Analizando End of Evangelion #2. El enemigo es la Humanidad

¡Seguimos analizando End of Evangelion! Después de una introducción básica y de recibir la primera bofetada por parte de Anno, vamos a ver cómo se desarrolla al mayor enemigo de NERV. La propia Humanidad.

Como toda buena historia de ciencia ficción, Evangelion pretende estudiar a los humanos con situaciones que reflejan nuestra realidad. Los Ángeles, tan extraños y distantes, nunca tuvieron demasiada personalidad porque lo que importaba era cómo reaccionarían los protagonistas para superar sus obstáculos. En realidad, la serie se cuidó de que no sintiéramos simpatía por ellos hasta que nos presentaron a Kaworu, un Ángel con forma humana. El planteamiento de esta idea pretende hacernos reflexionar sobre la forma de ser de nuestra especie. Cuanto más parecido es algo a nosotros, más empatía tenemos con ello. Así que, y a pesar de que EoE confirma lo que ya se sospechaba —que son humanos—, la revelación de que somos primos hermanos da un poco de igual porque los Ángeles no tienen aire antropomórfico. Y, sin duda, es algo que Anno y su equipo eligieron a propósito.

Por tanto, tenemos dos bandos, por decirlo de alguna forma. El de los Ángeles, bebés casi inmortales que no sabían lo que sucedía y buscaban a su madre, y a la propia Humanidad que actúa obedeciendo órdenes en el caso del ejército y no duda en destrozarse a sí misma. Es, cuanto menos, irónico que apareciera como enemigo a un Ángel que intentó hacer renacer a sus hermanos y, por otro lado, a una organización que pretende reducir a la nada al resto de seres humanos. Lleva a reflexionar sobre la inmadurez de nuestra especie. 

Así pues, nos quedamos con un ejército profesional a las puertas de NERV y toca defenderse, por mucho que Maya critique por lo bajo la idea de enfrentarse a otros seres humanos. ¡Es la gracia, Maya! Por otra parte, querida mía, cuesta creer que acabes de ver cómo el Gobierno despliega todo su arsenal militar contra vosotros…

En realidad, el problema de Maya es que no quiere darse cuenta de la situación. Es comprensible. Nadie espera que su recompensa por proteger el mundo sea que te den una patada en el culo porque tu jefe no quiere dar el instrumento que provocará el Apocalipsis a la vez que planea iniciar este por su cuenta.

Gendo declara el estado de batalla y se cierran las entradas.

Pero la orden ha llegado demasiado tarde.

 

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Analizando End of Evangelion #1. Inicio y cómo nació EoE

¡Bienvenidos! ¡Vamos a analizar, por fin, End of Evangelion! Eso significa, por supuesto, que habrá spoilers y que cualquiera que busque leer estos análisis de forma independiente a los de la serie, espero que se haya visto la película de antemano.

Como estamos ante una película muy larga conformada por los episodios 25 y 26, que podrían ser paralelos a los del final del anime o versiones alternativas (queda al gusto de los espectadores), siento decir que eso significa que tendremos que dividir los análisis en partes. Muchas partes. Para empezar, hablaremos un poquitito de qué llevó a que este título existiera, pero también veremos los primeros minutos del largometraje. Así que paciencia ¡y espero que disfrutemos juntos del viaje!

Aviso de spoilers de End of Evangelion. Por si no quedaba claro

Agua, el caluroso y abrumador sol, ruidosas cigarras. Así comienza End of Evangelion, un contraste muy destacado con el mundo en el que Shinji y Asuka renacerán, pero que no deja de mostrar a gritos los ciclos en los que viven nuestros personajes. Tanto la serie como End comienzan con agua y acaban con escenas de agua, después de todo. Un agua que siempre ha hecho las veces de metáfora de vida en Evangelion, porque se relaciona con el mar del que todos nos originamos. Así que podemos interpretar que es un mensaje de esperanza, hasta en las peores circunstancias.

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La Sirenita, la historia del Rey Tritón desde los ojos de su hija

¿Os habéis fijado en cómo empieza La Sirenita? No es hablando como tal de las sirenas, sino del malhumorado y peligroso Rey Tritón. Dudo mucho que sea casual, porque La Sirenita, sin desmerecer todas sus virtudes, entre otras comenzar el Renacimiento de Disney, no es realmente la historia de Ariel… sino la de su padre. Que no por nada es el personaje más detallado, profundo e interesante. Lo siento, Úrsula, seguirás aun así teniendo un lugar muy grande en nuestras pobres almas en desgracia.

A veces se dan esos casos. Si habéis visto Mad Max Fury Road sabréis a lo que me refiero. El título lleva el nombre de Max, el protagonista es Max, pero la historia… La historia pertenece a Furiosa. En La Sirenita sucede lo mismo, solo que de forma menos evidente y peor elaborada. Los directores, Clements y Musker, se desviaron muchísimo de la historia de Christian Andersen. No solo eliminaron el drama, el papel de las hermanas, el final o… bien, básicamente todo lo que caracteriza a la Sirenita, sino que dieron mayor papel a la bruja (que incluso adquirió un nombre) y, en especial, a Tritón, que ni siquiera era un personaje como tal en la historia original. Y es que Andersen puso como mujer destacada a la abuela de las niñas, y no al padre. Pero bueno, Disney adora eliminar a figuras maternales, ya lo sabemos. Un día puede que incluso hable de ello en la película de Aladdín.

El caso es que todo esto tiene un motivo sencillo. Los escritores eran todos hombres (al menos en La Bella y la Bestia hubo dos mujeres destacadas como Brenda Chapman y una escritora se ocupó del guion: Linda Woolverton. Esta última autora también elaboró el guion de El Rey León y de otras películas menos destacadas como las adaptaciones de MaléficaAlicia en el país de las maravillas. Pobre mujer, siempre le quitan cosas interesantes de sus ideas originales). Así que lo que hicieron, aunque fuera de forma inconsciente, fue lo que todos los hombres: meter a un personaje masculino con el que identificarse. No me cabe duda de que por eso está tan bien elaborado.

Pero vamos a examinar la película, por si no me creéis.

Hemos dicho que la historia comienza con menciones a Tritón. Acto seguido, tras los créditos, asistimos a un concierto organizado para el Rey, que exige a sus hijas que lo adulen frente a su reino. En el momento en que una falla y lo pone en ridículo, por fin conocemos a Ariel. Una muchachita de 16 años, curiosa, desafiante y enamoradiza, como sucede a su edad. Tritón tiene muchos problemas con ella porque es la única rebelde de entre todas sus hijas (¿quizá? Tampoco sabemos mucho de ellas, excepto que se esforzaron por distinguirlas en diseño), pero parece mentira que tras siete todavía no sepa lidiar con adolescentes.

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¿Qué hace a Haikyû!! un manga de deportes tan especial?

Haikyû!! es un manga creado por Furudate Haruichi, con múltiples adaptaciones y serializado en la Weekly Shônen Jump desde febrero de 2012. Lo que lo destaca entre otros de su género y hace que su popularidad sea alta y constante tras seis años de serialización es realismo, detalles y personajes que nos importan.

La historia de Emil en ‘NieR’ y ‘NieR: Automata’. Tus ojos no son un pecado

En el anterior artículo tocamos la poca información que tenemos del pasado de Emil, anterior a los eventos de NieR. Fueron, con todo, seguramente los años que más le influenciaron y que más enterró después de tener que petrificar a su hermana Halua. Pero a su vez se trató de un período muy corto de su vida, ya que tras eso transcurrieron mil años sin que apenas pasara nada que lo obligara a cambiar.

Así pues, se fueron sucediendo generación tras generación de Replicantes, como podéis comprobar en este artículo si tenéis curiosidad, pero Emil se mantuvo como siempre y eso de alguna forma ha tenido que afectar a su forma de ser y pensar. No sabemos bien qué fue de él, excepto que tendió al aislamiento, siempre con los ojos cubiertos. Se instaló en una mansión construida sobre el laboratorio y esperó. Y esperó. ¿A qué? Bien, nunca se dice, pero es evidente que aguardaba a que algo cambiara, aunque no estaba preparado para intentar encontrar ese cambio por su cuenta. De ahí que Taro decidiera arrebatar los colores a la mansión para enfatizar la sensación del tiempo detenido, de la falta de vida.

Es imposible imaginar cómo debe ser vivir siglos en la oscuridad, en el olvido, sin más compañeros que aquellos que terminaron petrificados por error y un mayordomo llamado Sebastian. De acuerdo a Taro, tanto Sebastian como Emil son inmortales… Lo cual despierta algunas preguntas. Los Replicantes son sustituidos por los androides —así, a veces se dan problemas como el cuerpo de Kainé, mezclado con el del esposo de su Gestalt, que terminó desarrollando una condición de hermafroditismo— y no mantienen recuerdos. Por fuerza, Sebastian no puede ser un Replicante. ¿Significa que Sebastian es un androide? ¿O solo es un apoyo para Emil al que no conviene dar más profundidad en guion…?

En cualquier caso, Emil pasó una eternidad casi solo, renunciando a su vista después de haber condenado a suficiente gente. Por supuesto, eso implica desarrollar una concepción monstruosa sobre sí mismo. Aunque para la época de Nier ha olvidado que tuvo una hermana, considera que su don es más una maldición que otra cosa. Por eso decide de forma voluntaria dar la espalda al mundo… A la vez que desea amigos. Pero no se atreve a buscarlos, en parte por miedo al rechazo. Sin otras personas con las que interaccionar, Emil mantuvo más o menos su personalidad infantil y se consolaba con libros y música. Exactamente igual que cuando era un sujeto de laboratorio.

Al final, Sebastian escribe a Nier pidiendo ayuda para encontrar una forma de curar a Emil. ¡Tras mil años! Y es que la casa es peligrosa, porque se ha llenado de Sombras. Por una pequeña equivocación, termina carteándose con Yonah y a pesar de las malinterpretaciones que esto provoca, cuando Nier se entera de la situación decide quedarse a ayudar.

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Blame! de Tsutomu Nihei. El silencio del viaje más largo

Blame! es una de esas obras que no está destinada a ser muy famosa. Su estética cyberpunk, sucia y claustrofóbica (o agorafóbica, dependiendo del momento) con la mezcla de lo orgánico y mecánico a lo Giger (Alien), unido a una impresionante falta de diálogo crean un inicial rechazo en el lector. Sin embargo, Blame! es una obra… diferente. En muchos aspectos. Personalmente creo que para bien.

Cuando Tsutomu Nihei inició el manga en 1998, no pensó en una trama concreta más allá de un personaje inmortal —como todos sus protagonistas masculinos, ya que Nihei ha afirmado tener un profundo terror a la muerte— recorriendo una enorme ciudad. Aparte, su diseño de personajes era… simple y con una capacidad muy torpe para los rostros. Es más, el fandom solía bromear sobre la falta de sentimientos de sus personajes, hecho que se mantuvo más o menos hasta Sidonia no Kishi (Knigts of Sidonia en España), cuando empezó a aparecer alguna sonrisa o expresión de indignación. Esto podría deberse a que Tsutomu Nihei no empezó a dibujar hasta bien entrados los veinte, momento que dejó de trabajar en una empresa de construcción y decidió que quería probar a ser mangaka.  Después de fallar en algunos concursos, en 1997 logró entrar como ayudante de Tsutomu Takahashi, que trabajaba en Jiraishin. Allí aprendió las bases y al año siguiente logró empezar a publicar Blame!

Nihei ha afirmado que, por entonces, consideraba que hacer manga era una forma de expresión, más que un trabajo. Lamenta que sus lectores encontraran su manga difícil de leer y considera que Blame! es una obra extraña y opaca. Es decir, hasta cierto punto, podríamos compararlo con cine de autor. Sidonia no Kishi y Aposizm, sus mangas más recientes, en cambio, tienen un estilo y un tipo de historia que intenta llamar mucho más al lector corriente.

Pero incluso entonces, Nihei siempre tiene algo especial: el ambiente. Ya desde su debut con Blame! sus historias transpiran un trabajo del mundo impresionante. Por supuesto, el aspecto más destacado suele ser la arquitectura y la ciencia ficción porque, como bien comenta el autor, no son habituales. ¡Y en algo tiene que destacar si quiere que lo distingan entre todos los demás mangakas!

Pero ¿de qué va Blame!?

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Analizando Neon Genesis Evangelion #26. La bestia que pedía amor a gritos desde el centro del mundo

¡Bienvenidos al último episodio de Evangelion! ¡Aaaah, la emoción! ¡Por fin vamos a ter-…! Qué diantres, si queda EoE. Os libráis de los agradecimientos y el llanto de mirar hacia atrás. Aunque igualmente, a los que habéis llegado hasta aquí, gracias. ¡Espero que sigamos leyéndonos durante un tiempo todavía!

El capítulo continúa, como no podía ser de otra manera, con la Complementación y un texto no informan no solo de ello, sino que rompe la cuarta pared y reconoce que no hay tiempo para hablar de la de todo el mundo. ¡No queda otro remedio que centrarse en el caso de Shinji Ikari!

Lo primero que vemos es el kanji de miedo, con un fondo rojo agresivo porque es la realidad a la que se enfrenta Shinji. Si no tuviéramos miedo a hacernos daño… probablemente todos estaríamos muertos porque no tendríamos instinto de supervivencia. Pero imaginando que fuéramos capaces de afrontar el miedo, puede que el mundo doliera un poco menos, que las cosas fueran distintas, que no rechazáramos al Otro y fuéramos mejores personas.

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La evolución de Phosphophyllite en Houseki no Kuni (II)

Aviso: Este artículo contiene spoilers de Houseki no Kuni. No sigas leyendo si no vas al día con el manga.

Continuamos con la evolución de Phos. Dejamos la primera parte después de la muerte de Antarcticite, cuando Phos obtiene sus brazos de oro y empieza a utilizarlos para luchar y proteger a las demás gemas. Es un propósito que está dispuesto a cumplir, si bien ya dijimos que pelear ya no le despierta tanto entusiasmo. Casi inmediatamente después, vemos que esto irá unido muy de cerca de la relación entre Phos y el Maestro. La aparición del Lunarian Shiro, a quien el Maestro conoció y miente al respecto, despertará las primeras sospechas de nuestro protagonista. ¿Sobre qué más mentirá el Maestro?

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Mistral Chronicles