controladora y condescendiente entre Kaworu y Shinji. Y es que una cosa es que Shinji vea en Kaworu todo lo que querría ser, ampliando así su sentimiento de inferioridad, y otra muy distinta que Kaworu de verdad se sitúe por encima de él y juzgue a los demás como si fuera un Dios cruel.

En los subtítulos castellanos tenemos un problema porque dice me gustas mucho, porque en caso de que fueran una pareja heterosexual no habría problemas, pero en términos de dos chicos se puede ocultar bajo un velo de amistad. Además, después se añade un terrible «como me pasa a mí con Rei», indicando que Shinji, precisamente Shinji, de entre todos no corresponde. Y teniendo en cuenta que se supone que los subtítulos son más fieles al idioma original…

¿Y qué dicen en japonés?

シンジ「僕が?」 (boku ga?)
カヲル「そう。コウイに値するよ。」 (sou. koui ni ataisuru yo)
シンジ「コウイ…?」 (koui?)
カヲル「好きって事さ。」 (suki tte koto sa)

Es difícil de traducir ya que consiste en un juego de palabras entre コウイ(koui) que puede significar «amabilidad» o «afecto», la cual suena muy parecida a 恋 (koi), es decir, «amor romántico». Shinji se confunde y repite la palabra. Kaworu se la aclara, indicando que es la palabra para definir «el amor». Os dejo por aquí un link de un post que lo explica algo mejor. Y sí, I love you/te quiero es una traducción correcta si no quieres ponerte a explicar en pantalla a los espectadores qué juego de palabras japonesas quieres hacerles llegar.

Más tarde, cuando Shinji no quiere regresar a su dormitorio, acaba durmiendo junto a Kaworu. Es una escena que contrasta bastante con cuando Shinji intentó besar a Asuka. Entonces estaban frente a frente, a la misma altura, pero en una total desigualdad de condiciones. Asuka, al fin y al cabo, estaba dormida y Shinji terminó por entrar en razón y dejar de lado esos horrendos clichés acerca de que besar a personas inconscientes es algo romántico.

Aquí ambos están despiertos. Sin embargo, Kaworu sigue estándo por encima porque es un maldito Ángel y es demasiado bueno para ser verdad.

—¿De qué quieres hablar?

—¿Eh?

—Hay cosas que quieres que escuche, ¿verdad?

Kaworu, como digo, define su presencia en los episodios por y para Shinji y se ofrece a escucharle en vez de ofrecer información sobre sí mismo. Importante, escucha sin juzgar. Porque Shinji necesita hablar. Hasta ahora no ha tenido con quien confesarse —Misato sabe lo que está pasando y es evidente que no se han sentado a hablar de ello—, con quien desahogarse. Pero Kaworu es diferente.

Shinji le habla de algo tan privado como su relación con su padre y cómo le hace sentir. Al final termina preguntándose por qué le cuenta algo así a Kaworu, al que no conoce de nada, y cuando le mira… Se queda sin palabras.

Porque Kaworu no lo regaña, ni le da lecciones, ni se burla. No, se limita a mirarlo con una sonrisa tierna y a decir, ilusionado:

—A lo mejor he nacido para poder conocerte.

Una frase claramente romántica que en Rebuild of Evangelion evoluciona a un seguro y confiado «he nacido para conocerte».

En los borradores se da entender que Kaworu creció solo y que por eso se enamoró de la cultura lilim, que investigó por su cuenta. Resalto esto porque, literalmente en términos de guion, ha nacido para Shinji mientras que SEELE le ha dicho que existía para destruir la cultura lilim, que tanto apreciaba.

¿Como no va a ser feliz al haber encontrado a una persona a la que puede entender y que le convence de que los humanos merecen ser protegidos?

Tabris, Ángel de la Libre Voluntad, decide que toda su existencia ha merecido la pena porque ha conocido a este chico de corazón frágil como el cristal, que merece amor y le cede el sitio cómodo para dormir mientras busca su consejo.

El resto es historia. Kaworu desciende hasta Terminal Dogma, donde encuentra el cuerpo de Lilith en vez del de Adán, y decide que quiere morir en manos de Shinji para asegurarse de que nadie pueda usarlo para matar a este ni a ningún otro humano. Muere para que el planeta continúe en mano de los lilim, en vez de pasar a las de los Ángeles.

Y Shinji vuelve a quedarse solo.

 —Kaworu dijo que me amaba. Era la… era la primera vez que alguien me dijo que me amaba. Él era como yo y como Ayanami…

»Le amaba.

No le caía bien, no le gustaba. Le amaba.

Y así, ahogándose en la culpa, Shinji continúa desarrollando crecientes impulsos suicidas que le llevan a intentar suicidarse al principio de End of Evangelion.

—Kaworu es quien debería haber sobrevivido. Era mucho mejor persona que yo. Kaworu debería haber sido el que sobreviviera.

Un amor trágico y breve, que no termina aquí.

En End of Evangelion comienza el fin del mundo. Cuando la amalgama de Lilith-Adán-Rei-Kaworu se alza sobre el mundo y destruye todos los Campos A.T., lo hace mediante una técnica muy, muy concreta. Uno tras otro, los personajes ven al ser con el que quieren ser uno. Es decir, la persona ante la que estarían dispuestas a desnudarse de toda protección, ante la que bajarían las defensas. Podría discutirse si es una técnica retorcida o no, dado que Dios está buscando matar a todos los humanos, pero el enfoque parece ser asegurarse de que lo último que vea una persona antes de morir sea al ser que más ama y permitirles un contacto directo.

Es la mejor forma, pues, de confirmar sentimientos románticos.

Así, Misato ve a Kaji antes de morir. Makoto ve a Misato. Shigeru solo ve, aterrorizado, a muchas maliciosas Rei (lo cual podría indicar que es arromántico o asexual. En cualquier caso, dentro del espectro ace). Fuyutsuki, por supuesto, ve a Yui. Maya, a Ritsuko. Aquí podéis verlos todos.

En todos los casos, sus seres amados se manifiestan de una forma concreta y un poco out of character, porque se están adaptando a lo que quieren de ellos. Por eso Misato es sensual, Yui aparece cual ángel y Ritsuko abraza a Maya con una sonrisa confiada y atrayente.

¿Y Shinji? ¿A quién ve Shinji?

Pues primero ve a Rei, que trata de acercarse a él y encuentra un definitivo rechazo acompañado de comprensibles alaridos de horror.

De modo que Rei permite que Kaworu ocupe su lugar. Al escuchar su voz, Shinji se calma de inmediato y lo llama con los ojos húmedos por las lágrimas.

Al contrario que Rei, Kaworu no despierta inquietud, no emana ninguna clase de amenaza a pesar de ser también un gigante blanco. Más que nunca, Kaworu parece un ángel descendido del cielo para socorrer a Shinji, más con el diseño de la cabina del Entry Plug que imita dos alas.

—¿De verdad estás aquí, Kaworu?

Como respuesta, Kaworu envuelve a la EVA 01 con las manos y, sonriendo, Shinji se rinde. Abandona toda voluntad de vivir y se abre, literalmente, a Kaworu al fusionarse con él.

Y esto se ve cuando el Núcleo de la EVA 01 queda expuesto entre un estallido de jugos que para nada recuerdan a la lubricación femenina. La carne que se abre para dejar paso al Núcleo también tiene forma de labios vaginales, clítoris incluido.

A continuación, la Lanza de Longinus penetra el Núcleo de la EVA 01. Más de una vez la Lanza ha aparecido como la metáfora de un pene, como se ve en la terrible muerte de Asuka que quería recordar a una violación en grupo, y en este caso está penetrando algo con la forma de una vagina.

Vaya, cualquiera diría que se nos quiere decir que esto es equivalente al sexo.

Y Shinji se funde con la amalgama que es Dios (podemos ver incluso cómo Rei recupera el control mientras Kaworu pasa a una posición pasiva) para, literalmente, morir.

De modo que si necesitamos alguna otra confirmación de que Kaworu es el interés romántico de Shinji, es este. Para bajar sus defensas, Dios no empleó a Misato, a Asuka o a la propia Rei, sino a Kaworu.

Y lo triste es que no debería ser necesario recurrir a todas estas explicaciones para dejarlo, pero mientras siga habiendo censura… Al menos tenemos el consuelo de que no podrán borrar el material original.

¡Que el viento sople a vuestro favor!